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《金融学(第2版)》力图以马克思主义基本原理为指导，系统阐述金融基本理论、基本知识及其运行规律；客观介绍世界上主流金融理论及最新研究成果和实务运作的机制；立足中国实际，努力反映经济体制改革、金融体制改革的实践进展和理论研究成果，实事求是地探讨社会主义市场经济中的金融理论和实践问题。自2004年以来，中国金融业的改革、开放和发展令世人瞩目，金融业的发展正呈现出新的格局和生机。为了使教材能够适应金融专业教学改革与发展的新要求，使学生更好地理解金融发展的内在原理，了解中国金融发展的历史和现状，我们对《金融学(第1版)》进行了全面的修订：调整了部分章节的内容，强化了对重要概念的阐释，加强了对原理的阐述，更新了相关数据和资料，更换了阅读专栏的内容，补充了金融改革、开放和发展中的新知识，如国有商业银行的股份制改革、加入世界贸易组织过渡期后金融的全面开放、巴塞尔新资本协议等，力图使教材的内容更加贴近实际，对实际工作提供现实的指导。
《光影浮生录：二十世纪西方电影的视觉革命与文化回响》 内容提要： 本书以二十世纪为时间轴，深入剖析了西方电影艺术的诞生、发展及其在不同历史阶段对社会文化产生的深刻影响。全书聚焦于技术革新、美学风格的演变、关键导演的创作哲学，以及电影作为大众媒介如何重塑了现代人的认知与情感结构。我们不仅探讨了默片时代的奇观构建，有声电影带来的叙事转型，更细致考察了黑色电影的都市焦虑、新浪潮运动的作者论回归，直至后现代主义的解构尝试。本书旨在提供一部兼具史学深度与审美洞察力的电影文化史著作。 --- 第一章：默片的黄金时代——视觉的原始冲击与戏剧的极限张力（1900-1927） 二十世纪初，电影作为一种新兴的“奇观”技术横空出世，迅速吸引了全球的目光。本章将追溯从卢米埃尔兄弟的纪实性短片到梅里爱的魔幻叙事，电影是如何在没有对白的情况下，单纯依赖光影、蒙太奇和肢体语言来构建复杂情感和宏大叙事的。 重点分析梅里爱（Georges Méliès）对特效和场景设计的开创性贡献，如何将魔术剧场搬入光影之中。随后，我们将深入研究美国电影工业的早期构建，特别是大卫·格里菲斯（D.W. Griffith）在长片叙事结构上的里程碑式突破，例如他如何精炼了特写、交叉剪辑等核心语法，奠定了现代电影叙事的基石。 此外，本章还将详述欧洲先锋派电影的探索，包括德国表现主义对心理状态的外化表现，例如罗伯特·维恩（Robert Wiene）的《卡里加里博士的内阁》中那种扭曲、非理性的布景设计，如何预示了战后欧洲知识分子群体的精神危机。同时，苏联蒙太奇学派的理论实践，如爱森斯坦（Sergei Eisenstein）对“碰撞式剪辑”的哲学探讨，展示了电影在意识形态宣传和纯粹美学形式上所能达到的高度。默片时代是电影语言的“婴儿期”，充满了未经雕琢的野性和对视觉潜能的无限想象。 第二章：声音的降临与叙事的重塑——好莱坞的巩固与类型片的定型（1927-1940s） 有声电影的出现，并非是电影艺术的简单升级，而是一场彻底的范式转移。本章探讨了从默片向有声片的过渡期所引发的行业震荡、技术挑战，以及叙事上的巨大转变。声音的引入，使得环境音效、对白成为了新的叙事工具，同时也对演员的表演方式提出了截然不同的要求。 重点关注好莱坞“制片厂制度”的成熟。在米高梅、派拉蒙等巨头的运作下，电影制作流程被高度工业化。本章将详细梳理经典好莱坞叙事模式的形成，特别是类型片的规范化：浪漫喜剧的轻快、西部片的道德边界、歌舞片的视听盛宴。我们审视了约翰·福特（John Ford）如何通过对美国西部精神的诗意重构，定义了“美国性”的影像表达；以及奥逊·威尔斯（Orson Welles）在《公民凯恩》中对景深镜头（Deep Focus）、低角度拍摄和非线性叙事的激进试验，如何打破了传统线性叙事的束缚，预示了现代电影的可能性。 第三章：战后阴影与艺术的觉醒——现实主义的回归与作者论的兴起（1940s-1960s） 二战的创伤使西方社会对既有的叙事和道德体系产生了深刻的怀疑。本章探讨了战后电影如何从对宏大叙事的迷恋转向对个体困境、道德模糊性的关注。 黑色电影（Film Noir）的兴起是本章的核心议题。我们分析了其受德式表现主义影响的视觉风格——阴影、雨夜、霓虹灯，以及其对“蛇蝎美人”和边缘化男性的刻画，这反映了社会对性别角色和城市异化的不安。同时，意大利新现实主义（Italian Neorealism）的出现，强调在废墟中寻找真实，以非职业演员和实景拍摄，对电影的“真实性”概念进行了严峻的挑战。 进入五六十年代，法国新浪潮（Nouvelle Vague）的思潮汇集，特别是特吕弗（François Truffaut）和戈达尔（Jean-Luc Godard）对电影制作人身份的强调——“作者论”（Auteur Theory）将导演提升至与作家同等的地位，电影不再仅仅是工业产品，而是个人思想和风格的独特载体。本章将剖析他们如何通过打破时间流畅性、直接对话镜头等手法，使观众意识到自己正在观看“一部电影”。 第四章：颠覆与反叛——新好莱坞与国际艺术电影的激进对话（1960s-1970s） 六十年代末至七十年代初，美国电影业遭遇危机，审查制度放松，老一辈的制片厂体系瓦解，为一批受欧洲艺术电影熏陶的年轻导演（如科波拉、斯皮尔伯格、斯科塞斯）提供了沃土。本章聚焦于“新好莱坞”的诞生，他们既继承了好莱坞的工业技术，又植入了对社会、政治的反思和个人化的表达。 我们将考察《毕业生》、《邦妮与克莱德》等影片如何质疑父辈的权威和美国梦的破灭。斯科塞斯（Martin Scorsese）对底层暴力和信仰的痴迷，如何将犯罪片提升至对美国道德困境的深度探讨。与此同时，国际上，波兰学派、捷克新浪潮等运动继续深化对个人自由、历史叙事复杂性的探索，例如安东尼奥尼（Michelangelo Antonioni）对现代人精神疏离感的描绘。这一时期，电影的边界被不断推挤，商业与艺术的界限变得模糊不清。 第五章：技术奇观的回归与后现代的镜像——解构与重构（1980s至今） 八十年代，随着数字技术和特效的飞速发展，电影的重心开始向视觉奇观和高概念叙事倾斜。本章探讨了史蒂文·斯皮尔伯格和乔治·卢卡斯如何利用新兴技术，重新定义了大众电影的吸引力，使之成为一种全球性的娱乐现象。 然而，视觉的炫目并未掩盖艺术思考的停滞。本章的后半部分转向后现代主义对电影语言的反思：昆汀·塔伦蒂诺（Quentin Tarantino）对类型片元素的戏仿与拼贴，展示了电影历史本身如何成为了创作的原材料；大卫·林奇（David Lynch）对梦境逻辑和潜意识的坚持，挑战了观众对连贯现实的依赖。 最后，我们将探讨二十一世纪初数字媒介的普及对电影叙事模式的冲击，以及流媒体平台如何改变了电影的观看习惯和生产周期。本书的结论部分将总结二十世纪西方电影如何从一个模仿现实的工具，演变为一个反思自身、解构社会、并不断自我迭代的复杂艺术形式。它不仅是技术进步的记录，更是现代西方精神面貌的视觉史诗。
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