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出版者:PIE Books

作者:PIE Books

出品人:

页数:160

译者:

出版时间:2007-10-01

价格:GBP 40.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9784894446120

丛书系列:

图书标签:

• graphic_design
• GRAPHICS
• FASHION
• BRAND
• 时尚品牌
• 品牌设计
• 平面设计
• 视觉传达
• 图形设计
• 品牌形象
• 时尚营销
• 设计趋势
• 品牌视觉
• 创意设计

《时尚品牌图形：视觉识别的演进与创新》 这是一本关于时尚品牌图形设计的深度探索。本书并非讲述某个具体时尚品牌的历史或产品，而是聚焦于构成品牌核心的视觉语言——图形。我们将穿越时空的河流，审视那些定义了时代的标志、字母组合、图案和色彩方案，探究它们是如何在瞬息万变的时尚潮流中保持生命力，又如何随着时代的发展而不断演变和创新。 从早期手工艺时期精美的徽章和印章，到工业革命后品牌标志的标准化，再到数字时代令人眼花缭乱的扁平化设计和动态图形，本书将系统梳理品牌图形发展的每一个重要阶段。我们将深入分析不同历史时期的社会文化背景、技术进步以及艺术思潮如何共同塑造了当时的品牌视觉风格。例如，在装饰艺术（Art Deco）时期，那些几何、对称、流畅的线条是如何被时尚品牌所采纳，以传达奢华与现代感；而在20世纪中期，极简主义的兴起又如何催生了大量简洁、有力的标志设计。 本书的重点在于“图形”这一概念的广义理解。我们不仅仅讨论logo，更深入挖掘构成品牌视觉识别的方方面面。这包括： 标志（Logos）与字母组合（Monograms）： 从代表身份的徽章到极具辨识度的字母组合，我们将分析不同类型的标志设计如何传达品牌的定位、价值观和目标受众。我们会探讨字母组合如何利用品牌首字母的巧妙组合，创造出独特而令人难忘的视觉符号，尤其是在奢侈品领域，字母组合往往承载着历史传承和匠心工艺的意味。 图案（Patterns）与纹理（Textures）： 无论是经典格纹、印花还是抽象几何，图案是塑造品牌“触感”和“氛围”的关键元素。本书将分析不同图案的文化含义，以及它们如何在服装、配饰、包装甚至品牌空间设计中发挥作用。我们将审视如巴宝莉（Burberry）的格纹、路易威登（Louis Vuitton）的Monogram花卉图案等经典案例，分析它们如何从最初的设计演变成品牌永恒的符号。 色彩方案（Color Palettes）： 色彩是品牌最直接的情感传达者。我们将解析不同颜色在品牌视觉识别中的心理学效应，以及时尚品牌如何巧妙运用色彩组合来塑造其独特性格。从蒂芙尼蓝（Tiffany Blue）的优雅、香奈儿黑白配的经典，到爱马仕橙色的温暖，本书将剖析色彩选择背后蕴含的战略考量。 字体排印（Typography）： 字体选择不仅仅是文字的呈现，更是品牌个性的延伸。我们将探讨不同字体风格（衬线体、无衬线体、手写体等）如何传达品牌的气质，以及品牌如何通过定制字体来进一步强化其独特性。例如，某些奢侈品牌会选择复古衬线体来彰显其历史底蕴，而一些新兴的街头潮牌则可能偏爱粗犷有力的无衬线体。 视觉语言与一致性： 本书还将重点探讨品牌图形如何构建一个连贯、统一的视觉语言。一个成功的品牌图形系统，不仅仅是几个孤立的元素，而是一个互相呼应、和谐统一的整体。我们将分析品牌如何在其所有触点——从产品包装、广告宣传、网站设计到社交媒体内容——保持视觉风格的一致性，从而加深消费者的品牌认知和情感连接。 此外，本书还会关注品牌图形设计的创新趋势。在信息爆炸的数字时代，品牌如何突破传统，运用新的技术和媒介，创造更具吸引力和互动性的视觉体验？我们将探讨动态图形、AR/VR在品牌展示中的应用，以及如何通过“反设计”（Deconstructed Design）等新颖手法来吸引年轻一代消费者。同时，我们也会关注可持续发展理念对品牌图形设计的影响，以及品牌如何通过环保材料和设计来传达其社会责任感。 《时尚品牌图形：视觉识别的演进与创新》是一本面向设计师、营销人员、品牌管理者以及所有对时尚视觉语言感兴趣的读者的宝贵资源。它不仅提供理论框架和历史视角，更通过丰富的案例分析，启发读者思考如何构建、优化和创新属于自己品牌的独特视觉识别。通过本书，你将更深刻地理解，一个引人入胜的品牌图形，是如何超越单纯的美学，成为品牌价值、文化内涵和商业成功的关键驱动力。

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这本书，坦白说，拿到手里的时候，我其实是抱着一种相当复杂的心情。封面设计得极其醒目，那种大胆的色彩碰撞和几何图形的运用，一看就知道这不是一本循规蹈矩的教科书。我本身是做平面设计的朋友介绍来看的，他信誓旦旦地说这本书能颠覆我对“品牌视觉”的理解。刚翻开的时候，我首先被那种排版风格给震撼了——极简主义中带着一丝不羁的野性，大量的留白和高饱和度的插图形成了强烈的视觉张力。我原本以为它会像我以前看过的几本关于Logo设计原理的书籍那样，充斥着大量的理论分析和历史溯源，但这本书似乎另辟蹊径。它更像是一本视觉日记，或者说，是一本精心策展的灵感画廊。里面的案例选取非常前卫，很多品牌我甚至是第一次听说，它们背后的故事，不是通过大段文字来讲述的，而是通过一系列精心挑选的视觉元素——从字体选择的微妙变化，到色彩调性的渐进演变，再到包装材料的选择，无声地勾勒出一个品牌的灵魂。特别是其中关于“非对称美学”如何被运用在高端时装配饰上的那几页，简直是神来之笔，让我忍不住停下来，对着图例反复揣摩了半小时，思考那种看似随性却又严谨的平衡感是如何达成的。这本书对于想要突破现有设计框架、寻找下一波视觉冲击点的设计师来说，绝对是一剂强效的“兴奋剂”。

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初看之下，这本书的定价似乎有点高，但阅读体验结束后，我完全理解了它背后的价值所在。它最成功的地方在于，它没有落入“如何操作软件”的窠臼，而是聚焦于“如何思考”。它更多地像是一本哲学导论，只不过它的讨论对象是“视觉的本质”和“品牌存在的意义”。书中有一段关于“不完美美学”的论述，作者将手绘草图的粗粝感与矢量图形的精确性并置，探讨了“人性化”在冰冷科技时代如何重新嵌入品牌DNA。这种深度的思辨，是目前市面上大多数设计工具书所欠缺的。它鼓励读者去质疑那些被奉为圭臬的“最佳实践”，转而去发掘那些隐藏在主流审美背后的、更具生命力的视觉表达方式。这本书不是一本能让你快速学会一个新技能的速成手册，而是一次需要投入时间去沉淀、去反复咀嚼的深度学习过程。它为那些渴望在视觉传达领域做出真正属于自己标记的创作者，提供了一个极其坚实且富有挑战性的思想起点。

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读完这本书，我感觉自己像是刚上完一堂高强度的设计工作坊，脑子里全是各种破碎但又极具潜力的碎片。这本书的行文风格非常跳跃，几乎没有冗余的废话。它更像是一系列视觉命题的集合，每一页都在向读者抛出一个问题：“你对这个主题的理解，是否已经足够深入？”我特别喜欢它对“色彩心理学”在时尚语境下的应用分析。它没有停留在红蓝代表什么情绪的初级阶段，而是深入到特定色相在不同材质（比如哑光丝绒、高光皮革）上反射出的细微差别，以及这种差别如何影响消费者对“奢华”或“街头”的感知。这种对细节的偏执追求，才是真正区分“平庸设计”和“标志性设计”的关键。而且，这本书的装帧本身也是一个设计作品——纸张的厚度、光泽度，甚至是油墨的触感，都似乎在潜移默化地传达着某种高级的触感信息。它教会了我，品牌视觉不仅仅是屏幕上的像素，更是可以被触摸、被感受的物质存在。这对于我们这个越来越依赖数字交互的行业来说，是一个非常及时的提醒。

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这本书的叙事节奏是极其大胆且充满实验性的。我甚至怀疑作者在创作这本书的过程中，也采用了某种解构和重组的视觉实验方法。它不是线性的阅读体验，你可以在任何一页停下来，然后被其中的某个特定设计元素所捕获，并沿着这条视觉线索独自探索很久。例如，其中关于字体排版在极小尺度下（比如服装标签或配饰雕刻）的探讨，那部分内容几乎是用放大镜去审视每一个笔画的结构。它展示了即使是最微小的字母，也必须承担起传递品牌宏大叙事的重任。这本书的视角非常国际化，它没有将焦点局限于某一个地域的审美主流，而是从全球前沿的独立设计师、新兴概念店以及地下艺术场景中汲取灵感。这使得整本书散发着一种永不满足于现状的、高度前瞻性的气息。对于那些希望自己的设计作品能够具备国际对话能力的设计师来说，这本书提供了一种打破文化壁垒的视觉语言范本。它让我意识到，真正的创新往往发生在那些看似不合时宜的交汇点上。

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说实话，如果让我用一个词来概括这本书给我的整体感受，那会是“解构主义的狂欢”。我过去接触的设计书籍，很多都倾向于“建构”和“标准化”，告诉你什么样才是“正确的”品牌识别系统。但这本书，似乎完全站在了对立面。它不是教你如何搭建一个系统，而是教你如何优雅地打破它。最让我印象深刻的是其中关于“动态Logo”和“沉浸式体验”那几个章节。它没有直接给出代码或者软件操作步骤，而是用一种近乎诗意的方式，探讨了品牌在数字时代下如何摆脱静态束缚，如何通过光影、动态图形和空间叙事来构建更深层次的连接。我记得有一页专门展示了一个虚拟时尚秀场的概念设计，整个页面被分解成无数个不规则的碎片，但当你将视线聚焦其中时，那股强烈的未来感和技术感便扑面而来。这本书的妙处在于，它提供的不是答案，而是视角。它迫使你跳出传统的设计思维定势，去思考“如果我们的品牌不是一个固定的符号，而是一场永不落幕的表演，那它应该如何呈现？”这种挑战性的内容，对于那些已经有些“审美疲劳”的资深从业者来说，无疑是一种及时的精神按摩和思维重塑。

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西式的fashion，又不乏日本的细腻风格

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西式的fashion，又不乏日本的细腻风格

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有些不错的时尚类设计物料参考。

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