具体描述
《法界源流图》主要内容：黎明，生卒年月及爵里下详。清乾隆王嘉庆年间宫廷画家，工人物。该图表现了佛国世界中芸芸来生的形象和所处的自然环境，构图十分严谨。图中用浓重的红、绿、黄、石青、石缘、描金、涂金等多种颜色，表现了佛国世界中崇高、威严、神秘的气氛。人物有单体神像，有佛教故事，也有人物众多的大场面。线条准确，流畅，形神生动。衣纹、服饰因人而异，描写精工细致。此图虽以人物为主绕，但图中人物均处于自然景物之中，与活生生的大自然结合得十分融洽。
卷前金饰莲花座经幢上有乾隆御题。[张胜温所绘梵像，自金刚天龙帝释下及十六应真两大弟子六祖等众，并维摩问答、药师大愿、普门现相，乃至摩酰首罗、药叉、龙女、波旬，种种备具。于凡慈悲、欢喜、威猛、狰狞，无不臻极微妙。南诏尔时，僻在蛮陬，乃于竺乾法会，印证毫端，不第如史册所载，萧梁之菩提画塔，北宋之酤兰佛，仅擅一长，夸艳异域而已。惟是卷中诸佛菩萨之前后位置，应真之名目列序，观世音之变相示感，多有倒置，昔咨之章嘉国师，悉为正其讹舛，命丁观鹏摹写成圆，以借耆阇圆胜功德。今复命黎明等摹观鹏笔意为此图，前后三三，源流同一，其缘起已著胜温及观鹏卷中，兹不複缀。壬子（乾隆五十七年，公元1792年）仲冬月御识。
佛国探微：论中国佛教艺术与哲学思潮（示例性书目） 作者： 观止居士 出版社： 东方文粹书局 出版年份： 癸卯年春 --- 内容提要 本书并非对某一特定图像或经典的直接解读，而是深入探讨了自汉魏肇始，历经唐宋鼎盛，至明清演变过程中，中国佛教艺术与哲学思潮相互交织、彼此塑造的宏大历史脉络。全书以“觉悟的在地化”为主线，细致考察了不同历史阶段，本土文化如何潜移默化地渗透和重塑了源自印度的佛教教义与视觉表达，尤其侧重于图像学（Iconography）与禅宗、天台宗等中国化宗派哲学思辨的关联性研究。 卷帙结构与核心论点 本书共分五卷，结构严谨，论述详实： 第一卷：初传与本土化：汉地佛教艺术的“中国骨骼”塑造（约250字） 本卷追溯佛教艺术进入中原的早期形态。重点分析了犍陀罗风格、马土腊风格与本土文化（如道教、儒家礼制）的初次碰撞。探讨了早期石窟造像中“褒衣博带”的出现，并非简单的艺术模仿，而是为了契合汉人士大夫阶层对“仙气”与“儒雅”的审美期待。同时，详细比对了敦煌早期壁画与西域母题在敦煌莫高窟壁画体系中如何被“驯化”，成为服务于本土信仰的叙事工具。例如，对“变相图”的结构分析，揭示了佛教故事如何被组织成符合中国叙事传统（如因果报应、孝道伦理）的序列结构，而非单纯的教义罗列。 第二卷：盛唐气象：密教仪轨与禅宗美学的双峰对峙（约350字） 盛唐时期是中国佛教艺术的黄金时代，本卷集中分析了这一时期艺术形式背后的哲学张力。一方面，密教的传入，带来了复杂的曼陀罗结构、金刚乘的“即身成佛”理念，这在造像艺术上体现为力度强劲、象征繁复的忿怒相与本尊相的广泛流行。我们将深入解析唐代金铜造像中，力图捕捉“神性”与“人道”之间微妙平衡的工艺特征。 另一方面，禅宗的兴起，对传统的宏大叙事和繁复图像学构成了深刻挑战。本卷将论述禅宗对“不立文字”、“直指人心”的强调，如何影响了中晚唐的绘画风格——从李思训的富丽堂皇转向吴道子（及其后学）的“吴带当风”，及其对线条本体美感的极端推崇。探讨禅宗所推崇的“自然”、“平常心”如何渗透进佛教山水画的构图之中，使得描绘自然山川不再仅仅是表达佛法的背景，而本身即是“真如”的显现。这部分尤其关注水墨技法的成熟，如何成为表达空寂与直观体悟的最有效媒介。 第三卷：宋代理性与图像的精致化：学院派的兴起与民间信仰的深耕（约350字） 宋代，随着士大夫阶层对审美趣味的提升以及佛教内部教义的进一步系统化，佛教艺术进入了一个“理性”与“精致化”的阶段。本卷重点分析了宋代造像中，对比例、体态、衣纹的“科学化”处理，例如，与当时儒学复兴思潮相呼应的，佛像面容趋于温和、内敛，缺乏唐代的激情与外放，更强调“慈悲”的内省状态。 同时，本卷关注民间信仰力量的勃发，尤其是在罗汉造像中的世俗化倾向。宋代的“十八罗汉”系列，其形象塑造往往带有强烈的世俗人物特征、鲜明的性格侧写，甚至是诙谐、生动的世俗场景。这种对“个性”的捕捉，体现了宋人对个体生命经验的重视，是将佛法与日常生活更紧密结合的努力。我们将分析这些世俗化的罗汉形象如何成为寺院中流行的“教化工具”，超越了早期罗汉作为佛陀弟子的单纯符号意义。 第四卷：元明之际的权力与图像：藏传风格的融入与汉传标准的固化（约300字） 元代，藏传佛教（喇嘛教）在政治上的主导地位，对汉地佛教艺术产生了显著影响。本卷将详述藏传佛教的坛城结构、唐卡艺术的色彩体系和密宗仪轨元素如何被纳入汉地寺院的壁画与塑像体系中，尤其是在北方和西南地区的寺院。这并非简单的替代，而是在官方权力支持下的“风格嫁接”。 明代，佛教教义的整理与《大藏经》的刻印达到高峰，这使得汉传佛教的“标准图像范式”得到了前所未有的固化。本卷将分析明清时期，寺院建筑、佛像重塑中，对唐宋经典的“复古”倾向，以及这种“定式化”如何影响了艺术的创新空间。探讨“工匠精神”在这一时期如何将艺术创作转化为一种高度熟练且严格遵循图谱的技艺传承。 第五卷：图像背后的哲思：觉悟的媒介与存在的探问（约250字） 作为总结，本卷回归到哲学层面。艺术品作为承载和传达教义的媒介，其形式的变迁必然反映了不同时代对“觉悟”本质的不同理解。分析了早期佛教图像对“三十二相、八十种好”的物理化描绘，如何逐渐让位于禅宗对“心性”的强调；以及，当艺术变得高度符号化和程式化时，它在多大程度上仍然能够触及观者的“直观体验”。本书最终强调，中国佛教艺术史，即是一部中国士人和匠人不断尝试用本土的审美语言，来翻译和承载“他者”智慧的生动历史。 适读人群 本书适合高等院校历史、艺术史、宗教学专业师生研习，以及对中国传统文化、佛教艺术史有深厚兴趣的专业人士与业余研究者。阅读本书需要对佛教基本概念有一定的了解，但作者力求用严谨的学术语言结合生动的图像分析，使复杂的哲学思辨得以清晰呈现。 --- 装帧设计理念： 采用仿宋刻本的深沉色调，封面设计借鉴明代水陆画的局部结构，力求体现历史的厚重感与学术的严谨性。内文采用手工纸，配有大量高清的黑白及彩色图版（注：图版仅为辅助说明，非构成本书核心论述的直接对象）。
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