Das Wohltemperierte Klavier - Teil II BWV 870-893 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Henle (G. Henle Verlag)

作者:Johann Sebastian Bach

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isbn号码:9790201800165

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探寻键盘音乐的至高殿堂：《平均律键盘曲集》第二册之外的键盘艺术史纲 导言：超越巴赫的键盘音乐世界 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的《平均律键盘曲集》无疑是西方音乐史上的一座里程碑，特别是第二册（BWV 870-893），它以严谨的对位技法和对十二平均律的完美诠释，构筑了键盘音乐的宏伟殿堂。然而，键盘音乐的演进并非止步于巴赫的时代。本卷概述旨在引领读者穿越时空，探索在巴赫的巨著之外，键盘乐器（包括羽管键琴、大键琴、古钢琴及后来的钢琴）如何在其后的数百年间，不断地自我革新、风格演变，并塑造出丰富多彩的音乐图景。我们将着重考察巴洛克晚期之后的几个关键时期——古典主义、浪漫主义、印象主义，直至二十世纪的现代主义探索，展示键盘音乐在不同时代精神下的面貌。 --- 第一部：古典主义的清晰与结构（约1730-1820） 在巴赫逝世后不久，音乐审美风尚开始从巴洛克的复杂复调转向更清晰、更注重旋律与和声的结构。这一时期，大键琴逐渐被音量更具动态变化的古钢琴（Fortepiano）所取代，这直接影响了作曲家对触键和力度表现的思考。 一、前古典主义的过渡：从洛可可到情感的涌动 在巴赫的儿子们，如卡尔·菲利普·埃马努埃尔·巴赫（C.P.E. Bach）的引领下，音乐进入了“敏感风格”（Empfindsamer Stil）。C.P.E.巴赫的作品，特别是他的奏鸣曲，充满了突然的情绪转折、即兴的装饰音与深刻的个人情感表达，这与他父亲的沉着冷静形成了鲜明对比。同时，多梅尼科·斯卡拉蒂（Domenico Scarlatti）在西班牙留下的数百首单乐章奏鸣曲（Sonatas），以其惊人的技巧难度、对羽管键琴特性的精妙运用，以及对民间节奏和异域风情的巧妙融合，构成了巴洛克向古典过渡期一个独特且充满活力的分支。 二、古典主义奏鸣曲的黄金时代：海顿与莫扎特 随着奏鸣曲式（Sonata Form）的成熟，键盘音乐的结构性达到了一个新的高峰。弗朗茨·约瑟夫·海顿（Joseph Haydn），作为“交响乐之父”，也将这种清晰的结构、幽默感和形式上的平衡完美地移植到他的键盘奏鸣曲中。海顿的奏鸣曲（如Hob. XVI系列）是研究古典主义音乐思维的绝佳范本，它们侧重于动机的发展、清晰的和声进行，以及优雅的旋律线条。 沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）则将古钢琴的表达力推向了极致。他的23部钢琴奏鸣曲，以及变奏曲（如K.331的土耳其进行曲），展现了无与伦比的旋律天赋、对位法的自然运用，以及对古钢琴细腻力度变化（p, mf, f）的精准把握。莫扎特的音乐是古典主义“自然美”的典范，其内部的逻辑严密，外表却轻盈灵动。此外，他为教学和演出创作的幻想曲与回旋曲，也极大地丰富了键盘曲目。 三、贝多芬的革命：从古典到浪漫的桥梁 路德维希·凡·贝多芬（Ludwig van Beethoven）的作品标志着键盘音乐进入一个全新的、充满个人意志和英雄主义的时代。他的32首钢琴奏鸣曲是其音乐哲学的核心体现。早期奏鸣曲仍受海顿和莫扎特的影响，但从中后期开始，贝多芬开始突破既有形式的限制：《热情奏鸣曲》的激情、《月光奏鸣曲》的冥想、《锤子奏鸣曲》的宏大结构，无不显示出作曲家对乐器潜能的挖掘和对个人情感的史诗般表达。他将古钢琴的音域推向极限，要求更强有力的触键和更宽广的动态范围，为现代钢琴的出现铺平了道路。 --- 第二部：浪漫主义的激情与个性的绽放（约1820-1900） 随着工业革命的推进和钢琴制造技术的飞速发展，现代钢琴（Modern Piano）成为主流。琴弦更粗，音板更坚固，使得钢琴能够发出更宏大、更持久的音响，为浪漫主义作曲家提供了挥洒情感的完美工具。 一、钢琴的诗人：肖邦与舒曼 弗里德里克·肖邦（Frédéric Chopin）几乎将全部创作精力奉献给了钢琴，他被称为“钢琴的灵魂”。他的作品专注于小型、精致的体裁——夜曲（Nocturnes）、叙事曲（Ballades）、玛祖卡舞曲、波兰舞曲和练习曲（Études）。肖邦对巴黎沙龙音乐的精致美学把握得炉火纯青，他创新性地运用了踏板技术，创造出歌唱性的旋律（Cantabile），并大量运用复杂的和声色彩和自由的速度变化（Tempo Rubato），使钢琴的声音充满了前所未有的诗意和忧郁的色彩。 罗伯特·舒曼（Robert Schumann）则通过音乐描绘文学意象和内心世界。他的作品常以组曲形式出现，如《蝴蝶》、《狂欢节》和《童年情景》。这些作品充满了自传色彩和文学象征，通过不同的“面具”角色（如弗洛雷斯坦和尤塞比乌斯）来表达复杂的内心冲突。他的键盘音乐具有强烈的叙事性和即兴感，对音色的处理更为厚重和富有内省精神。 二、技术与炫技的巅峰：李斯特与勃拉姆斯 弗朗茨·李斯特（Franz Liszt）将钢琴演奏技巧推向了前所未有的高度，他被誉为历史上最伟大的钢琴家之一。他创作的练习曲（如《帕格尼尼练习曲》）和炫技性改编曲，要求演奏者掌握跨越整个键盘的快速琶音、八度、和弦连奏等技术。李斯特的原创作品，如《B小调奏鸣曲》和《钢琴套曲》，结构宏大，和声大胆，将管弦乐队的音响效果移植到了钢琴上，预示了后来的管弦乐化趋势。 约翰内斯·勃拉姆斯（Johannes Brahms）代表了浪漫主义中更保守、更“德奥”的一面。他的键盘音乐回归了对巴赫和贝多芬的结构精神的致敬，但用十九世纪丰富的和声语言进行了重塑。他的间奏曲（Intermezzi）、狂想曲和变奏曲，以其深沉的内省、厚实的织体和对声部的精妙处理，构筑了沉稳而富有内涵的音乐世界。 --- 第三部：色彩、印象与二十世纪的转向（约1890至今） 十九世纪末，随着民族主义音乐的兴起和对纯粹结构的反思，键盘音乐开始探索新的听觉体验。 一、印象主义的朦胧与色彩：德彪西与拉威尔 克劳德·德彪西（Claude Debussy）彻底颠覆了传统的功能和声体系。他的键盘作品，如《前奏曲集》和《映像》（Images），不再追求清晰的旋律线或明确的结构，而是专注于音色、氛围和瞬间的“印象”。他大量使用全音音阶、五声音阶、不协和和弦和复杂的踏板运用，旨在捕捉自然界中的光影、水流与气味，创造出一种流动、朦胧的美学。 莫里斯·拉威尔（Maurice Ravel）虽然受到德彪西的影响，但其音乐结构更为清晰，技巧要求更高。他的作品如《加斯帕之夜》（Gaspard de la Nuit）以其极致的钢琴技巧和对节奏的精确控制，成为现代钢琴文献中最具挑战性的篇章之一。 二、现代主义的探索：结构与精神的重构 二十世纪初，伊戈尔·斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）的“新古典主义”作品（如钢琴奏鸣曲）在节奏上追求冲击力，和声上则带有明显的不协和性。 而在奥地利，阿诺德·勋伯格（Arnold Schoenberg）的十二音体系以及后来的序列音乐理论，彻底打破了传统的大小调体系。虽然这类音乐的键盘作品（如钢琴组曲Op. 25）在演奏上极具挑战性，但它们代表了对音乐本质的理性重建。 与此同时，谢尔盖·拉赫玛尼诺夫（Sergei Rachmaninoff）和亚历山大·斯克里亚宾（Alexander Scriabin）则将浪漫主义的激情推向了更为极端的方向。拉赫玛尼诺夫的协奏曲和奏鸣曲，以其宏大的规模、深沉的俄罗斯忧郁以及对高难度技巧的掌握，成为了二十世纪初钢琴文献中不可磨灭的辉煌遗产。斯克里亚宾则在晚期探索神秘主义，他的奏鸣曲充满了色彩和声（如“神秘和弦”），试图通过钢琴的声音来表达哲学与形而上的主题。 --- 结语 从巴赫对位法的严谨逻辑，到古典主义的平衡典雅；从浪漫主义对个人情感的深度挖掘，到印象主义对声音色彩的捕捉，再到二十世纪对音乐语言的激进重构，键盘音乐的历史是一部不断自我超越的艺术史。本卷所概述的这些作品，构成了西方音乐宝库中与《平均律键盘曲集》并行、互补的另一片璀璨星空。

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对于专业学习键盘乐器的学生来说，这套书的价值简直是无法估量的。它不仅仅是练习手指技巧的教材，更是学习和声学、对位法以及曲式结构的活教材。我看到很多年轻人在学习这本《第二册》时，常常卡在某个技术难点上，但实际上，技术障碍往往是源于对音乐结构理解的不足。当你真正明白了那个赋格主题是如何在不同声部之间传递、转化和构建的，手指的运动就会自然而然地找到最有效率的方式。它强迫你思考，而不是盲目地模仿。这是一种对音乐本体的深入探索，是钢琴学习者迈向真正成熟演奏家的必经之路，它教会你如何与音乐进行深度对话，而不是仅仅在它上面“弹奏”出声音。

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要谈论这本《平均律第二册》，就不能不提它的“全景图”效应。它不仅仅是二十四首独立的作品集，它更像是巴赫为我们绘制的一幅音乐宇宙图谱，囊括了当时键盘音乐的几乎所有可能性。从轻盈的托卡塔式前奏，到复杂如迷宫般的赋格，每一个调性都有其独特的色彩和情感基调。我个人尤其偏爱那些大调的作品，比如D大调（BWV 874）那首前奏的流动感，简直像是阳光下的溪流，充满了生机和不可阻挡的活力。这种音乐的活力，是建立在极度控制之上的，这才是巴赫最令人敬畏的地方。他用最严格的规则，创造出了最自由的境界，这是一种艺术上的“大乘”境界，需要听者也以一种开放而专注的心态去迎接。

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我必须承认，我是在一个非常偶然的契机下开始真正“爱上”这套作品的。起初，我只是觉得它很“古典”，有点枯燥。但后来，我开始对比不同演奏家对同一首赋格的处理方式——比如古尔德的清冷精确，与布伦德尔的沉稳深思，那种差异简直是天壤之别。这让我意识到，虽然音乐的“骨架”是巴赫写死的，但“血肉”却完全取决于演奏者的理解和生命体验。这部《第二册》在情感的表达上，似乎比第一册更加内敛和深沉，特别是那些涉及到小调的篇章，弥漫着一种近乎哲学的忧郁感。它不哭泣，它只是冷静地陈述存在的本质。如果你想找一套能真正沉淀你心性、让你在喧嚣世界中找到内心秩序的作品，那么这套钢琴曲集绝对是首选，它不提供廉价的慰藉，只提供深刻的洞察。

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这套巴赫的《平均律键盘曲集 第二册》，简直是音乐爱好者心中的圣经，每一个音符都像是经过了最精密的数学计算，却又充满了灵魂的共鸣。我第一次完整地、不间断地听完这十二首前奏与赋格时，那种感觉就像是攀登一座宏伟的精神高塔，每一步都充满挑战，但登顶后的视野却是无与伦比的开阔。特别是那些赋格，结构的复杂精妙，简直让人拍案叫绝。你必须放慢速度去聆听，去辨析那错综复杂的声部是如何交织、缠绕、最终汇聚成一个完美整体的。它不像浪漫主义音乐那样直抒胸臆，它更像是一种纯粹的、理性的美学表达，但一旦你进入了巴赫的逻辑世界，那种震撼感是任何其他音乐都难以比拟的。我常常在深夜里，只开一盏小台灯，让钢琴的声音在房间里流淌，仿佛时间本身都慢了下来，只剩下指尖与键盘的对话，以及巴赫那超越时代的智慧光芒。

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对于那些初次接触巴赫键盘作品的朋友来说，这本第二册可能需要更多的耐心去“破译”。它的挑战性比第一册更高，无论是技术层面还是结构层面上，巴赫似乎在这里将他的对位法技巧推向了极致。我记得有一次尝试弹奏C小调的赋格（BWV 873），那个主题的线条感和发展变化，简直是令人头皮发麻。它不是那种听一遍就能哼唱出来的旋律，它需要你带着分析的眼光去聆听每一个进入的声部，去理解那个看似简单的动机是如何被反复变形、拉伸、倒影的。这已经不仅仅是音乐欣赏了，更像是在进行一场智力上的高强度训练。但正是这种严谨性，让它拥有了永恒的生命力。它不像某些时髦的音乐作品，风潮一过便被遗忘，巴赫的逻辑是恒定的，是宇宙秩序的一部分，每一次重听，都能发现新的细节，新的光亮。

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争取寒假前拿下Teil I!

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