具体描述
Until now, Ferneyhough's writings about music have been scattered, published in various languages and difficult, if not impossible, to find. This present collection brings together the majority of the composer's extant writings, many of them appearing in English for the first time, along with some edited transcripts of informal talks, and a number of important interviews. Although the vast majority of the texts deal with Ferneyhough's compositions, others reflect his activities as a highly influential composition teacher, and some touch on his recent work as a poet. Together, the writings provide a fascinating and engaging means of insight into the workings of the mind of a composer whose output could be regarded as one of the most significant of this century.
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这是一本极度个人化的、近乎日记式的创作反思录，尽管其外表包裹着一层尖锐的学术外壳。从其行文的节奏感来看，它更像是作者在深夜中，与自己内心的创作魔鬼进行的长期搏斗的记录。它不像一本教科书，更像是一份“独白”，充满了强烈的、不加修饰的主观判断和近乎自毁倾向的自我审视。我尤其关注其中关于“偶然性与控制”之间微妙平衡的探讨。作者似乎在不断地在完全的随机与绝对的控制之间寻找一个动态的平衡点，每一次尝试都伴随着巨大的风险和潜在的失败。书中有大量篇幅描述了他在特定技法应用过程中的情绪波动和精神状态，这使得原本冰冷的理论分析带上了一丝人性的温度和挣扎感。这种对创作现场的“现场感”捕捉，是本书非常宝贵的一点。它让我意识到，伟大的作品背后，不仅有精妙的逻辑，更有超越逻辑的、近乎形而上的意志力。它不像一个已经完成的论断，更像是一条仍在延伸的、充满未尽之思的轨迹。
评分这本书的阅读体验，就像是潜入深海进行一次长时间的科学考察。光线稀疏，压力巨大，但每一次成功的观察都揭示了前所未见的生物形态。它对节奏的解构部分，彻底颠覆了我对音乐时间性的理解。作者似乎在用音符绘制一张复杂的拓扑图，其中很多“拍子”的概念被拉伸、压缩、折叠，使得我们熟悉的二拍子或三拍子感完全消融。这种处理并非为了制造混乱，而是为了揭示隐藏在传统节拍背后的、更深层的周期性或非周期性规律。阅读这些章节时，我甚至需要放慢呼吸，强迫自己的大脑去适应这种非人类的、高度压缩的信息密度。书中的排版和图示也极具风格，它们本身就是对传统乐谱符号系统的挑战，本身就构成了阅读材料的一部分。总的来说，这本书更像是一座复杂的知识迷宫，它不提供地图，只提供进入的钥匙，而走出迷宫的唯一方式，就是彻底沉浸并适应迷宫本身的规则。
评分这部作品的深邃与复杂性，简直让人在阅读过程中体验到一场智力上的马拉松。它不仅仅是文字的堆砌，更像是一种对既有音乐语言体系的彻底解构与重建。初读时，我感到一种强烈的疏离感，仿佛置身于一个完全陌生的逻辑空间。那些乐谱符号——如果姑且称之为符号的话——像是某种古代的、只有少数精英才能解读的密码系统。作者似乎故意避开了任何传统的美学愉悦，转而追求一种近乎纯粹的、概念性的表达。我花了好几周时间，对照着一些零星的理论注释才勉强跟上其步伐。每一次“理解”的闪现，都伴随着对自身既有认知框架的颠覆。比如，他对时间流逝的处理，不再是线性的推进，而更像是一种多维度的交织，每一个音符的出现都携带着过去与未来的信息残片。这种阅读体验，更像是解开一个巨大的、精密构造的机械装置，每一层齿轮的咬合都精准得令人窒息。我必须承认，这不是一本能让人轻松消遣的书，它要求读者投入极大的专注力和批判性思维，去审视音乐创作的边界究竟在哪里，以及，我们习惯于聆听的那些“和谐”与“旋律”究竟有多么武断和人为。它迫使我重新定义了“可听性”的含义。
评分这是一本令人醍醐灌顶的文本，它成功地将晦涩的作曲技法转化为一种近乎哲学的思辨。与其他探讨现代主义音乐的著作不同，它没有沉溺于简单的技术罗列，而是将技术本身视为一种哲学立场的外化。阅读过程中，我不断被作者那种对“必然性”的追求所震撼。他似乎在探索，在剥离了所有感性偏好之后，音乐结构本身能达到的最纯粹的、不可避免的状态。这种对结构纯度的执着，使得书中的论述充满了严谨的数学美感。其中关于“材料的自治性”的论述尤其引人入胜，它挑战了作曲家作为绝对创世主的传统观念，主张音乐材料（音高、节奏、音色）拥有自身的内在动力和演化轨迹，而作曲家的任务则是引导而非强加。这种谦逊而又极具穿透力的视角，让我对过去依赖直觉进行创作的行为产生了深刻的反思。整本书的论证链条极其紧密，仿佛环环相扣的骨架，任何一个环节的松动都会导致整体逻辑的崩塌。我甚至需要借助一些高等数学的概念辅助理解，这无疑提升了阅读的门槛，但也带来了无与伦比的智识回报。
评分坦白说，这本书的气场强大到令人有些喘不过气。它散发出一种高度自我中心主义的光辉，仿佛作者是宇宙中唯一理解音乐真谛的人。书中的语言风格极其具有侵略性，充满了大量的、自创的或经过高度重塑的概念术语，使得非专业人士几乎寸步难行。我读到一些关于“超时间性结构”的描述时，感觉自己像一个刚刚学会爬行的婴儿，试图理解相对论。这种强烈的排他性，反而形成了一种独特的魅力——它让你觉得，一旦你跨越了那道理解的门槛，你将进入一个精英的、被严格筛选过的知识殿堂。它不是在教你如何写出动听的音乐，而是在教你如何思考音乐本身，如何质疑其存在的根基。我特别欣赏作者在论述中展现出的那种近乎偏执的精确性，他似乎不容忍任何模糊地带，要求对每一个音的发生、每一个结构单元的界定都给出无可辩驳的证明。读完之后，我感觉自己对所有接触过的音乐——无论是巴赫还是流行乐——的评价标准都被重新校准了。
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