詩歌與戲曲 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:聯經

作者:曾永義

出品人:

页数:401

译者:

出版时间:1988

价格:300NT

装帧:

isbn号码:9786660810715

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《诗歌与戏曲》是一部探讨两种古典文学体裁之间深刻联系与独立价值的著作。本书并非简单地罗列诗歌与戏曲的各自特点，而是力图深入挖掘它们在艺术起源、表现手法、情感抒发、文化传承等多个层面的交织与差异，从而呈现出中国古典文学更为立体和丰富的面貌。 本书的写作意图在于，长期以来，人们习惯于将诗歌视为纯粹的抒情艺术，而将戏曲视为叙事与表演的结合。然而，当我们仔细审视两者，会发现它们之间有着天然的血脉联系，又各自发展出独特的光彩。《诗歌与戏曲》试图打破这种割裂的认知，构建一种更具整合性的理解框架。 第一部分：诗歌的根基与戏曲的萌芽 本部分将追溯诗歌在中国文学史上的源远流长。从《诗经》的质朴与现实，到楚辞的浪漫与想象，再到汉魏乐府的市井与民情，诗歌始终是中国士人抒发情志、记录生活、表达思想的主要载体。我们将重点分析诗歌在语言的凝练、意象的营造、格律的运用等方面所达到的极致成就。诗歌的精炼与象征性，为后来的文学形式提供了重要的滋养。 随后，本部分将探讨戏曲在萌芽时期的历史渊源。从先秦的歌舞百戏，到汉代的乐府杂戏，再到唐代的参军戏、歌舞大曲，直至宋代的诸宫调、金院本，戏曲的雏形在漫长的历史演进中逐渐显现。这些早期的表演形式，往往吸收了民间歌谣、说唱、舞蹈等元素，也常常包含着叙事性的内容，为后来的戏曲成熟提供了土壤。我们将考察这些早期形式如何孕育出初步的故事情节、人物形象以及舞台化的表演特征，并分析其中可能受到诗歌影响的痕迹，例如对韵律的敏感，对情景的描绘等。 第二部分：叙事与抒情的辩证统一 本部分将深入剖析诗歌与戏曲在叙事与抒情这两个核心要素上的辩证关系。 诗歌，虽然以抒情见长，但优秀的诗歌同样能够包含丰富的叙事，例如叙事诗、叙事性较强的乐府诗等。它们通过精炼的语言、巧妙的构思，能够在有限的篇幅内讲述一个完整的故事，或勾勒出一个生动的人物形象。我们将探讨诗歌如何通过意象的组合、情感的流淌来暗示或表现叙事，以及叙事如何为情感的抒发提供载体和张力。 戏曲，顾名思义，以“戏”为核心，其叙事功能是其基本属性。然而，戏曲的叙事并非简单的白描，它深深地植根于中国传统文化的土壤，高度依赖于程式化的表演、唱念做打等艺术手段，并通过“歌”这一重要形式来展现人物的内心世界和情感活动。戏曲中的唱词，本身就是高度凝练的诗歌，它们在舞台情境的烘托下，得以获得更为强烈的感染力和表现力。我们将分析戏曲如何通过唱词、念白、身段、音乐等多种手段，将叙事与抒情有机地融合在一起，达到“唱做并重”、“情景交融”的艺术效果。 本部分将重点关注戏曲中的“曲”——唱词的艺术。我们将分析戏曲唱词的语言特点，例如其通俗性与文学性的结合，口语化与韵律化的统一，以及其在表现人物性格、推动情节发展、抒发情感方面的独特作用。我们会将戏曲唱词与同时期的诗歌进行对比，探讨两者在语言风格、艺术追求上的异同，以及戏曲唱词如何借鉴诗歌的精华，又如何在戏曲的特定语境下焕发出新的生命力。 第三部分：人物塑造与舞台呈现 本部分将聚焦诗歌与戏曲在人物塑造与舞台呈现方面的差异与互鉴。 诗歌的人物塑造，往往是通过人物的语言、动作、心理活动、以及周围环境的烘托来完成的。这种塑造是间接的、含蓄的，留给读者大量的想象空间。例如，王维笔下的隐士，李白笔下的侠客，杜甫笔下的百姓，都以其独特的精神气质和形象深深地印刻在读者心中。 戏曲的人物塑造，则更加直接和具象。它通过演员的表演，将人物的性格、情感、身份等一一呈现出来。戏曲脸谱、服饰、表演程式等，都是塑造人物的重要手段。然而，戏曲的人物塑造并非一味地具象化，它同样依赖于唱词的表达，通过人物的唱腔、念白来深入挖掘其内心世界，展现其情感的跌宕起伏。我们将分析戏曲如何通过“程式化”的人物表演，来概括和提炼人物的典型特征，以及这种程式化背后所蕴含的文化意义和艺术智慧。 在舞台呈现方面，诗歌是一种纯粹的文学艺术，它的呈现依赖于读者的想象和理解。而戏曲则是一种综合性的舞台艺术，它包含了文学、音乐、表演、舞蹈、美术等多种元素。我们将探讨戏曲如何将文学性的唱词转化为具有视听冲击力的舞台表演，以及戏曲的舞台呈现如何反过来影响和丰富了人们对文学作品的理解。 第四部分：意境营造与情感共鸣 本部分将深入探讨诗歌与戏曲在营造意境和引发情感共鸣方面的艺术魅力。 诗歌的意境，是诗人通过对客观景物的描绘，融入主观情感，从而形成的虚实相生、情景交融的艺术境界。它常常是含蓄的、耐人寻味的，给读者留下广阔的想象空间，引发深沉的情感共鸣。例如，“枯藤老树昏鸦，小桥流水人家，古道西风瘦马”所营造的凄凉孤寂的意境，能够让读者深切地感受到“断肠人在天涯”的愁绪。 戏曲的意境营造，则更加依赖于舞台的整体调度和视听元素的综合运用。它通过声、光、形、色等多种手段，来烘托人物的情感，营造特定的氛围，引导观众进入特定的情感体验。例如，一曲悲凉的唱腔，搭配昏暗的灯光和演员凄婉的身段，能够迅速将观众带入悲伤的情境。戏曲的意境营造，往往是直接而强烈的，它能够迅速抓住观众的注意力，引发强烈的情感共鸣。 我们将比较诗歌与戏曲在意境营造上的不同策略，探讨它们各自的优势所在，以及它们是如何通过不同的艺术手段，最终达到引发观众情感共鸣的目的。 第五部分：文化传承与时代精神 本部分将从更宏观的文化视角，审视诗歌与戏曲在中国历史文化传承中的地位与作用。 诗歌作为一种古老的文学形式，承载了中华民族丰富的历史记忆、思想情感和审美观念。它既是士大夫阶层精神生活的写照，也是普通民众情感的寄托。诗歌的传承，不仅是语言文字的流传，更是文化基因的传递。 戏曲作为一种更具大众化的艺术形式，在传播中华传统文化、普及伦理道德、反映社会现实等方面发挥了不可替代的作用。它以生动的故事、鲜活的人物、动听的唱腔，深入人心，成为中国人民集体记忆的重要组成部分。 我们将探讨诗歌与戏曲在各自的历史发展过程中，如何回应时代的需求，如何反映当时的社会风貌和思想潮流。我们将分析它们如何成为中华民族精神的重要载体，以及它们在不同历史时期所扮演的文化角色。 结论：文学的多元性与永恒魅力 本书的最终目的，是希望通过对诗歌与戏曲的深入比较与分析，让读者认识到中国古典文学形式的多元性与丰富性。诗歌与戏曲并非孤立存在，它们在相互影响、相互借鉴中共同发展，共同构成了中华文学的辉煌画卷。 《诗歌与戏曲》将引导读者重新审视这两种重要的文学体裁，发现它们之间隐藏的深刻联系，理解它们各自独特的艺术魅力。通过本书，希望读者能够对中国古典文学获得更为全面、深刻的认识，从而更加珍视和传承这份宝贵的文化遗产。本书并非一个僵化的学术研究报告，而是希望以一种更为开放和探索性的姿态，引发读者对诗歌与戏曲的兴趣，开启一段属于自己的文学探索之旅。

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这本书的语言风格，我必须说，是最大的败笔之一。它试图营造一种典雅、高古的氛围，但很多时候却显得矫揉造作，刻意使用了一些晦涩的词汇，仿佛是为了堆砌学术感而堆砌。更糟糕的是，这些华丽的辞藻下，内容的支撑力却极其薄弱。例如，在讨论“诗的意境”时，作者用了大段的篇幅描绘山水，引用了大量不相干的画家描述，却未能清晰地阐述这些意境是如何在戏曲舞台上被视觉化和听觉化地呈现出来的。如果说戏曲是诗歌的“行动版”，那么这本书似乎更专注于描述“诗歌的风景画”，而对“行动”本身的研究则付之阙如。我甚至怀疑作者是否真正理解戏曲的“结构”——那种由声腔、身段、板式共同构筑起来的复杂系统。关于戏曲的讨论，它更像是在复述一些老旧的剧目梗概，而不是分析其文学和表演艺术的内在逻辑。这种“为赋新词强说愁”式的写作，让原本厚重的主题变得轻飘无力，读起来就像是在品尝一碗加入了太多香料却忘记放盐的汤羹。

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作为一个长期关注舞台艺术的爱好者，我对这本书最大的不满在于，它对“戏曲”部分的阐述，明显偏离了其文学属性，而更多地停留在了纯粹的剧目介绍层面。在我看来，戏曲文本，尤其是那些经典剧作，本身就是高度浓缩的诗歌，其语言的锤炼、韵白的运用、人物对白中的象征意义，都是值得深入剖析的。然而，这本书在谈及戏曲时，更多地关注了服装、布景、甚至市场反响，而对剧本本身的语言艺术探讨少得可怜。比如，它完全没有深入分析“道白”和“咏叹”在诗意传达上的异同，也没有比较过不同剧种（如昆曲与京剧）在处理同一主题的诗化语言时的手法差异。这种“只见树木不见森林”的叙述方式，使得全书的讨论都显得浮于表面。它更像是一本旅游指南，告诉我们哪里有诗歌和戏曲的遗址，却不肯带我们走进遗址内部，去触摸那些充满生命力的文学肌理。读完后，我感觉自己对艺术史的了解没有增加多少，反而是对作者的视野感到一丝担忧。

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我花了整整一个下午试图理解作者到底想通过这本书传达什么核心思想，但越是深入，越是感到困惑。这本书的结构极其松散，仿佛是将不同时期、不同领域的文学和舞台评论随意地拼接在了一起。举个例子，它会突然跳到对莎士比亚戏剧的简短介绍，接着又莫名其妙地转到中国传统木偶戏的化妆特点，然后戛然而止，没有给出任何将这些元素联系起来的理论框架。我期待的是一条清晰的脉络，一条贯穿古今、连接不同文化背景下诗歌与戏曲演变的主线。也许是作者试图展现“表演性文学”的普适性，但这种跨文化、跨媒介的跳跃，在缺乏足够论据和严密逻辑支撑的情况下，就显得极其肤浅和跳跃。每当我准备对某个论点产生兴趣时，作者总会急流勇退，转向下一个不相干的话题。这种阅读体验，就好比看一部剪辑混乱的纪录片，画面是精美的，但故事线索却断得让人摸不着头脑。我对它期待的是一种深刻的对话，而不是这种走马观花的介绍，这本书完全没有触及到诗歌内在的节奏感与戏曲外在的程式化之间那种微妙的张力，让人大失所望。

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这本《诗歌与戏曲》拿到手的时候，说实话，我的期待值是蛮高的，毕竟这个名字听起来就很有古典韵味和艺术深度。然而，当我翻开扉页，真正开始阅读时，那种感觉就像是走进了一座装修极其华丽却空无一物的殿堂。我原本设想的是，能看到对唐诗宋词的精妙解析，或许能探究一下元曲杂剧的格律之美，甚至是对近现代诗歌流派的比较研究。但通篇看下来，内容更像是一本泛泛而谈的“艺术入门指导”，里面充斥着大量诸如“艺术的本质在于表达情感”、“诗歌是语言的凝练”这类人人都知道的陈词滥调。如果作者想探讨的是这两者在审美结构上的异同，比如戏曲中的唱词和诗歌的韵脚如何相互影响，或者舞台表演对诗意表达的增益或限制，那这本书里完全找不到深入的论证。我尝试去寻找一些令人耳目一新的观点，比如探讨某个特定历史时期，诗歌如何催生出新的戏曲形式，或者反过来，戏曲如何成为诗歌的民间载体，但都以失败告终。这本书给我的感觉是，它似乎想涵盖所有东西，结果却是什么都没讲透，像一杯兑了太多水的浓茶，只留下了淡淡的涩味。对于一个真正想从文学角度深挖“诗”与“戏”之间张力的读者来说，这实在是一种阅读上的折磨，更像是一本为初中生撰写的概览手册，而非一本面向深入爱好者的专业读物。

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坦白说，这本书给我最大的印象是“不连贯”和“缺乏主见”。它试图搭建一座桥梁，连接诗歌的抒情传统和戏曲的叙事传统，但这座桥梁的结构设计显然是有问题的。在涉及对现代诗歌和当代戏剧的探讨时，内容更是显得力不从心，充满了陈旧的观点和保守的判断。它似乎害怕触及任何具有争议性或前沿性的艺术表达。比如，对于现代诗歌中那些打破传统格律的自由体诗歌，它只是简单地贴上了“离经叛道”的标签，而没有去分析这些新的形式如何回应了当代社会对情感表达的需求，以及这种新的“诗性”是否又在某些实验戏剧中找到了新的载体。这本书的论断，整体上保守得令人沮丧，它似乎更像是在回顾一个已经逝去的黄金时代，而不是探讨诗歌与戏曲这两种生命力极强的艺术形式在当下的生存状态和未来走向。我需要的是一本能激发思考、挑战既有认知的书，而不是一本安抚人心、确认旧有观点的读物。

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