具体描述
《斯卡拉蒂钢琴奏鸣曲200首(第4集)(151-200)》主要内容：这是西方音乐史上一个有趣的巧合，1685年出生了三位巴洛克时期最伟大的作曲家——亨德尔（Georg Friedrieh Handel，1685-1759）、巴赫（Johann Sebastian Bach，1685-1750）和斯卡拉蒂（Domenico Scarlatti，1685-1750）这三位巨人在三个不同的领域各达到了前所未有的高峰：亨德尔的主要贡献在歌剧的创作上；巴赫把复调的创作，尤其是赋格艺术，发展到了一个空前的高峰；而斯卡拉蒂则在羽管键琴（clavicembalo）的创作和演奏上达到了一个史无前例的高峰。
斯卡拉蒂的父亲亚历山德罗·斯卡拉蒂（Alessandro Scarlatti，1660～1725）是位著名的歌剧作曲家，多梅尼科·斯卡拉蒂也是从创作歌剧开始的。1708年他在威尼斯遇见了亨德尔，据说亨德尔的保护人奥托博尼红衣主教安排他们两人在罗马比赛，结果羽管键琴演奏，斯卡拉蒂胜了亨德尔，而管风琴演奏则亨德尔胜了斯卡拉蒂。1721年至1725年斯卡拉蒂任葡萄牙国王的宫廷羽管键琴演奏家，同时担任国王女儿巴巴拉公主的老师。1729年他陪伴巴巴拉公主去马德里和西班牙王子完婚，从此留在马德里直到1757年。他的555首奏鸣曲大多是在葡萄牙和西班牙时写的。其中只有30首（K.1-30）是他生前在伦敦出版，其他525首在18世纪没有任何出版物。19世纪，1839年车尔尼（Karl Czerny，1791-1857）出版过一些斯卡拉蒂的奏鸣曲，后来比洛（Hans von Bulow，1830-1894）、陶西格（Carl Tausig，1841-1871）、布索尼（Ferruccio Busoni，1866-1924）和绍厄尔（Emi1 von Saues，1862-1942）等人出版过经过加工改编的斯卡拉蒂的个别奏鸣曲。直到20世纪初的1906年，意大利Ricordi出版社才出版了第一套由朗戈（Alessandro longo，1864-1945）编辑完成的《斯卡拉蒂奏鸣曲全集》共545首（缺K.41，80，94，97，142-144，204a，204b，452，453），全套共分为11册，并且创造了用“1”代表的编号。这个版本虽然对推广和普及斯卡拉蒂作品起了一定的积极作用，但它用19世纪浪漫主义的观点和趣味改变了斯卡拉蒂的句法和力度，而且它的“1”编号也打乱了斯卡拉蒂原来的作品关系和创作次序。这些问题一直到上世纪50年代美国一位羽管键琴家柯克帕特里克（Ra1ph Kirkpatrick，1911-1984）的编号“K”出现才得以解决。“K”的编号不但基本上依据编年的创作次序，而且发现原来斯卡拉蒂使用了“配对”的构思（大致从K.102起），每两首（有少数是三首一组）用不同调性（大、小调）、速度、节拍和性格来形成对比，但并不在音乐素材上产生联系。现在好的版本都会对每首作品同时标明“L”和“K”两种不同编号，而以“K”编号为标准。我们发现，不少“K”的小编号（早期作品）在“L”是大编号，反之亦然。
斯卡拉蒂把他生前出版的K.1-30叫做“练习”（Essercizi），其他有的叫“奏鸣曲”（Sonata），有的叫“托卡塔”（Toccata），可见在那时奏鸣曲和托卡塔并无区别。不管这些作品叫什么名字，从结构上讲，它们基本都是两段体，用反复记号的双纵线把两部分清楚地分开来。第一部分从主调到属调，第二部分开始有一段自由转调，然后回到主调，相当于后来奏鸣曲式的再现部。斯卡拉蒂的奏鸣曲大多数是单主题，只有少数有两个主题（如K.29），且具有后来奏鸣曲式的调性关系。
从技术上讲，斯卡拉蒂创造了双手交错的演奏方法，这也是炫技的一种表现。突出的例子是K.27第11-16小节，完全一模一样的音型织体重复三次，但斯卡拉蒂要求每两小节双手交错一次，第11-12小节右手弹十六分音符音型，左手交错弹四分音符，第13-14小节左手弹十六分音符音型，右手交错弹四分音符，第15-16小节又恢复右手弹十六分音符音型，左手交错弹四分音符，这从谱面上说明了一模一样的音型为什么斯卡拉蒂要不厌其烦地重复三次。这种技术上的交错，不仅是视觉上的炫技，而且增加了音乐的趣味和变化。
目前最完整的斯卡拉蒂555首奏鸣曲是意大利Ricordi出版社正在出版的Emilia Fadini编辑的原始版（Urtext），预计分10册出版，目前只出了8册。因此我们先引进匈牙利布达佩斯音乐出版社（EMB）出版的四卷本200首选集。这也是一个编辑态度十分严肃的原始版本，基本上已包括了我们常用的斯卡拉蒂的作品，有利于推广斯卡拉蒂的作品。等到Fadini版出齐了，我们还会考虑引进，那就是学术性和专业性更强的计划了。希望音乐家们、钢琴家们、钢琴老师们和钢琴学生们给予热烈支持！
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说实话，最初我购买这套乐谱时，是抱着一种试试看的心态，因为市面上的“全集”往往质量参差不齐，要么是排版混乱，要么是版本老旧，难以适应现代的演奏习惯。然而，当我真正上手使用后，我的疑虑完全烟消云散了。最让我感到惊喜的是，它对那些极富挑战性的交替指法和快速的三连音部分，提供了清晰的逻辑分析，而不是简单地堆砌音符。通过对比不同版本的处理——尽管书内没有直接对比，但凭借我以往的积累，能感受到它所采用的文本是多么的考究和严谨。它似乎在强调“运动中的优雅”，要求演奏者在极速的技巧展示中，依然要保持旋律线的流畅性，不能让技术流于表面。对于那些追求极致纯净音色和精确节奏感的学习者，这本书提供的无疑是一个非常扎实的基础平台。
评分拿到这本书时，我首先注意到的是它纸张的质感，略微粗糙却富有弹性，有一种回归经典的厚重感，绝非那种轻飘飘的现代印刷品可比。我立刻翻到那些以“快板”著称的篇章，试图找出其中是否有隐藏的“捷径”或者更省力的演奏方法，但很快我意识到，这套编集者并不提供妥协。他们呈现的是最原始的挑战，鼓励学习者通过汗水去征服每一个技术难关。那些复杂的快速琶音，在清晰的排版下，暴露出了它们内在的韵律规律，不再是单纯的音符堆砌，而更像是一种具有内在逻辑的、舞蹈般的运动。我甚至拿起了铅笔，小心翼翼地在几处关键的重音上做了标记，这种与乐谱的互动，让我感觉自己正在与一位跨越时代的音乐大师进行着严肃的交流，这种感觉是极其宝贵的。
评分这本乐谱的阅读体验，对于我这样一位习惯于听觉学习的演奏者来说，提供了一种全新的维度去理解音乐。我发现，当把注意力从听觉转移到视觉、从情感冲动转移到理性结构分析时，我对作品的理解达到了一个新的高度。书中的很多乐章，其结构犹如精密的钟表机械，每一拍、每一个装饰音都服务于整体的平衡与美感。我花了大量时间去研究其中关于速度标记的细微差异，这些看似不经意的记号，实则蕴含了演奏风格的重大分野。它强迫我放慢速度，去倾听“寂静”的力量，去体会那些休止符在巴洛克音乐中的呼吸作用。这本书带来的不仅仅是技巧的提升，更是一次关于音乐哲学和历史语境的深度对话。
评分翻开这本乐谱，我立刻被一种久违的、纯粹的音乐激情所点燃。与市面上那些将古典作品“现代化”处理的版本不同，这套编排仿佛是直接从遥远的十八世纪将那位伟大作曲家的灵魂小心翼翼地提取出来，完整地呈现在我们面前。我特别留意了其中几首相对冷门但结构极其精巧的奏鸣曲，它们的旋律线条如同一条条精美的蕾丝花边，在指尖下蜿蜒流动。我尝试用不同的触键方式去演绎同一段落，发现音色和情感的差异竟然如此之大，这迫使我必须深入思考作曲家在创作时的心境，去捕捉那些转瞬即逝的情绪波动。装帧设计非常讲究，书脊的处理使得它能够平稳地摊开在钢琴架上，不会在使用过程中因为受力不均而合拢，这一点对于需要长时间、不间断练习的演奏者来说，简直是福音。它不仅仅是工具书，更像是一件艺术品，值得被珍藏和反复研习。
评分这本厚重的乐谱集，光是拿在手里就能感受到沉甸甸的分量，封面设计典雅，一看就是为严肃的钢琴学习者准备的。我刚开始翻阅的时候，就被其中清晰的印刷和专业的排版所吸引。那些密密麻麻的音符在米黄色的纸张上显得井井有条，即便是初学者也能大致辨认出它们的位置。我最欣赏的是它对指法提示的细致程度，很多我原本以为自己能轻松处理的段落，经过乐谱上的标注，才发现原来可以有更有效率、更符合巴洛克时期风格的演奏方式。尤其是那些快速的跑动和复杂的和声进行，编者似乎是倾注了大量心血去研究如何让演奏者在保持技术准确性的同时，还能最大限度地展现出斯卡拉蒂作品中那种特有的灵动与光彩。这本书不仅仅是一本曲集，更像是一位经验丰富的导师，在你身旁无声地指导着每一次触键。我花了整整一个下午，只是对照着几首著名的奏鸣曲，研究那些细微的力度变化和装饰音的执行标准，那种沉浸式的学习体验，真是让人欲罢不能。
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