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出版者:

作者:张尧

出品人:

页数:171

译者:

出版时间:2008-1

价格:40.00元

装帧:

isbn号码:9787540440558

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
• 戏曲
• 京剧
• Drama
• BeijingOpera
• 京剧
• 戏曲
• 传统文化
• 表演艺术
• 戏曲理论
• 文化艺术
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• 舞台艺术

《梨园旧梦》 这是一个关于传承的故事。 在江南水乡一个临河而居的小镇，有一座古老的戏楼，名叫“百花台”。百花台承载了数代梨园人的悲欢离合，也见证了这个小镇的兴衰变迁。故事的主人公，是百花台新一代的当家花旦，名叫“婉儿”。婉儿自幼随祖母学习京剧，有着一副好嗓子，一身好身段，更有着一颗热爱京剧的心。然而，随着时代的发展，传统戏曲的观众日益减少，百花台也面临着入不敷出的困境。 婉儿的祖母，是一位德高望重的京剧名家，她一生致力于京剧艺术的传承，却也深知时代的洪流难以逆转。她将毕生所学倾囊相授，希望婉儿能够凭借天赋和努力，在时代变革中为京剧寻得一线生机。婉儿心中既有对艺术的热忱，也夹杂着对未来的迷茫。她一遍遍地在空荡的戏楼里练习唱念做打，每一个眼神，每一个动作，都饱含着她对京剧的深情。 故事的另一条线索，是小镇年轻一代的视角。在这个充满现代气息的小镇里，年轻人们追求着新潮的音乐、快节奏的生活，对被他们视为“老古董”的京剧提不起丝毫兴趣。婉儿的青梅竹马，一个名叫“阿泽”的年轻人，是镇上新媒体工作室的负责人。他眼见婉儿在老旧的戏楼里苦苦坚持，心中既心疼又着急。他试图用自己的方式帮助婉儿，比如拍摄记录片，制作短视频，希望将京剧的魅力传递给更广泛的年轻群体。然而，他自己的内心，也曾有过对京剧的误解和疏离。 婉儿与阿泽之间的关系，是故事的重要情感支点。他们代表着两种不同的文化理念和生活方式的碰撞与融合。阿泽欣赏婉儿的坚持，却也为她理想的“不合时宜”感到担忧。婉儿则被阿泽的新思维所吸引，但也担心他会为了迎合市场而磨损京剧本身的韵味。他们的争论、理解、支持与分歧，构成了故事的戏剧张力。 随着情节的推进，百花台的困境日益严峻。镇上的老一辈戏迷，是百花台最坚实的支撑，但他们也渐渐老去，离去的日子越来越近。一位老戏迷，名叫“陈老”，是婉儿祖母的挚友，也是婉儿从小听着他讲戏曲故事长大的老人。陈老在弥留之际，将自己珍藏多年的几本关于京剧史料的笔记交给了婉儿，并嘱托她要“守住根，也要敢于创新”。 这些笔记中，记录着百花台辉煌时期的点点滴滴，也包含着一些失传的经典曲目和独特的表演技巧。更重要的是，其中有一段关于婉儿家族祖上，一位曾经声名显赫的京剧老生，在战乱年代如何保护一批珍贵戏曲手稿的故事。这段故事，让婉儿深刻体会到，京剧的生命力，不仅仅在于舞台上的光彩，更在于一代代人对它不懈的守护和传承。 婉儿开始反思，如何才能在传承的基础上，注入新的生命力。她开始尝试将一些现代的舞台表现手法融入到传统戏曲中，比如运用更具现代感的灯光设计，尝试更具表现力的肢体语言，甚至大胆地在服装上进行一些改良，但都力求在不失京剧神韵的前提下，给观众带来耳目一新的感觉。 她的这些尝试，在保守的老一辈艺人中引起了争议，但也得到了部分敢于尝试的年轻演员和一些开明的观众的支持。阿泽则利用自己的专业技能，为婉儿的这些新尝试拍摄了许多精美的宣传片，并通过网络平台进行推广。出乎意料的是，这些富有现代气息的京剧宣传片，在网络上引起了巨大的反响，吸引了不少从未接触过京剧的年轻人。 故事的高潮，是一场在百花台举办的“新生梨园”专场演出。婉儿在这次演出中，不仅表演了经典剧目，还演绎了一出改编自小镇民间传说的全新京剧。这出新编剧目，融合了传统京剧的唱腔和身段，以及现代音乐的元素和阿泽团队设计的创意视觉效果。演出前，很多人对这场创新持有怀疑态度，认为这会是对京剧的亵渎。 然而，当婉儿在台上，伴随着悠扬的京胡声，身着改良的戏服，用她那极具穿透力的嗓音，演绎着一段段古老与现代交织的悲欢离合时，台下的观众，无论是年长的戏迷，还是初次接触京剧的年轻人，都被深深地打动了。当她饰演的角色，在舞台上经历重重磨难，最终以坚韧的生命力绽放光彩时，掌声雷动，经久不绝。 这场演出，不仅仅是一场演出，更像是一个宣言。它证明了，京剧并非只属于过去，它也可以在时代的大潮中，找到属于自己的新舞台，绽放出新的光彩。婉儿和阿泽，以及百花台的全体人员，共同谱写了一曲关于传承与创新的赞歌。 故事的结尾，百花台并没有因此变得宾客盈门，生意兴隆。但它变得更加有活力，有了更多的关注，也吸引了一批新的学习者。婉儿也明白，京剧的传承之路依然漫长而艰辛，但她心中充满了希望。她知道，只要有人还在热爱，有人还在坚持，有人还在用心地去讲述属于梨园的故事，那么，古老的京剧，就永远不会消逝。 《梨园旧梦》所展现的，并非仅仅是一个关于京剧的故事，更是一个关于文化如何在时代变迁中寻找到生命力，关于年轻人如何连接过去与未来，关于坚持与创新的思考。它描绘了一个充满温情与韧性的故事，让读者在感受京剧艺术魅力的同时，也能体会到一种关于文化传承的深刻力量。书中细致地描绘了小镇的风土人情，婉儿对京剧的痴迷与付出，阿泽从怀疑到支持的转变，以及老一辈对传统文化的守护。通过人物的内心刻画和情节的跌宕起伏，展现了传统艺术在现代社会所面临的挑战与机遇，以及个体为守护与发展文化所付出的努力与智慧。故事中的京剧唱腔、身段、服装、脸谱等细节，都被赋予了生命力，仿佛能让读者穿越时空，亲临那个充满魅力的梨园世界。同时，故事也探讨了创新与守旧之间的平衡，如何在保留传统精髓的基础上，注入新的活力，吸引新的受众，让古老的艺术焕发新生。

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这本书的语言风格极其流畅自然，读起来完全没有那种枯燥的学术气息，更像是资深戏迷在跟你娓娓道来他/她多年浸淫其中的心得体会。作者在叙述某个行当的技巧时，会巧妙地穿插一些生动的比喻，比如将某个水袖动作比作“流动的云彩划过天际”，或者将某个唱腔的转音描述为“山涧溪水绕过卵石的婉转”，一下子就把抽象的艺术具象化了。更难得的是，他/她似乎有一种魔力，能把那些复杂的规矩和程式，用最接地气的方式讲解清楚，让你这个门外汉也能大致领会到其中的精妙之处，而不是一头雾水。读到某些段落时，我甚至能想象出舞台上的情景，仿佛听到了那悠扬的板眼和铿锵的锣鼓声。这种叙事上的亲切感和专业度的完美平衡，让阅读过程变成了一种享受，而不是负担，让人忍不住一口气读完又想重读一遍，细细咂摸那些精妙的措辞。

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从内容组织上看，这本书的脉络设置非常清晰，虽然主题宏大，但章节之间的过渡衔接得天衣缝l，逻辑性极强。它没有采取那种流水账式的历史罗列，而是选择了几个关键的维度进行深入剖析，比如不同流派的风格差异、不同剧目的核心精神、以及幕后制作的复杂流程等。我特别欣赏作者在处理不同历史时期艺术演变的部分，他/她没有简单地下结论，而是通过对比分析不同时期的文献记载和演出实况，展现出一种动态的美学发展观，让人明白艺术是不断在继承与创新中前行的。阅读时，我总能感觉到作者像是一位优秀的导游，他/她不会把你直接扔进一个巨大的博物馆让你迷失，而是会牵着你的手，精准地带你到每一个重要的展品前，细致讲解其背景和价值，讲解完毕后又自然地引导你走向下一个看点，整个过程节奏把握得非常好，让人全程保持高度的专注。

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这本书的深度和广度令人印象深刻，它显然是建立在扎实的田野调查和案头研究之上的，绝非泛泛而谈。很多关于舞台调度和演员心理的描述，细节丰富到让人惊叹，仿佛作者就是台上的一个隐形观察者。例如，书中对于一个武生在谢幕前需要调整呼吸、收敛精气的描述，那种对人物内心世界的捕捉，远超一般介绍性读物的水准。此外，书中似乎还涉及了一些鲜为人知的行规和老一辈艺术家的轶事，这些内容既满足了读者的好奇心，又极大地丰富了对这门艺术生态的认知。读完之后，我感觉自己对舞台背后那份“台上一分钟，台下十年功”的真正含义，有了更深刻、更立体化的理解，不再仅仅停留在口号层面，而是具象化为无数个日复一日的磨砺与坚持。

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这本书的装帧设计简直是视觉的享受，那种典雅又不失活泼的配色，拿到手里就能感受到一种对传统艺术的敬意。封面烫金的纹饰，虽然没有直接看到京剧脸谱，但那种精致的线条感，让人联想到舞台上华美的戏服和流动的身段。我特别喜欢它纸张的质感，微微带着一点点粗粝，却又非常厚实，翻阅起来有一种踏实感，不像有些精装书一翻就怕折坏。内页的排版也是下了大功夫的，字里行间留出的空白恰到好处，既保证了阅读的舒适度，又让版面显得疏朗有致，绝不会让人感到拥挤。尤其是那些留白处偶尔点缀的古代戏曲元素的小插画，虽然是黑白或淡墨色，但寥寥几笔就勾勒出了韵味，显示出编者对传统美学的深刻理解。这本书拿在手里，就像抱着一件精心制作的工艺品，即便是暂时不读，放在书架上也是一道亮丽的风景线，散发着一种沉静的书卷气，让人忍不住想去探究它里面到底蕴含了怎样一番精彩的乾坤。

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这本书的实用参考价值是它的一大亮点，它不仅仅是提供知识，更像是提供了一种进入艺术殿堂的“钥匙”。虽然我不是专业人士，但书中对某些基本功的分解讲解，那种逐层递进的剖析方式，即使是作为旁观者，也能体会到其训练的严谨性。比如，在描述某个声腔技巧时，它会细致到舌位、气息的控制点，这种严谨度让人肃然起敬。如果是一个戏曲爱好者或者初学者拿到这本书，我敢肯定它会成为案头必备的工具书，因为其中的术语解释清晰到位，配图（假设有）也极具示范性，绝不会让人在学习过程中因为概念模糊而走弯路。它传递出的核心理念是：真正的热爱必须建立在深刻的理解和规范的训练之上，这使得这本书的价值超越了一般的文化普及读物，具备了很强的指导意义和可操作性。

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