名家工笔荷花 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:牛忠元

出品人:

页数:48

译者:

出版时间:2008-1

价格:31.00元

装帧:

isbn号码:9787533024369

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书籍简介： 《宋代瓷器审美变迁考》 作者： 张志远 出版社： 九州书局 出版时间： 2023年10月 --- 内容概述： 本书深入剖析了自北宋早期至南宋末年近三百年的时间跨度内，中国宋代瓷器在审美取向、技术工艺以及艺术风格上所经历的复杂而微妙的演变历程。不同于以往侧重于某一窑口或某一类器型（如汝窑、官窑、哥窑、定窑、龙泉窑等）的断代研究，《宋代瓷器审美变迁考》以“时代精神”和“社会需求”为驱动力，构建了一个宏观的、动态的陶瓷艺术史框架。 全书共分七章，近三十万字，配有数百幅高清文物实拍图及拓片、照片，力求在学术严谨性与视觉可读性之间找到平衡。 --- 第一部分：肇始与确立——北宋前期（约960年—1085年）的“内敛之美” 本部分着重探讨宋代审美基调的奠定过程。在五代遗风与新兴文人士大夫阶层的品味尚未完全融合之际，早期定窑的“泪痕”与耀州窑的“刻花”代表了两种截然不同的技术方向。 一、从实用到尚古的张力： 分析了宫廷对早期瓷器的需求如何从注重耐用性转向追求古拙、含蓄的意境。重点剖析了汝窑的出现，并非简单的技术飞跃，而是对唐代邢窑白瓷的有意消解，通过釉色、造型的“天青化”，契合了北宋初期推崇的“雅”与“简”的哲学理念。 二、北方窑口的“瘦硬”与南方窑口的“温润”： 对比了定窑的覆烧法对器型线条的塑造影响，以及南方（如越窑的秘色瓷）如何通过釉层厚度和青瓷胎体的结合，塑造出一种“似玉非玉”的温润质感。探讨了这一时期，技术服务于哲学表达的初级阶段特征。 --- 第二部分：巅峰与定型——北宋中后期（约1085年—1127年）的“意境追求” 此阶段是宋代陶瓷艺术的黄金时期，是文人趣味与成熟技术的完美结合。 一、官窑体系的制度化构建： 详细考察了汴京官窑的设立背景，不仅是烧造技术（如“紫口铁足”）的演化，更是皇家审美标准化的结果。探讨了其审美核心——“无饰之饰”，即器物本身的气质、釉面肌理（如开片、沉淀）成为主要的审美对象，而非繁复的装饰图案。 二、装饰母题的符号化： 分析了磁州窑等民间窑口如何大规模应用刻花、划花与印花技术，并引入了婴戏、花鸟等世俗题材。这一现象被解读为宋代社会阶层分化背景下，不同审美需求的并存与张力。 三、哥窑的谜团与“金丝铁线”的艺术性： 独立章节论述了哥窑的孪生开片现象，将其从技术缺陷提升到一种人为可控的、具有偶然美感的艺术效果，是宋代对“缺憾美”探索的极致体现。 --- 第三部分：南渡与重塑——南宋早期的“承续与压力” 靖康之变不仅是政治灾难，更是文化上传承的巨大挑战。南渡后，部分制瓷匠人和技术得以保留，但审美重心必须进行调整。 一、修内司官窑的“复古倾向”： 研究了南宋初年在临安建立的修内司官窑，其主要任务是恢复汴京官窑的“风致”。然而，由于原料和环境的变化，其烧成的器物在釉质上常带有更重的蜡质感和更明显的开片，体现了在快速重建体系下的“妥协之美”。 二、龙泉窑的崛起与青釉的“二次成熟”： 详细论述了龙泉窑如何利用当地的优质瓷土，将青釉的烧制技术推向一个新的高峰。南宋龙泉窑的釉层厚度、色泽变化（粉青、梅子青）不再仅仅模仿汝窑，而是发展出了具有自身独立审美价值的“厚釉体系”。其造型多以仿古为主，但线条更显修长、灵动，适应了南宋文人偏爱清雅、略带萧瑟的审美情趣。 --- 第四部分：定型与成熟——南宋中后期的“器用之美” 进入南宋中后期，瓷器审美重心从对“天青”的执着，转向对“器物实用性与造型比例”的极致追求。 一、浙江窑系的主导地位： 深入分析了龙泉窑的中心地位如何巩固，以及其产品如何通过海路远销海外，影响了整个东亚乃至伊斯兰世界的陶瓷风格。重点对比了南宋晚期龙泉窑的“瓜棱鼎”、“梅瓶”等经典造型，探讨其比例学上的精妙之处。 二、磁州窑题材的“世俗化”与“故事化”： 探讨了此时期磁州窑产品（如枕、瓶）上大量出现的白地黑花，以及“三彩釉”装饰，展现了市井生活对艺术的直接反映，反映出宋代社会审美下层的活力与多样性。 三、景德镇的蓄势待发： 简要梳理了景德镇在此时期青白瓷（影青）的生产规模和技术进步，作为向元代彩瓷过渡的关键技术环节，预示了下一时代的审美转向。 --- 结论：宋瓷的审美遗产 本书最后总结，宋代瓷器审美的主旋律是从追求“神似”（意境、哲学感）到注重“形似”（造型、比例），最终完成了从盛唐的华丽繁复到内敛、含蓄、以釉为美的文化自觉过程。这种审美不仅影响了后世的工艺，也深刻塑造了中国艺术史上对“雅”与“拙”的理解。 适合读者： 陶瓷史研究者、古董收藏爱好者、中国美术史专业学生及对宋代文化有浓厚兴趣的读者。 ---

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说实话，我是在一家小众画廊偶然看到这本书的宣传册的，当时就被那种扑面而来的静谧感吸引住了。这本书的装帧设计也极其考究，厚实的纸张，保证了墨色的真实还原度，拿在手里沉甸甸的，很有质感。我之前总觉得工笔画太平板，缺少生命力，但这本书里的荷花，每一朵都有自己的“脾气”。有的含苞待放，带着一丝羞涩的嫩绿；有的则完全盛开，那种饱满的热烈几乎要从纸面上溢出来。我特意对比了几位不同名家的作品，发现他们对“光影”的处理各有侧重，有的侧重于表现清晨的露水反光，有的则着墨于午后阳光穿过花瓣的半透明质感。这种风格上的多样性，使得整本书看起来非常丰富，绝不枯燥。我甚至开始尝试用书中介绍的那些调色配方，虽然效果还差得远，但光是体验那种将传统颜料与现代材料结合的过程，就已经非常享受了。这本书不仅仅是一本画册，更像是一本关于如何观察和理解自然之美的深度访谈录。

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我收藏了不少关于花卉绘画的典籍，但很少有能像这本书一样，在保持学术性的同时，还能兼顾到大众的审美接受度的。这本书的选材非常精妙，涵盖了从初夏新荷到深秋残蕊的完整生命周期，使得读者可以清晰地观察到荷花在不同季节的形态变化和色彩差异。我注意到，书中的一些高清细节图，甚至是放大了几倍的局部特写，清晰到可以看到笔毫触碰在绢布上留下的细微的纤维纹理，这对于我们这些研究笔法的人来说，简直是宝库。而且，这本书的印刷质量达到了收藏级别，色彩的准确性令人赞叹，特别是那些极淡的粉色和绿色，在普通的印刷品上往往会失真，但在本书中，那种清新脱俗的感觉被完美地保留了下来。我甚至花了一个下午，只是对着其中一幅侧重描绘蜻蜓停歇在荷叶上的作品出神，那种人与自然和谐共处的宁静感，透过纸张都能传递过来，让人心绪平和，非常值得拥有。

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说句实在话，我本来对工笔画不太感冒，总觉得太耗时间，而且成品往往显得“匠气”太重，缺乏洒脱。但朋友强力推荐我看看这本《名家工笔荷花》，说是里面的作品“有点不一样”。一开始我还将信将疑，结果一翻开，就被镇住了。那几幅侧重于“水墨晕染”的工笔荷花，简直是神来之笔！它巧妙地在工笔的细致骨架中注入了写意的水墨的韵味，使得花朵既有清晰的轮廓，又不失流动的生命力。特别是作者处理荷叶边缘的“飞白”效果，看似随意，实则经过了精心的计算和控制，营造出一种动态的张力。这本书的贡献不仅在于展示了顶尖的技艺，更在于它似乎在为工笔画的当代转型提供了一种成功的范例——如何在坚守传统的精微之处，又能摆脱陈旧的刻板印象。对于年轻一代的画者来说，这本书绝对能拓宽他们的创作思路。

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我是一个退休的教师，对传统文化有着近乎痴迷的热爱，一直想找一本能系统性地指导我学习工笔花卉的工具书，市面上的很多书要么内容太浅，要么就是只注重形似而忽略了神韵的表达。这本书，让我找到了久违的惊喜。它最大的优点在于对“意境”的营造。名家之所以为名家，并非只是手艺精湛，更在于他们笔下的物象承载了文人的情怀。书里收录的几幅以雨后残荷为主题的作品，那种凋零之美，那种历经风霜后的淡泊，简直让人心生敬畏。作者在配文里也解释了古代画家如何通过对荷花的特定形态来寄托对君子品格的赞美，这种文化背景的补充，极大地提升了这本书的内涵深度。对于我这种需要理论支撑的学习者来说，这点至关重要。而且，这本书的排版布局也做得非常人性化，留白得当，使得每一幅画作都有足够的“呼吸空间”，让人可以沉浸其中，细细品味。

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这本《名家工笔荷花》简直是艺术爱好者的福音！我最近刚把它抱回家，光是翻开扉页那几张高清彩印的荷花图，就已经让人心神荡漾了。你知道吗，那种细腻入微的描摹，每一个花瓣的边缘，每一滴水珠的晶莹，都仿佛能触摸到。我尤其欣赏作者在表现荷叶脉络上的功力，那种由浅入深、层次分明的墨色过渡，完全不是一般的临摹能比拟的。我以前也买过一些工笔画册，但很多要么就是色彩过于艳俗，要么就是线条僵硬，缺乏灵气。但这本书不同，它完美地融合了传统工笔的严谨和写意画的韵味。书里不仅有成品展示，还有不少阶段性的步骤解析，对于我们这些想自己尝试的业余爱好者来说，简直是无价之宝。特别是对“分染”和“罩染”的技巧讲解，非常细致，配上了图例，让人一目了然，完全不会觉得晦涩难懂。我强烈推荐给所有对传统国画，尤其是花鸟题材感兴趣的朋友们，相信我，买了绝对不后悔，它放在书架上本身就是一件装饰品，翻开来就是一次心灵的洗礼。

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