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出版者:上海人民出版社

作者:王克芬

出品人:

页数:358

译者:

出版时间:1989

价格:10.70(平装)15.10(精装)

装帧:

isbn号码:9787208004726

丛书系列:中国文化史丛书

图书标签:

• 考研
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• 艺术史
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古韵新风：一部洞悉中华传统服饰演变与美学传承的深度研究 作者： [请在此处自行填写作者姓名] 出版社： [请在此处自行填写出版社名称] 装帧： 精装/平装（请自行选择） 定价： [请在此处填写预估价格] --- 内容简介： 本书并非聚焦于中国舞蹈艺术的历史脉络，而是将目光投向了与文化血脉紧密相连的另一重要载体——中国传统服饰。这是一部详尽梳理、深度剖析自上古至近现代以来，中华大地服饰文化形态、制度变迁、工艺技术及审美哲思的权威性著作。我们试图超越单纯的图录展示，深入探究服饰在不同历史阶段所承载的社会功能、政治寓意、哲学观念以及民间生活气息。 全书分为六大部分，共计三十余万字，辅以数百幅高清文物图片与复原图示，力求构建起一个立体、多维度的中国服饰文化图景。 --- 第一部：绪论与服饰的原初形态（远古至夏商周） 本部分首先界定了“服饰”的文化学范畴，探讨了服装作为人类第二皮肤的社会学意义，并追溯了中国服饰的“万物有灵”时代起源。 重点考察了新石器时代（如仰韶、河姆渡文化）出土的纺织品遗存，推测了早期“上衣下裳”基本形制的萌芽。夏商周三代是礼制建立的基石时期，本章详尽阐述了“垂衣裳而天下治”的政治哲学如何固化在冕服、朝服等等级制度服饰中。我们详细比对了《周礼》中关于不同品级官员的色彩、纹饰、佩饰的严格规定，分析了“玄衣纁裳”等核心符号的象征意义。 核心关注点： 礼制对服饰形制的早期确立、祖先崇拜与服饰色彩的关联。 --- 第二部：大一统格局下的多元融合与汉唐气象（秦汉至唐宋） 秦汉帝国建立了中央集权，服饰制度也随之统一和规范化。本部分细致描摹了汉代深衣的形制演变及其在儒家礼教中的地位，解析了曲裾、直裾的地域差异与功能区分。同时，对汉代丝织业的空前繁荣，尤其是绞缬、蜡染技术的成熟进行了技术史的考察。 唐代，作为中国服饰艺术的巅峰，本书给予了浓墨重彩的描绘。我们不再停留于“胡服骑射”的表层现象，而是深入分析了开放的文化政策如何影响了服饰的审美趣味。唐代女装的坦领、窄袖、高腰襦裙，体现了盛世的自信与对人体曲线的赞美。本章特别设置专题，探讨了中原服饰与西域、吐蕃服饰在妆容、头饰上的深度交流与融合，并追溯了“帔帛”这种装饰性极强的配件在唐代流行的社会心理基础。 核心关注点： 汉代儒家礼制对服饰的约束力；唐代多元文化对服饰造型的解放与创新。 --- 第三部：士人精神与等级的精微化（宋元时期） 宋代是内敛、理学兴盛的时代，服饰审美也趋向“清雅素淡”，与唐代的华丽形成鲜明对比。本书详细考察了宋代士大夫阶层对服饰“自然”、“天成”的追求，从宋徽宗时期的瘦金体风格对服饰图案设计的影响入手，分析了褙子、直裰等服饰在文人士大夫日常着装中的普及。 元代作为游牧民族的统治，服饰制度呈现出“满汉并用”的复杂局面。本部分专题研究了元代官服制度对明代服饰的结构性影响，以及蒙古袍服的实用性特征如何融入中原服饰体系。 核心关注点： 理学对服饰色彩与款式的“去繁就简”；元代服饰的征服性与融合性。 --- 第四部：明清服饰的集大成与制度的固化（明清） 明代服饰被视为中国传统服饰的最后一次辉煌定型。本书详尽梳理了明代官服的“补子”制度，通过对文官禽鸟、武官走兽的图案进行语义学解析，揭示了明代对“礼治”的极致追求。同时，对民间的比甲、袄裙等实用性服饰进行了细致的记录。 清代服饰则标志着服饰制度的最终转型。重点分析了满族服饰的“马蹄袖”、“立领”等结构特点如何逐步取代汉族传统形制，以及长袍、马褂在不同社会阶层中的普及。本章深入探讨了清代服饰在图案纹样上对“五福”、“八宝”等吉祥符号的滥用与发展，以及在晚清时期，西方服饰文化对传统衣冠造成的冲击与内在张力。 核心关注点： 明代文官制度与补子图案的符号学；清代旗装形制对传统汉服的结构性替代。 --- 第五部：技术、工艺与纺织品艺术 服饰的生命力在于其物质基础。本部分脱离形制讨论，专注于“衣料之美”。详细介绍了中国传统纺织技术，包括： 1. 丝绸工艺： 缂丝（“织中之圣”）、宋锦、云锦的制作流程与艺术价值。 2. 印染技术： 蜡缬（蜡染）、绞缬（扎染）在不同朝代的技术精细度变化。 3. 刺绣的地域流派： 苏绣的精细、湘绣的浓烈、蜀绣的雅致，并分析了这些地方特色如何在宫廷服饰中得到融合。 此外，本章还探讨了玉佩、料珠、缂金线等装饰性辅料在服饰审美中的地位提升，以及这些工艺如何成为衡量服饰价值的硬性标准。 核心关注点： 纺织技术史与服饰美学的共生关系；刺绣流派的地域文化指征。 --- 第六部：服饰的仪式、民俗与审美变迁 最后一部分将视角转向服饰在社会生活中的实际应用。探讨了婚嫁服饰（如凤冠霞帔、状元服）的程式化过程，以及丧葬服饰（如麻衣素缟）所体现的伦理观。 专题分析了戏曲服饰的“程式化”与“写意化”，探讨了它们如何在舞台上对历史服饰进行夸张和提炼。结尾部分，本书总结了中国服饰美学中“含蓄内敛”与“装饰繁复”的两大核心美学倾向，并简要论述了传统服饰在现代设计语境中的传承与挑战。 核心关注点： 礼仪场合对服饰形制的“强制性”要求；传统审美哲学在服饰中的具体体现。 --- 本书特色： 制度为纲，技术为辅： 结构清晰，不仅描述“穿什么”，更阐释“为什么这么穿”以及“如何制作”。 跨学科视野： 结合了社会学、人类学、材料科学和艺术史的观点，提供多维解读。 严谨的图像学考据： 所有复原图和引用的文物照片均经过严格的历史文献比对，避免了流行的误读与想象。 本书是历史学者、服装设计师、博物馆研究人员、以及所有对中华文化有着深厚兴趣的读者案头不可或缺的工具书和研究指南。它将带领读者穿越千年时光，亲手触摸那些衣袂飘飘的时代脉搏。

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这本书的装帧设计得相当典雅，米黄色的封面对比深红色的书名，一下子就抓住了我的眼球。拿到手上，感觉沉甸甸的，内页纸张的质感也非常好，印刷清晰，装订得也很结实，看得出出版方在细节上的用心。我尤其欣赏它在章节排布上的逻辑性，从一个宏观的脉络入手，逐步深入到具体的流派和技巧，就像一位经验丰富的老师，循循善诱地引导着初学者。我本身对艺术史领域抱有浓厚的兴趣，但对于舞蹈这一门类总觉得有些陌生和高深莫测，这本书的文字风格却非常亲切，大量的插图和图注，让那些抽象的动作和概念变得具体可感。比如，它对某一特定历史时期舞蹈服饰演变的研究，仅仅通过几张对比图和简短的文字说明，就让我对当时的社会风貌和审美取向有了更深一层的理解。这种将艺术与社会文化紧密结合的叙事方式，极大地提升了阅读的趣味性和知识的深度。我期待着能跟随作者的脚步，一步步揭开这门古老而又充满活力的艺术背后的故事。

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坦白讲，我一开始翻阅这本书时，内心是抱着一丝怀疑的，毕竟“发展史”这个主题往往容易写得枯燥乏味，变成一堆年代和人名的堆砌。然而，这本书很快就颠覆了我的固有印象。它的叙事节奏把握得恰到好处，没有一味地沉溺于繁复的史料考证，而是巧妙地穿插了许多鲜活的案例和人物小传。作者的笔触非常细腻，尤其是在描述那些已经消逝的舞蹈形态时，那种仿佛能透过文字看到舞者身影的画面感，简直令人惊叹。我特别喜欢其中探讨“地域性差异”的章节，它没有采用简单地罗列不同地区舞蹈特点的做法，而是深入挖掘了地理环境、宗教信仰乃至当地的经济结构是如何形塑出独一无二的肢体语言的。这种人类学视角的引入，使得这本书的内涵远超出了纯粹的艺术评论范畴，上升到了文化人类学的深度探讨，让我对舞蹈的理解从“看热闹”提升到了“理解文化基因”的层面，非常值得那些希望深入研究文化现象的读者细细品味。

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作为一名舞蹈专业的学生，我们平时接触的教材大多侧重于技术规范和技巧解析，对于历史的宏观梳理往往只是蜻蜓点水。这本书的出现，恰好填补了我在理论视野上的空白。它对于不同历史阶段舞蹈理论思潮的演变梳理得极为清晰，比如对早期古典主义美学如何影响了某一特定舞蹈流派的建立，作者运用了大量的文献引用和对比分析，逻辑链条完整且无可指摘。更重要的是，书中并非一味地推崇“权威”，而是敢于对一些既定的历史观点提出建设性的质疑，这种批判性思维的引入，对于培养我们独立思考的能力至关重要。我发现，读完某些章节后，再去排练室里练习那些技巧时，身体仿佛被赋予了新的“意义”，不再仅仅是机械的重复，而是带着对历史沉淀的理解去完成每一个动作，这无疑是对我日常训练的巨大启发。

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我向来不太喜欢那种辞藻华丽却内容空洞的书籍，但这本书的文字风格却达到了艺术与学术的完美平衡。作者的语言精准、克制，没有过多的渲染，但每一个用词都像是经过千锤百炼的。它在介绍不同时期舞蹈家及其作品时，采取了一种近乎“档案整理”的严谨态度，使得信息密度极高，但阅读体验却丝毫不受影响，反而让人有一种不断“发现宝藏”的惊喜感。特别是书中附带的那些关于舞蹈文献的考据和辨析部分，虽然可能不是每一位普通读者都感兴趣的深层内容，但对于真正想扎实了解这一领域的人来说，这些地方的价值是无可估量的。它不仅仅是一本“知识的普及读物”，更像是一套细致入微的“研究工具书”，让人感受到作者在学术严谨性上的极致追求，这份匠人精神，在今天的出版物中实属难得。

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这本书给我的整体感受是厚重却不失灵动，它成功地将宏大的历史叙事与微观的艺术实践熔于一炉。我最欣赏的是作者在处理那些争议性历史事件时的平衡感。舞蹈历史中难免充斥着权力更迭、风格冲突乃至文化挪用的复杂议题，这本书并没有回避这些敏感点，而是用一种近乎冷静的学者姿态去剖析背后的驱动力。比如，在谈及某项传统舞蹈在近现代的“复兴”过程中所进行的“现代化”改编时，作者并未简单地贴上“纯粹”或“变质”的标签，而是细致地分析了这种改编在特定历史时期对传承和传播所起到的积极作用与潜在的文化损耗，这种多维度的审视，极大地拓宽了我对“传承”二字的理解边界。它教会我用一种更具同理心和历史纵深感的角度去看待艺术的每一次呼吸与蜕变。

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