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页数:80

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出版时间:2008-5

价格:25.00元

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isbn号码:9787807512288

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音乐之旅：古典钢琴入门与技巧精进 本书特色 本书并非旨在教授初学者基础的键盘操作或乐理入门，而是将焦点完全聚焦于已有一定演奏基础，希望进一步深化对古典钢琴曲目理解与演奏技巧的进阶学习者。我们摒弃了针对零基础的枯燥练习，转而深入探索古典音乐的精髓、演奏的历史语境、以及大师们留下的宝贵实践经验。 全书结构设计，旨在为致力于突破瓶颈、追求艺术表现力的学习者提供一条清晰的进阶路径。内容涵盖了从巴洛克时期到浪漫主义盛期，乃至印象派早期作品中关键的技术难点解析、风格把握的细微差别，以及如何通过科学的身体运用达成更具歌唱性的音色控制。 第一部分：风格的再认识——从巴赫到莫扎特 第一章：巴洛克时期的织体与触键的哲学 本章不讨论如何识谱，而是深入分析巴洛克音乐中复调（Polyphony）的本质。我们将重点探讨赋格（Fugue）与卡农（Canon）的内在逻辑。对于演奏者而言，关键不在于“弹对音符”，而在于如何清晰、独立地处理多声部线条，使之如同多位歌手在对话。 多声部独立性训练： 针对巴赫《平均律键盘曲集》等作品，我们将剖析如何通过微调指尖压力和接触时间，实现对每一声部的“声部分离”（Voicing Separation）。这要求学习者掌握一种极为精细的“分层触键”能力，确保低音声部提供坚实的和声基础，中音声部保持连贯性，而高音声部则能清晰地“歌唱”出来。 装饰音的规范与自由： 深入讲解巴洛克时期装饰音（如回音、颤音、琶音）的演奏规范（例如，它们通常从上方音开始，或与主音同时开始）。更重要的是，我们将探讨在不同作曲家（如巴赫与斯卡拉蒂）的作品中，装饰音在节奏上应具有的弹性程度，以避免机械化。 触键的“重量”与“释放”： 强调巴洛克时期钢琴（羽管键琴）与现代钢琴在触键原理上的差异。对于现代钢琴，如何模拟出羽管键琴的“颗粒感”而非沉重的“撞击感”，是实现巴洛克风格纯净音色的关键。这涉及手臂重量的运用，重点在于迅速且精确地“释放”琴键，以避免声音的混浊。 第二章：古典主义的平衡与清晰度 古典主义，尤其是海顿和莫扎特的音乐，要求绝对的清晰度和结构的美感。本章着重于如何在保持线条流畅的同时，凸显乐思的清晰轮廓。 奏鸣曲式结构的再现性处理： 分析奏鸣曲（Sonata Form）中呈示部、发展部和再现部的功能差异。演奏者必须理解，再现部的主题回归不仅是音符的重复，更是情绪上的“回归正轨”。如何在发展部中制造紧张感，并在再现部中实现预期的释放，是本章的核心议题。 力度记号的精确执行： 莫扎特的音乐对力度的微小变化极其敏感。我们将探讨从 p 到 mf 之间细微层次的差别，以及如何通过触键的深度而非仅仅是力量的变化来体现这些细微差异。尤其关注 sforzando (sfz) 和 accent (重音) 在古典语境中的力度定位。 慢乐章的歌唱性与呼吸感： 如何在慢板乐章中，模仿美声唱法（Bel Canto）的线条进行演奏。这要求将手臂和手腕的运动与乐句的“呼吸”紧密结合，避免僵硬的机械式连奏。 第二部分：浪漫主义的激情与钢琴语汇的拓展 第三章：贝多芬：力量、对比与结构的张力 本书将贝多芬视为古典与浪漫的桥梁。本章不侧重于他早期的模仿，而聚焦于他中晚期作品中对钢琴极限的探索。 前奏与解决： 深入研究贝多芬在乐章开端（如《热情》奏鸣曲）如何迅速建立起一种不可抗拒的驱动力。这要求练习者掌握极快速的音型转化和强弱对比的瞬间切换。 踏板的革命性运用： 贝多芬的踏板指示往往比前人更具颠覆性。本章将通过分析其作品中对延音踏板（Sustain Pedal）的特定要求，指导学习者如何在现代钢琴上重现当时踏板的限制与可能性，避免“过度模糊”，同时捕捉其音色的“混合”。 “英雄性”的表达： 如何在保持技巧控制的前提下，展现出宏大的气魄。这涉及到对“重量”的理解——不是蛮力，而是从脊柱传导至肩膀、手臂，最终通过指尖的“锚定”感来实现的深沉而有力的声音。 第四章：肖邦与李斯特：触键的色彩与虚拟的交响性 浪漫主义的标志是个人情感的极大释放和对钢琴音色潜能的挖掘。本章主要围绕如何用手指“绘画”。 肖邦的“歌唱之手”： 肖邦的练习核心在于将手指塑造成能发出最美、最连贯的旋律线。我们将精细分析华彩（Passaggio）部分的练习方法，重点不在于速度，而在于如何在快速跑动中保持旋律音的突出和清晰度，以及如何处理其独特的和声色彩。 李斯特的“钢琴管弦化”： 探讨李斯特如何通过极致的跨度、丰富的和声色彩和密集的琶音来模仿管弦乐队的效果。本章将介绍针对大型琶音（Arpeggio）和分解和弦的“手腕松弛与引导”技术，确保跨越八度的连贯性，并讨论如何处理和声的“镀金”效果。 音色的细微渐变（Timbre Control）： 学习如何通过改变手指接触琴键的深度和角度，在同一力度标记下产生不同的音色——从“丝绒般”的柔和到“金属般”的明亮，这是浪漫主义演奏的灵魂。 第三部分：进阶技巧与诠释的深度 第五章：技术障碍的解析与突破 本章针对学习者在练习特定技术段落时遇到的常见瓶颈，提供具体的、非重复性的解决方案。 快速音阶与琶音的“隐形”训练： 如何通过“节奏变奏法”（Rhythmic Variation）和“分组练习法”（Grouping Practice）来消除音阶中的“疙瘩”和不均匀之处，目标是达到一种看似不费力、完全自然的流动感。 双音与三度音程的精确性： 解决双音（Double Notes）和三度音程（Thirds）演奏中常见的“双重不准确”问题。这要求练习者发展独立且同步的指力，关注相邻手指的协调性，而非仅依赖手腕的整体移动。 跨越式手型与伸展能力的优化： 针对需要大幅度跨度的乐段（如某些勃拉姆斯或德彪西的片段），提供科学的手指伸展热身和持续性练习，确保在不造成疲劳或伤害的前提下，拓展手掌的有效覆盖范围。 第六章：诠释的自由度与历史的责任 最终的演奏是技术与理解的结合。本章探讨如何从演奏者个人情感出发，同时尊重作曲家意图的平衡艺术。 乐句的“造型”： 如何在宏大的结构（如奏鸣曲的乐章）中保持乐句的完整性，同时在微观层面（如一个小小的动机）上赋予其独特的表情和力度轮廓。 速度的弹性（Tempo Rubato）： 区分“真假”的鲁巴托。真正的鲁巴托是旋律线的自由伸缩，而伴奏声部必须保持稳定的脉搏。本章提供如何训练“左右手独立计时”的方法，以实现肖邦或勃拉姆斯音乐中那种内敛而深沉的速度弹性。 版本比较与个人声音的形成： 鼓励学习者系统地研究不同版本（如不同演奏家录音、早期乐谱注释）的异同点。认识到没有“唯一正确”的演奏，关键在于学习者如何建立起一套基于深厚技术积累和历史理解的，具有说服力的个人音乐声音。 本书为那些不满足于基础演奏，渴望在古典音乐世界中找到自己独特表达方式的严肃学习者而设计。它要求读者已经具备扎实的指法基础，并准备好迎接更深层次的音乐思考和技术挑战。

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我是一位希望孩子能接触音乐的家长，给我家宝贝选教材费了不少心思。最终选择了这本，主要是看中了它在趣味性上的投入。书里的一些小故事和引入环节特别能吸引孩子的注意力，比如讲解休止符时，不是干巴巴地说“这是休息”，而是编了个“小鸟唱歌累了要休息一下”的故事，孩子听得津津有味。更关键的是，它对基础乐理的讲解非常生活化，不像很多书那样冷冰冰的公式。音阶的练习曲都不是那种单调的“do re mi”，而是融入了各种活泼的旋律片段，让孩子在不知不觉中就记住了音符的位置和弹奏方法。现在，孩子每天主动要求弹琴的时间越来越长了，这绝对是这套书的功劳，它真正点燃了孩子对音乐的内在热情，而不是为了完成任务。

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这本教材最让我感到贴心的地方，在于它对学习过程中的“情绪管理”考虑得非常周到。在学习进入略微复杂的和弦转换时，书里会穿插一些非常优美、旋律性强的小练习，这些曲子不仅技术难度适中，听起来还特别治愈。这就像在攀登一座陡峭的山峰时，给你准备了一个美丽的观景台休息一下，让你感到放松并重拾信心。它不只是教你“如何弹”，更是在引导你“如何感受音乐”。当我弹奏那些稍微复杂一点的练习曲时，不再是机械地盯着黑白键，而是能感受到旋律的起伏和情感的流动。这种由内而外的学习体验，让钢琴学习不再是枯燥的技能训练，而变成了一种享受和自我表达的方式，让人愿意长期坚持下去。

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说实话，我之前尝试过好几本钢琴教材，都半途而废了，不是因为我学得慢，而是教材本身的问题。有些书的讲解过于晦涩，充满了生僻的专业术语，让人望而生畏；有些则编排得太着急，还没等你完全掌握前一个知识点，它就已经跳到下一个更难的了。但这本教程完全不同。它的节奏感把握得非常好，就像一位经验丰富的钢琴老师，知道什么时候该放慢速度，什么时候可以稍微提速。我特别欣赏它对指法和触键的详细指导，配有清晰的图示，让我一开始就能养成正确的弹奏习惯，避免了以后形成难以纠正的坏毛病。而且，它对节奏的训练非常扎实，不同的节拍和时值都有专门的练习，不再是随便哼哼就能过去，真正做到了“弹得准”和“弹得好听”的结合。

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这本书的封面设计简直太吸引人了！那种柔和的色调搭配上跳跃的音符图案，一下子就抓住了我的眼球。我一个刚开始学钢琴的新手，看到这个封面就觉得“哇，这套书肯定很友好！”打开内页，果然没有让我失望。排版非常清晰，每一个小节的讲解都像是老师在你耳边细细道来。最让我惊喜的是，它没有那种传统教材的枯燥感，而是用了很多生动有趣的插图和比喻来解释乐理知识，比如把高音谱号比作“长长的脖子”，把低音谱号比作“小小的耳朵”，一下子就容易记住了。而且，练习曲目的难度递进设计得非常合理，从最简单的单音练习到双手配合，每一步都让我觉得“我能行！”这种正向的鼓励真的太重要了。我学了一个星期，已经能完整地弹奏出几首简单的曲子了，成就感爆棚！

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作为一位有一定基础，但想系统回顾和梳理基础知识的成年自学者，我发现这本书的价值远超我的预期。很多我过去靠“感觉”弹奏的地方，在这本书里都找到了严谨、科学的解释。比如关于踏板的运用时机和力度控制，它提供的指导非常精细，让我一下子明白了为什么自己之前弹出来的声音总是“糊”的。此外，书中收录的一些早期练习曲目选择得非常经典，既能锻炼手指的独立性和灵活性，又能培养乐感。我尤其喜欢它在每章节末尾设置的“小测验”环节，虽然简单，但能立刻检验我是否真正掌握了本章内容，这对于自学者来说，是极其重要的反馈机制，让我能及时查漏补缺，稳步前进。

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