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出版者:日本グラフィックデザイナー協会／JAGDA

作者:Yashiro Sawada

出品人:

页数:総480頁

译者:

出版时间:09/26/2007

价格:15750円

装帧:Hardcover

isbn号码:9784897375939

丛书系列:

图书标签:

• JAGDA
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• 平面设计
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好的，这是一份关于介绍不含《Graphic Design in Japan 2007》内容的、关于日本平面设计领域其他方面的图书简介，旨在展现日本设计文化的广度和深度。 《跨越时代的脉动：战后至当代日本平面设计史鉴》 —— 一部深入剖析日本视觉文化演变、设计思想流变与时代精神交织的百科全书式著作 内容概述 本书并非聚焦于单一年份的商业案例汇编，而是将目光投向广阔的时间维度，系统性地梳理了自二战后至今，日本平面设计从艰难重建、吸收外来影响，到最终形成独特美学体系的完整历程。它是一部集历史考察、理论分析与视觉案例研究于一体的深度报告，旨在揭示日本设计如何在全球化浪潮中保持其核心的文化基因，并在不同历史时期与社会思潮进行深刻对话。 全书共分为四个主要部分，辅以多个专题研究，构建了一个多层次、立体化的日本设计图景。 --- 第一部分：战后复兴与现代主义的奠基（1945-1970年代初） 本部分深入探讨了在物质匮乏与文化重塑的背景下，日本平面设计如何寻求新的视觉语言。 1. 媒介的诞生与视觉的重建： 重点分析了战后初期报纸、杂志等大众传播媒介对图形设计需求的催生。从战时宣传遗留下来的技术沉淀，到如何迅速转向满足商业复苏和民主化教育的需求。详细考察了如《生活手帖》（Kurashu Seikatsu）等早期刊物的版式哲学，它们不仅是信息载体，更是生活方式的提案者。 2. 现代主义的引入与本土化： 深入研究了以龟仓雄策、田中一光、横尾忠则等为代表的先驱者，如何将国际现代主义（如瑞士风格、包豪斯理念）引入日本。然而，本部分强调的并非简单的模仿，而是这些设计大师如何将严谨的结构主义与日本固有的“物哀”、“幽玄”等审美意识相结合，创造出既具有国际视野又深深植根于东方的视觉体系。例如，对1964年东京奥运会视觉识别系统（VI）的解构分析，不仅展示了其现代性，更探讨了其如何利用有限的元素构建民族自信的象征。 3. 印刷技术的革命与设计实践： 探讨了凸版、平版印刷技术在战后快速发展对设计表现力的解放。图文排版从早期的僵硬转变为更具实验性和动态感的布局。 --- 第二部分：激荡与反思——设计思潮的多元化（1970年代中叶 - 1980年代） 随着经济腾飞和国际交流的加深，日本设计开始进入一个思想和风格高度多元化的时期，并出现了对既有秩序的反思。 1. 平面设计的“另类声音”： 聚焦于反主流文化和实验艺术对平面设计的影响。详细分析了横尾忠则（Tadanori Yokoo）等艺术家的作品如何打破商业设计的理性框架，引入超现实主义、波普艺术的元素，探讨其在专辑封面、海报设计中对社会潜意识的挖掘。 2. 符号学与文化密码的提炼： 研究了设计师们如何超越具象描绘，转向更抽象、更具哲学思辨性的符号系统构建。本部分将重点分析日本传统艺术中的“间”（Ma）的概念，以及它如何在现代信息设计中被抽象为留白、节奏和结构的艺术。对“无印良品”（MUJI）早期的视觉策略进行深入分析，探讨其“去设计化”的背后所蕴含的深刻设计哲学。 3. 字体设计的黄金时代： 详述了日本在宋体、黑体等中文字体（Kanji）设计上的突破性进展。由于汉字信息量庞大，其在屏幕和印刷介质中的适应性挑战巨大。本部分梳理了为适应新一代印刷机和计算机系统而进行的字体工程，以及对“明朝体”等传统字体的数字化重塑工作。 --- 第三部分：信息爆炸与数字浪潮的冲击（1990年代 - 2000年代初） 泡沫经济的破裂与互联网的兴起，给平面设计带来了前所未有的挑战与机遇。 1. 城市空间与动态图形的交融： 探讨了大型城市空间（如东京涩谷、新宿）的广告媒体化对平面设计的影响。霓虹灯、巨型LED屏幕上的视觉内容，要求平面设计师思考如何设计出在快速移动中依然能被有效识别的图像和文字系统。对“街头文化”和“次文化”中的图形语言如何反哺主流设计现象进行了剖析。 2. 交互设计的前夜： 在Web 1.0时代，平面设计师的角色开始模糊。本部分考察了早期日本网页设计和CD-ROM界面的视觉构成，重点分析了如何将二维的平面设计原则（如网格、色彩层级）成功迁移到有限的像素空间中，为后来的用户体验（UX）设计埋下伏笔。 3. 艺术指导（Art Direction）的深化： 研究了品牌形象管理（Corporate Identity）在日本的实践，特别关注那些在经济低迷期依然能保持强大生命力的企业，它们如何依赖精准而富有情感张力的视觉沟通来维持市场地位。 --- 第四部分：当代视野与全球视野下的自我定位（2000年代至今） 本部分展望了进入新世纪后，日本设计在全球化和本土化之间寻求平衡的努力。 1. 新一代设计精英群像： 介绍了一批在国际舞台上崭露头角的新锐设计师群体，他们如何运用数码工具，但其核心思想依然根植于日本传统的设计哲学。重点分析了他们在全球性设计竞赛和国际展览中的表现，以及他们对全球设计趋势的反向输入。 2. 可持续性与社会责任： 探讨了环境意识和信息透明化趋势下，日本设计界对“慢设计”（Slow Design）和信息易读性（Accessibility）的关注，特别是公共标识系统（Signage Systems）在应对老龄化社会和自然灾害中的新角色。 3. 跨界与混合媒介的趋势： 考察了平面设计与当代艺术、建筑、时尚之间的界限日益消融的现象。设计不再仅仅是二维的图像输出，而是成为一种空间体验、一种叙事结构，与装置艺术、交互媒体深度融合的案例分析。 --- 特别附录：经典设计术语的溯源与释义 本书后附有一个详尽的词汇表，系统解释了理解日本设计语境所必需的核心概念，如“侘寂”（Wabi-Sabi）在版式中的体现、“留白哲学”、“物语性设计”等，帮助读者建立一套完整的设计语汇体系，从而更深刻地理解日本平面设计的精神内核。 目标读者： 设计史研究者、平面设计师、视觉传达专业学生、文化人类学家，以及所有对亚洲现代艺术和视觉文化有浓厚兴趣的读者。本书旨在提供一个宏大而精微的视角，理解日本设计如何在全球现代性的洪流中，淬炼出独步天下的东方之美。

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这本书的编辑排版风格本身就是一种高水平的设计展示，它的节奏感把握得极佳。从厚重的企业品牌案例到轻盈的杂志内页排版，过渡自然流畅，没有生硬的断裂感。设计作品的布局并非采用呆板的网格系统，而是根据每组作品的视觉重心和情绪基调进行了个性化的调整，这使得整本书的阅读体验如同欣赏一场精心编排的交响乐，高潮迭起，低回婉转。我注意到，在展示那些需要大量文字说明的案例时，设计者非常巧妙地使用了双栏或三栏布局，并通过不同字重和字体的巧妙搭配，确保了信息的可读性和视觉的丰富性之间的完美平衡。特别是对于图标设计和信息图表的部分，那种将复杂数据提炼成简洁、优雅视觉符号的能力，令人叹服。它清晰地传达了一个信息：优秀的设计不仅要好看，更要高效地“说话”。这种对版式设计本身细节的关注，使得这本书不仅是内容的载体，它本身也是一个值得研究的优秀设计案例。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，那封面选用的纸张质感，带着一丝恰到好处的哑光，触感温润而不失现代感，立刻就抓住了我的注意力。内页的印刷工艺也令人称道，色彩的还原度极高，即便是那些极其细腻的线条和微妙的渐变色，都处理得干净利落，没有丝毫拖泥带水的感觉。翻阅其中收录的平面设计作品时，我仿佛能感受到设计师在创作时的那份专注与热情。特别是一些海报和企业视觉识别系统（VI）的案例分析部分，作者对每一个设计决策背后的逻辑阐述得非常到位，并非简单地罗列图片，而是深入探讨了设计如何应对当时的社会文化背景和市场需求。比如，我对其中一组关于地方旅游宣传册的设计印象深刻，它巧妙地融合了传统日式美学中的“留白”概念，同时注入了极为现代的字体排版技巧，展现出一种既古老又前卫的张力。整体来看，这本画册不仅仅是作品集的堆砌，更像是一本经过精心策划的视觉导览手册，引领我们领略了2007年日本设计界在那一特定时间点上所达到的精致水准和创新思维，让人在欣赏美的同时，也学到了如何去“看”设计。

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坦白说，我原本以为这会是一本相对枯燥的年度回顾性质的画册，但阅读体验完全出乎意料。它成功地捕捉到了2007年左右，全球设计思潮转向的一个微妙节点。书中收录的许多项目，展现了从传统的印刷媒体向早期数字媒体过渡时期，设计师们如何在媒介特性之间进行挣扎与融合。有一组关于音乐专辑封面的设计尤为突出，它们在保留了实体唱片时代那种厚重历史感的同时，也开始尝试运用当时新兴的网络视觉语言，形成了一种独特的“数字复古”美学。这种前瞻性的眼光，让这本书的价值超越了简单的年代记录。此外，书中对特定行业设计趋势的归纳也十分精准，比如对日本零售业（特别是精品买手店）室内外导视系统的分析，揭示了空间设计与平面视觉如何共同构建顾客体验的完整闭环。这种跨领域的整合观察，让这本书的视野显得格外开阔和深刻，它让我思考，好的设计是如何穿透媒介的壁垒，直达人心的。

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我尤其欣赏这本书在探讨设计哲学层面的深度挖掘。它并没有满足于展示最终的成品，而是花了大篇幅去剖析那些潜藏在设计背后的文化肌理和创作心路。书中对“匠人精神”如何在当代设计实践中得以延续和变形进行了深入的思考，这一点对于我理解东亚设计语境下的独特性至关重要。例如，书中有一篇评论，聚焦于字体设计师如何看待笔画的粗细变化与阅读体验之间的微妙平衡，那种对细节近乎偏执的追求，体现了日本设计界一种独特的职业操守。不同于一些过于商业化或流于表面的设计书籍，这本书更像是一份严肃的学术观察报告，但其叙述方式又充满了人文关怀，使得即便是初涉设计领域的新手也能被深深吸引。它探讨了如何将极简主义的理念，在不牺牲信息传达效率的前提下，融入到复杂的品牌推广活动中，这种克制中的力量感，是很多西方设计作品中难以寻觅的特质。阅读过程中，我不断停下来思考，这本书成功地激发了我对设计本质的重新审视，远超出了我预期的“作品欣赏”范畴。

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让我感到惊喜的是，这本书对新晋设计师和独立工作室作品的关注度非常高，它并没有一味地追捧那些已经名声在外的设计大师，而是给予了许多初露锋芒的天才展示的舞台。这些新兴力量的作品，往往带着一种不受既有规则束缚的野性和创新力。例如，收录的一些小型独立出版物的封面设计，它们使用了非常规的装订方式和材料组合，大胆到几乎挑战了“书”作为传统阅读载体的定义。这种对实验性设计的包容和推崇，显示了编者对设计活力源泉的深刻理解。在这些作品中，我看到了对传统日本工艺（如木刻、和纸纹理）的现代抽象化运用，这不仅仅是对历史的致敬，更是一种对当代材料和技术的积极探索。整本书通过对不同层级、不同背景设计师作品的平衡呈现，构建了一个立体而富有生命力的日本设计生态图景，让人深刻感受到那个时期设计界的蓬勃朝气和对未来无限的想象空间。

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