具体描述
英國美術工藝運動 先鋒鉅作
? 150年經典重現──重洗時代美學、震撼設計名家觀念
? 19種紋飾風格──橫亙東、西方歷史長河的文物大觀
? 100幀彩色圖版──透視令人嘆為觀止的精湛細節
1856年於倫敦初版的《紋飾法則》是史上第一本蒐羅各時代不同民族設計方法的紋飾集成。英國美術工藝運動（Arts & Crafts Movement）先鋒、水晶宮設計總監歐文瓊斯為了端正當代設計中脈絡紊亂的浮濫抄襲風氣，於本書開宗明義提出建築暨裝飾藝術的37條造形與色彩基本原則──以「真正的美來自心靈的平靜」為最高準則，分別探討造形元素的協調、構圖和適當比例，以及如何從色彩的平衡和對比中找出強化造形的用色方法，倡導從過往作品中研擬恰當的創作方法──開創了現代設計和色彩理論之先河，影響遍及十九世紀以降的設計名家如工藝運動領袖莫里斯（William Morris）、建築師萊特（Frank Lloyd Wright）、蘇利文（Louis Sullivan）、柯比意（Le Corbusier）等人，立論一百五十年至今屹立不搖。
書中大量圖文來自瓊斯的異國踏查及其對大量古籍專著的爬梳，他從包羅萬象的歷史文物中粹選出經典之作，編撰成19篇風格各異的紋飾介紹，不僅詳述其整體特色和演繹手法，亦歸納箇中法則並給予優劣評價，藉由文末共100幀匠心獨具的彩色圖版，串起一段清晰具體的裝飾設計史，使讀者更宛如踏上全世界文化遺產的深度之旅。
作者简介
Owen Jones
十九世紀倫敦建築師、曾任教於南肯辛頓設計學院。1851年擔任萬國博覽會場館室內設計師、1852年水晶宮設計總監，為十九世紀最具影響力的設計理論家。
瓊斯認為當時社會普遍流行的新古典和哥德藝術並不足以成為當時英國的代表風格，因此轉向伊斯蘭世界和歐洲各地尋求靈感。他在西班牙格拉納達的阿爾罕布拉宮（Alhambra）停留期間，潛心研究伊斯蘭裝飾，發展出以平面、幾何及抽象圖案構成的裝飾理論。1845年，他將研究成果集結成兩大卷《阿爾罕布拉宮之平面圖、立面圖、剖面圖與細部圖面》（Plans, Elevations, Sections, and Details of the Alhambra），被西方學界定位為研究伊斯蘭建築裝飾藝術的關鍵人物。
豐厚的學術研究和設計經驗奠定瓊斯畢生最重要著作《紋飾法則》（The Grammar of Ornament）的基礎。他的手稿和作品，包括旅行速寫、裝飾書籍、壁紙和設計圖稿（室內裝潢和建築、地磚、織品、家具、金工製品）目前均完好保存在以工藝展品聞名的英國維多利亞與艾伯特博物館（Victoria and Albert Museum），為該館的鎮館之寶。
著作列表
《阿爾罕布拉宮的平面圖、立面圖、剖面圖與細部圖面》
（Plans, Elevations, Sections and Details of the Alhambra, 1836&1845）
《中世紀泥金書》
（The Illuminated Books of the Middle Age, 1849 ）
《紋飾法則》
（The Grammar of Ornament, 1856）
《中國紋飾範例》
（Examples of Chinese Ornament, 1867）
譯者簡介
林貞吟
縝密，擇善固執。追尋文化、歷史、記憶；欣喜音樂、藝術、電影，激賞建築、交通、大地及水利。對於難以驗證存在的真理有不變的欲求。閱讀是日常的必要，電影是人生的養分，黃金海岸是晨起的最愛。
游卉庭
畢業於政治大學社會系，英國雪菲爾大學翻譯所碩士。曾任職網路傳媒及出版業，目前旅居英國繼續埋首文字工作。近期譯作包括《大腦之美》、《改變世界的100張草圖》、《餐桌上的語言學家：從菜單看全球飲食文化史》等書。
目录信息
1. 原始部落紋飾
2. 埃及紋飾
3. 亞述與波斯紋飾
4. 希臘紋飾
5. 龐貝紋飾
6. 羅馬紋飾
7. 拜占庭紋飾
8. 阿拉伯紋飾
9. 土耳其紋飾
10. 摩爾紋飾
11. 波斯紋飾
12. 印度紋飾
13. 印度教紋飾
14. 中國紋飾
15. 凱爾特紋飾
16. 中世紀紋飾
17. 文藝復興紋飾
18. 伊莉莎白紋飾
19. 義大利紋飾
20. 自然花草
導讀專文：
? 國立台灣大學藝術史研究所 施靜菲教授 導讀一
? 英國紋飾研究學者 查捷克（Iain Zaczek）導讀二
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读后感
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用户评价
说实话，我一开始是抱着“试试看”的心态买的，因为市面上同类书籍很多，往往内容空泛，或者过于偏重某一朝代，缺乏宏观的视野。然而，这本书真正让我感到惊艳的是它那种极强的结构感和逻辑推进性。作者似乎拥有一种魔力，能将看似分散的图像信息，编织成一张完整且富有张力的叙事网。整本书的脉络清晰到令人发指，从最基础的线条构成讲起，逐步过渡到复杂的母题组合，最后上升到对“秩序”和“和谐”这些哲学概念的探讨。我特别喜欢其中关于“负空间”处理技巧的分析，那部分内容对我个人的设计工作有着立竿见影的启发作用。它没有故作高深地使用大量生僻术语，而是用非常口语化、平易近人的方式解释复杂的几何原理。读完后，我感觉自己对“美”的理解不再是停留在表面的欣赏，而是开始探究其背后的数学美和哲学基础，这是一种非常高级的智力享受。它绝对超越了我对一本关于“图案”书籍的所有预期。
评分这本书的阅读体验简直是一场视觉与知识的盛宴，装帧精美，印刷质量极高，那种纸张的触感和油墨的细腻度，都透露着出版方对这本书内容的尊重。我是在一个安静的周末开始阅读的，结果一发不可收拾，连饭点都差点错过。作者在构建知识体系时展现了极高的学术素养，每一个论点都有详实的考证和旁征博引作为支撑，看得出背后是下了数年乃至数十年的功夫。我特别欣赏作者没有停留在简单的图案罗列上，而是深入剖析了不同历史时期，社会结构、宗教信仰乃至民族迁徙如何共同塑造了特定的视觉语言。比如，书中对比了两种看似相似的几何纹样在两个相隔千里的文明中出现的差异及其文化含义，这种跨文明的比较分析，极大地拓宽了我的认知边界。它不是那种读完就束之高阁的工具书，而是那种让人忍不住想在旁边空白处做笔记，时不时要翻回去对照查阅的案头珍宝。对于想进行深度研究的专业人士来说，这本书无疑是极具参考价值的。
评分这本书的作者显然是个有故事的人，字里行间流淌着一种对传统美学近乎痴迷的热爱。阅读过程中，我多次停下来，对着书中的插图陷入沉思。那些高清彩图的呈现效果令人叫绝，色彩还原度极高，细节纤毫毕现，仿佛能触摸到器物表面的温度和质感。相较于其他侧重“技法”的书籍，这本书的重心显然放在了“心法”的传达上。它探讨了为何某些造型会被反复使用，为何某些色彩搭配能达到超越时代的和谐效果。我个人对其中关于“隐喻”的章节印象尤为深刻，作者将一些常见的自然元素如何被抽象化、符号化，并最终成为文化身份的载体进行了细致入微的剖析，这种深度的文化解码能力，令人肃然起敬。这本书读起来很“慢”，需要细嚼慢咽，因为它不是提供快速答案的指南，而是引导你提出更深刻问题的思考伙伴。如果你的时间不那么充裕，我建议你每天只读一小段，去细细品味作者的用心。
评分拿到书的那一刻，我就被它不同于市面上一般艺术类书籍的“厚重感”所吸引。这不仅仅是纸张的重量，更是一种知识沉淀下来的分量感。作者采取了一种非常独特的叙事视角，他似乎把自己定位成一个历史的引路人，而不是一个高高在上的专家。书中引用的案例既有宏大的宫廷遗珍，也有朴素的民间手工艺品，这种平视的角度，让整个知识体系显得非常接地气且全面。我最欣赏的特点是，作者没有预设立场，他对不同文化背景下的纹饰进行了客观的比较和梳理，避免了单一视角的偏颇。特别是关于纹饰在不同媒介（如丝绸、陶器、金属）上的表现差异，分析得极为透彻，揭示了材料特性对最终美学效果的决定性影响。这本书读完后，我不再仅仅把纹饰看作是装饰，而是将其视为一种人类集体潜意识的视觉表达，一种跨越时空的对话方式。对于想要系统梳理自己知识体系的爱好者来说，这本书提供了绝佳的框架和深度。
评分这本书的封面设计就挺吸引我的，那种古朴又带着一丝神秘的色彩，让人立刻联想到那些尘封已久的典籍。我原本以为这是一本比较晦涩难懂的学术著作，没想到读起来却出乎意料地流畅。作者的文笔非常细腻，尤其在描绘古代工匠们的心境和他们创作过程中的种种不易时，让人仿佛身临其境，能感受到那种对艺术的极致追求和对传统的敬畏。虽然书中涉及的很多理论知识很扎实，但作者总能用生动的例子和清晰的逻辑将其串联起来，让即便是初次接触这个领域的读者也能轻松理解。我特别喜欢其中关于材料学和文化符号演变的那几章，简直是打开了新世界的大门，让我对那些日常生活中习以为常的纹饰背后蕴含的深厚文化底蕴有了全新的认识。它不仅仅是一本关于“美”的书，更像是一部浓缩的文化史诗，引导读者去探寻符号背下的时代精神和审美变迁。读完之后，我感觉自己的目光都被“升级”了，看任何带花纹的器物都会忍不住去分析它的结构和寓意，非常推荐给所有对传统艺术和历史感兴趣的朋友们。
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