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出版者:电子工业

作者:刘小伟

出品人:

页数:563

译者:

出版时间:2008-3

价格:53.00元

装帧:

isbn号码:9787121059414

丛书系列:

图书标签:

• Photoshop
• CS3
• 图像处理
• 数码图像
• 教程
• 中文版
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• 图像编辑
• 设计
• 软件操作
• 实用

《创意无限：数字艺术与设计原理》 内容概述： 本书是一部全面深入探讨数字艺术创作基础理论、核心技术与前沿应用的综合性教程。它旨在为有志于数字媒体艺术、平面设计、网页设计乃至动画制作的初学者和进阶人士，提供一套系统、严谨且富有实践指导意义的学习路径。全书结构清晰，内容涵盖了从数字图像的基本原理到复杂视觉叙事的完整流程，强调理论与实践的紧密结合，鼓励读者发展独特的艺术视角和高效的工作流程。 第一部分：数字视觉的基石——原理与基础 本部分着重于构建学习者对数字图像世界的宏观理解。 第一章：数字媒介的本质与哲学 本章首先探讨了“数字”这一概念在艺术领域中的历史演变及其带来的范式转变。它深入解析了像素、分辨率、色彩模型（如RGB、CMYK、Lab）的底层逻辑和它们在不同媒介（印刷、屏幕、网络）中的应用差异。更重要的是，本章引入了艺术史中关于“再现”与“创造”的哲学思辨，引导读者思考数字工具对传统美学标准的冲击与拓展。我们详细分析了位图与矢量图的优劣对比，并探讨了数字图像的采样、量化过程中信息的丢失与重构问题，为后续的图像处理打下坚实的理论基础。 第二章：光影、色彩与感知心理学 本章从视觉科学的角度切入，详细讲解了人类视觉系统如何感知色彩和光线。内容包括色相、饱和度、明度的精确控制，以及色彩的心理学效应——不同文化背景和设计情境下色彩的象征意义。我们详细介绍了色彩管理（Color Management）的必要性，包括ICC Profile的创建、校准与应用，确保跨设备显示的一致性。此外，本章还深入分析了光效在数字构建中的模拟技术，如全局光照、次表面散射等概念的理论基础，为后期创作中的真实感奠定时空观念。 第二部分：核心技术与工作流程的构建 本部分专注于介绍现代数字创意工作流中不可或缺的核心软件技术和高效操作方法，重点培养读者的系统性思维和问题解决能力。 第三章：非破坏性编辑的艺术 本章聚焦于现代图像处理的核心理念——非破坏性工作流程。我们详细阐述了图层、蒙版（Layer Masks）、通道（Channels）和智能对象（Smart Objects）的综合运用。这不是简单地讲解工具按钮的位置，而是深入剖析每种技术背后的数据结构和工作流优势。例如，如何利用通道进行复杂的选区分离和颜色分离；如何通过调整图层（Adjustment Layers）的堆叠顺序和混合模式（Blend Modes）实现复杂的色彩叠加与光效模拟。本章通过多个案例展示，如何确保原始素材的完整性，从而应对项目变更带来的需求调整。 第四章：高级选区与形态构建 精准的选区是数字艺术创作的基石。本章将选区技术提升到专业级别。除了基础的选择工具外，我们重点讲解了基于色彩范围、边缘检测算法（如边缘细化技术）的高级选区提取方法。内容深入探讨了矢量路径（Paths）的绘制精髓，包括贝塞尔曲线的数学原理、锚点和控制手柄的精确调整技巧，以及如何将复杂的像素选区无缝转换为可编辑的矢量路径，以实现无限缩放和精确修改。 第五章：合成、融合与真实感营造 本章是关于“数字拼贴”的艺术，即如何将来自不同来源的图像素材无缝地融合在一起，创造出可信的视觉现实。重点内容包括：透视匹配、光照与阴影的逻辑一致性分析、环境光与反光的模拟。我们探讨了景深（Depth of Field）的模拟技术，以及如何通过纹理和噪点（Noise）的添加来消除数字合成痕迹，使最终图像具备“物质感”和“环境感”。 第三部分：设计思维与叙事表达 本部分将技术训练提升到设计战略和视觉叙事的层面，指导读者如何运用数字工具来有效传达信息和情感。 第六章：版式设计与信息层级 本章探讨了二维空间中的视觉组织规律。内容涵盖网格系统（Grid Systems）的建立、比例（Proportion）与平衡（Balance）的运用，以及空间负形（Negative Space）的策略性使用。我们详细分析了如何通过字体排印学（Typography）来确立信息的主次关系，包括字体的选择、字距、行距的精细调整，确保信息传递的效率和美学质量。 第七章：视觉叙事与情绪构建 本章侧重于讲故事的技巧。通过分析经典电影海报、广告设计和艺术摄影作品，本章揭示了如何通过构图的引导线、焦点安排、色彩情绪板（Mood Boards）的构建，来引导观众的视线并引发特定的情感共鸣。我们探讨了象征主义元素在数字作品中的运用，以及如何通过抽象化和风格化来提炼核心概念。 第八章：面向未来的数字创作——效率与跨学科应用 本章着眼于行业前沿和工作流的效率优化。内容包括脚本（Scripting）基础在自动化重复任务中的应用潜力，以及如何有效地组织和管理大型数字资产库。此外，本章还概述了数字艺术与其他媒介（如3D建模、VR/AR体验）的结合趋势，为学习者展望了更广阔的职业发展方向，强调了持续学习和适应新技术迭代的重要性。 本书特色： 原理先行： 强调“为什么”而非仅仅“怎么做”，确保读者能灵活应对新工具的出现。 流程导向： 每一个技术点都置于一个完整、可复制的工作流程中进行讲解。 思维训练： 侧重培养设计师的批判性思维和审美判断力，而非简单的软件操作模仿。 目标读者： 平面设计师、网页设计师、摄影后期师、UI/UX设计初学者，以及所有希望系统提升数字图像处理和创意表达能力的艺术爱好者。

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最让我感到惊喜的是，这本书对软件版本的兼容性考虑得非常周到。虽然它侧重于某个特定版本，但作者在讲解一些核心算法的演变时，会非常贴心地标注出，如果用户使用的是更新或更老的版本，在菜单栏中可能找不到完全相同的选项，并会提供一个大致的替代路径说明。这对于我这种手头上软件版本不完全统一的读者来说，简直是救星！很多教程在升级软件后就彻底“失效”了，但这本书似乎是在努力构建一个跨越版本的“底层逻辑”教学，而不是仅仅停留在表面的“点这里”的指令。这体现了作者不仅是软件的使用者，更是对数字图像处理这门学科有深入理解的教育者，让我对这本书的长期参考价值充满信心。

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说实话，我最欣赏的是这本书在实例选择上的独到眼光。市面上很多教程总是热衷于教你如何制作那种炫酷到有点“过火”的特效，比如爆炸、火焰或者复杂的3D文字扭曲，但这些往往脱离了日常设计的实际需求。而这本书的案例，更像是针对我们日常工作中经常遇到的“疑难杂症”开出的药方。比如，如何用最快的速度修复一张因光线不足而偏黄的人像照片，并且要保证肤色自然过渡，而不是那种一看就是P过的假白；又或者，如何处理一张需要在不同尺寸的印刷品上保持清晰度的Logo放大问题。它没有那种哗而不实的大制作，而是聚焦于那些看似微小却决定成败的细节处理，比如高光部分的提亮和阴影的层次感保留。这种“接地气”的教学方式，让我觉得我不是在学一个遥不可及的软件功能，而是在学习一套立即可用的工作流程和审美标准。

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阅读体验上，这本书的排版简直是一次视觉享受。很多技术书籍为了追求内容密度，恨不得把整页文字塞得满满当当，结果眼睛看得生疼，学完一个知识点都得深吸一口气。但这本书的留白处理得恰到好处，每一组操作步骤之间都有足够的空间让大脑进行缓冲和消化。更重要的是，作者在讲解每一个工具栏按钮时，都会配上一个清晰的、高分辨率的截图，那个截图的清晰度高到我甚至能看清鼠标光标的边缘，这对于初学者来说太友好了，完全避免了因为截图模糊而对工具产生误判的尴尬。而且，不同级别的知识点是用不同的字体粗细和颜色来区分的，比如那些“高手进阶提示”会被单独用一个浅灰色的边框框起来，你在快速浏览时，就能一眼识别出哪些是核心操作，哪些是锦上添花的技巧，学习效率因此大大提高。

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从作者的行文风格来看，我感觉这位作者一定是在一线设计领域摸爬滚打了很久很久。他的文字里透露着一种对细节的偏执，但又非常善于将这种“偏执”转化为系统化的指导。我特别关注了关于“非破坏性编辑”的那几页内容，很多书只是简单提一下“用智能对象”，但这本书却花了整整三页篇幅，用对比图的形式展示了“先合并图层再修改”和“全程使用智能对象和蒙版”这两种方式在后期二次修改时所产生的巨大差异。他没有武断地说哪个好，而是用实际效果的对比，让你自己“心服口服”地认识到保持原始数据的重要性。这种引导式的教育方法，比起直接的命令式教学，更能培养读者的长期思维习惯，让我从一开始就养成了良好的工作习惯，而不是只顾眼前方便。

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这本书的封面设计真是让人眼前一亮，那种带着磨砂质感的深蓝和亮银的搭配，一下子就抓住了我的眼球，让人感觉内容一定非常专业和前沿。我原本对手册类的书籍总是抱持着一种“能用就行”的态度，但拿到这本的时候，光是翻阅目录部分，我就发现它对基础概念的阐述方式非常独特。它没有上来就堆砌那些晦涩难懂的技术术语，而是像一位经验丰富的老前辈在跟你拉家常一样，将那些复杂的色彩管理、图层混合模式的原理，用非常生活化的例子给掰开了揉碎了讲。特别是关于“像素的艺术”那一个章节的引言，简直可以单独拿出来当一篇小散文看了，它强调的不是软件操作的机械性，而是如何用光影和色彩来表达情感，这一下子就提升了整本书的格调，让原本冰冷的技术学习过程，变得充满了创造性的期待。我期待着能从中学到如何真正地“看见”图像，而不是仅仅学会“点击”按钮。

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