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出版者:商务印书馆

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出版时间:1982

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丛书系列:外国历史小丛书

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• 罗马艺术
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• 绘画
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• 历史

拜占庭的辉煌与衰落：探寻帝国的艺术遗产 图书简介 本书深入剖析了拜占庭帝国（东罗马帝国）绵延千年的辉煌艺术成就，聚焦于其在君士坦丁堡（今伊斯坦布尔）的鼎盛时期，以及其艺术风格对后世欧洲及近东地区产生的深远影响。本书旨在提供一个全面而细致的视角，审视拜占庭艺术如何继承、发展并最终超越古罗马的传统，形成一种独特而富有精神性的艺术表达。 第一部分：帝国的奠基与艺术的萌芽（公元4世纪末至6世纪初） 本书首先追溯了拜占庭艺术的起源。在君士坦丁大帝迁都之后，新的帝国中心开始形成自己的文化身份。这一阶段的艺术深受晚期罗马艺术的影响，但已显现出向更抽象、更注重精神表达转变的趋势。 1. 早期建筑的象征意义： 重点考察了君士坦丁堡早期重要的宗教建筑，如圣索菲亚大教堂（初建时期）的设计理念。探讨了如何在有限的建筑空间内，通过结构布局和装饰元素，体现“天国在人间”的宇宙观。我们分析了早期马赛克镶嵌画的技术进步，它们开始摆脱古典写实主义的束缚，色彩的使用愈发强烈，人物形象趋于程式化，眼神中充满了超越尘世的凝视。 2. 雕塑的衰落与复兴的序曲： 与同期西方世界雕塑的式微不同，拜占庭的雕塑艺术（主要集中于浮雕和纪念碑性雕塑的残存部分）转向了对帝王权力和宗教叙事的侧重。我们详细考察了君士坦丁纪念柱（尽管主体已毁）的残存铭文和底座浮雕，分析了皇帝形象如何从写实的肖像转向神圣的象征符号。 3. 装饰艺术的精致化： 这一时期的金银器、象牙雕刻和手抄本插画，展示了高超的工艺水平。特别是象牙双联对板，其细致入微的线刻和对古典母题（如胜利女神、寓言故事）的基督教化处理，是研究东西方文化交融的绝佳范例。 第二部分：查士丁尼大帝时代的黄金时代（6世纪中叶） 查士丁尼一世的统治被视为拜占庭艺术的第一个高峰。这一时期的艺术目标是宏大、永恒和不可侵犯的帝国权威的视觉体现。 1. 圣索菲亚大教堂的完美： 本书将最核心的篇幅献给圣索菲亚大教堂的最终重建。我们细致剖析了这座建筑在工程学上的突破——如何用巨大的穹顶覆盖一个近乎方形的空间。艺术上，我们分析了初期镶嵌画的布局：大量使用纯金背景，使光线在内部产生流动的、非物质化的效果。重点讨论了祭坛、圣坛屏以及皇帝与圣徒的图像在光影中的对话。 2. 拉韦纳的海外投影： 查士丁尼对意大利的征服，使得拉韦纳成为西方的“拜占庭之窗”。圣维塔大教堂的内饰，特别是查士丁尼皇帝和狄奥多拉皇后的著名镶嵌画群像，是理解帝国政治神学的关键文献。本书将对这些图像中的服饰、光环和空间处理进行符号学解读，揭示其政治宣传的精妙之处。 3. 丧失与保存： 查士丁尼瘟疫对帝国的打击是巨大的，这也影响了艺术赞助的连续性。我们探讨了这一时期世俗艺术（如竞技场壁画、世俗宫廷装饰）的命运，以及大量手稿的早期保存情况。 第三部分：圣像崇拜之争与艺术的转型（8世纪中叶至9世纪） 拜占庭历史上著名的“圣像破坏运动”（Iconoclasm）是艺术史上一次剧烈的断裂。本书将这一复杂的宗教和政治斗争视为一次深刻的艺术哲学危机。 1. 破坏的逻辑与后果： 详细叙述了破坏运动的起因——对图像的过度崇拜是否违背了《出埃及记》的诫命？我们分析了被摧毁的壁画、圣像和珍宝的性质，以及这场运动在君士坦丁堡和地方教会之间的张力。 2. 幸存的证据与地下艺术： 尽管大量公共艺术被毁，一些偏远地区的修道院（如卡帕多奇亚的岩洞教堂）保留了破坏运动前后的过渡性壁画风格。这些作品显示出人物形象的简化、色彩的朴素，以及更强烈的精神性表达，为接下来的复兴奠定了基础。 3. 图像的合法化与复兴： 随着圣像崇拜在843年被最终恢复，艺术进入了“中拜占庭时期”。图像不再需要为世俗的权力服务，而是必须严格遵循神学教义。 第四部分：中拜占庭的古典复兴与成熟（9世纪至11世纪） 圣像复兴带来了艺术风格的“新古典主义”倾向，但这种复兴并非简单的模仿，而是一种融入了更深层神学理解的成熟。 1. 镶嵌画的复兴： 这一时期的镶嵌画（如希腊的达夫尼修道院）以其清晰的轮廓、和谐的色彩和宏伟的人物比例，重新确立了拜占庭艺术的权威地位。我们关注《基督万有之主》（Pantocrator）形象的标准化和其在穹顶中的核心作用。 2. 手抄本的黄金时代： 帝国财富的积累使得手抄本制作达到顶峰。重点分析了如《帕里手抄本》（Paris Gr. 510）等文献插图，它们展示了对古典叙事场景（如赫拉克勒斯事迹）的精妙重述，以及对圣经故事的戏剧化处理。 3. 建筑的标准化： 出现了“中庭式”教堂（Cross-in-square plan）的成熟形式。这些建筑虽然规模不如早期宏大，但在内部空间处理和光线控制上达到了新的平衡，为后世的东正教教堂树立了典范。 第五部分：帝国的危机与艺术的向外传播（12世纪至14世纪） 随着帝国政治力量的衰退，拜占庭艺术的影响力开始超越其疆界，并在邻国开花结果。 1. 帕莱奥洛戈斯文艺复兴： 1261年帝国复国后，艺术迎来了最后一次辉煌。帕莱奥洛戈斯时期的艺术强调人性化的情感表达、丰富的叙事细节和对透视法的试验性运用。米斯特拉斯的壁画和君士坦丁堡的宗教画作中，圣徒的痛苦和慈悲被表现得淋漓尽致，预示着文艺复兴对情感的重视。 2. 拜占庭风格的外溢： 探讨了拜占庭艺术如何影响了中世纪后期的意大利艺术（特别是杜乔和乔瓦尼·皮萨诺），以及塞尔维亚、保加利亚和罗斯诸国艺术的发展。东正教礼仪和视觉美学如何被这些地区吸收并本土化，形成了东正教艺术的广阔版图。 3. 晚期君士坦丁堡的悲歌： 最后，本书审视了帝国末期（1453年之前）的艺术活动。尽管政治上衰弱，但艺术对传统的坚守和对精神世界的专注，使得晚期的艺术作品充满了宿命感和深刻的宗教内省。 结论：永恒的遗产 本书最后总结了拜占庭艺术在东西方文明交汇点上的独特地位。它并非是古典艺术的简单延续，而是一个全新的、以光线、色彩和象征为核心的视觉体系，这个体系成功地将神圣的抽象概念具象化，为后世的宗教艺术留下了不可磨灭的印记。

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这是一次极为令人沮丧的阅读体验，坦白地说，我感觉自己像是被扔进了一个装满了古籍残片的巨大仓库，而唯一的向导却在忙着清理他自己堆积如山的笔记。全书的结构松散得令人发指，章节之间的跳跃性极大，似乎作者想到哪里就写到哪里，缺乏一条清晰的主线来统摄整个庞大的“古代罗马艺术”范畴。比如，前一章还在洋洋洒洒地分析帝国晚期拜占庭风格的萌芽，下一章突然毫无过渡地跳到了共和国早期的陶器装饰图案，这让读者很难建立起一个连贯的时代概念。更要命的是，书中充斥着大量未经解释的拉丁文专有名词，虽然作者可能认为这是学术严谨的表现，但对于非专业读者而言，每遇到一个新词就需要停下来查阅，极大地打断了阅读的流畅性。我原本期待能看到对建筑工程技术如何影响审美取向的深度剖析，或是对不同行省艺术风格融合的比较研究，但这些内容要么被轻描淡写地一笔带过，要么干脆杳无音信。更别提索引部分，简直是一场灾难，查找特定主题几乎不可能。总而言之，这本书与其说是一部系统性的艺术史著作，不如说更像是一份未经整理的、充满个人偏见的学术草稿集。

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说实话，这本书的理论深度和批判性思维略显不足，它更像是一本精美的画册，而不是一本引人深思的学术专著。全书的论述基调非常保守和赞美，几乎没有触及到罗马艺术背后的权力运作机制、阶级矛盾，或是艺术创作中的性别视角等当代艺术史关注的前沿议题。比如，在讨论凯旋门浮雕时，作者只是简单罗列了上面描绘的历史事件和人物功绩，却很少深入分析这些叙事是如何被精心策划和操纵，以达到政治宣传的目的。雕塑是面孔的艺术，但这本书里的面孔似乎都太过完美和被动，缺乏了历史的张力与冲突。我期望看到一些关于“仿制与创新”的辩证关系探讨，毕竟罗马艺术的很大一部分是对希腊传统的继承与转化，但作者的论述常常停留在表面化的描述，未能挖掘出这种继承背后的文化焦虑或主动选择。对于那些希望通过艺术作品来解读一个社会深层结构和意识形态的读者来说，这本书可能会显得有些单薄和流于表面，更适合作为博物馆导览的辅助读物，而非严肃的学术研究参考。

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我必须要赞扬一下这本书在材料学层面的洞察力。大部分关于古代艺术的书籍往往将重点放在“看什么”——比如主题、构图或象征意义上，但这本著作却将聚光灯打在了“如何做”和“用什么做”上。作者花费了大量篇幅详尽描述了罗马人对色彩的运用，特别是他们对壁画颜料的提炼和保存技术。通过对马赛克颗粒来源地的考证，我们可以清晰地看到罗马帝国贸易网络的广阔与效率。例如，书中对比了意大利本土石材与来自北非、小亚细亚的进口大理石在光线折射下的细微差别，这种“材料的地理学”视角，极大地拓宽了我对艺术品地域性影响的认知。我对书中关于水泥（混凝土）在建筑中应用的章节尤为着迷，它不仅仅是技术层面的描述，作者将其视为一种解放建筑形式的哲学工具，使得宏伟的公共空间得以实现。这本书成功地将艺术史的讨论提升到了工艺史和工程学的交叉地带，让读者明白，艺术成就从来都不是空中楼阁，而是建立在坚实的物质基础之上的。阅读此书，让我对“罗马人如何建造世界”产生了极大的兴趣。

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这本书简直是为我量身定做的！我一直对古典时代的宏伟叙事和精湛工艺着迷，但市面上那些动辄上千页的专业著作，动辄晦涩的学术术语，总是让我望而却步。这本书的作者显然深谙如何与普通爱好者对话。开篇并没有急着抛出复杂的年代划分或艺术流派理论，而是像一位经验丰富的导游，带着我们走进了罗马的市井生活。从庞贝古城的壁画碎片，到元老院里那些神情坚毅的雕像，作者的笔触细腻又充满温度。我特别喜欢其中关于“肖像艺术的真实性”的探讨。不同于希腊雕塑对理想美的刻意追求，罗马人似乎更热衷于记录时间在人脸上留下的痕迹——那些皱纹、那些松弛的皮肤，仿佛能让人直接触摸到帝国鼎盛时期的权力与衰落的预兆。书中大量的插图印刷质量极高，色彩还原度很到位，即便是对着屏幕看，也能感受到大理石特有的冷峻质感。尤其是对万神殿穹顶的结构分析，作者用非常直观的图示解释了复杂的几何原理，让我这个对工程学一窍不通的人也豁然开朗。这本书不仅是艺术欣赏的入门指南，更是一部生动的罗马社会史切片，让我对那个辉煌又复杂的文明有了更立体、更人性化的理解。读完合上书本时，我仿佛还能闻到地中海阳光下特有的干燥气息。

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这本书的叙事节奏如同一个经验丰富的老者，娓娓道来，充满了对往昔黄金时代的怀旧情愫。它的独特之处在于，它没有试图将罗马艺术定义为一个孤立的、静止的实体，而是巧妙地将其置于更广阔的地中海文明的演变脉络之中。作者花费了大量篇幅对比了伊特鲁里亚文明对早期罗马艺术的影响，以及希腊化艺术如何在征服与融合的过程中被罗马人“吸收”并最终“罗马化”的过程。这种动态的、强调“流动性”的视角，极大地帮助我理解了为什么不同时期的罗马艺术会呈现出如此巨大的风格差异。书中对特定遗址的考古发现描述得生动具体，仿佛置身现场，尤其对那些细节的关注，比如某个水渠的排水口设计，某个私人住宅庭院的绿化布局，这些“非宏大叙事”的细节，反而构筑了一个无比真实可信的罗马生活图景。整体阅读下来，感觉就像是完成了一次跨越千年的漫长旅行，既看到了帝国的威严，也触摸到了普通人在砖瓦间的日常烟火气。它给予读者的，不仅是知识，更是一种深沉的历史共鸣感。

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