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出版者:河海大学出版社

作者:[美]理查德·沃尔特

出品人:

页数:219页

译者:汤恒

出版时间:1991年4月

价格:3.30元

装帧:平装本

isbn号码:9787563003648

丛书系列:

图书标签:

• 电影
• 编剧
• 杂学
• 文学理论
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• 创作
• 影视
• 叙事
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• 编剧
• 故事

深入理解叙事结构与人物塑造：影视创作的基石 本书旨在为影视行业的新晋创作者提供一套系统、实用的剧本创作理论与实践指南。它不局限于特定流派或风格的模仿，而是着眼于一切优秀故事背上共有的核心要素：强大的叙事骨架、立体丰满的人物群像以及能够有效引导观众情绪的节奏掌控力。 第一部分：故事的源头与内核——概念的提炼与世界观的构建 成功的影视作品往往始于一个清晰、引人入胜的核心概念。本章将剖析如何从日常生活中捕捉灵感，并将其转化为具有市场潜力和艺术深度的故事蓝图。我们将探讨“高概念”（High Concept）的构成要素——即如何用一句话概括作品的独特卖点，同时确保其具备长篇叙事的可延展性。 随后，我们将进入“世界观构建”的精细打磨阶段。无论故事发生在科幻的未来都市，还是偏远的乡村小镇，世界观的内部逻辑必须自洽且一致。我们详细讲解了环境对人物行为的潜在影响，以及如何通过场景设计、环境细节而非冗长的背景板解释来自然地向观众传递信息。这包括对“硬设定”与“软设定”的区分，以及如何在不牺牲娱乐性的前提下，植入深刻的主题探讨。本部分强调，一个设计精巧的世界观，本身就是一种强大的叙事工具。 第二部分：叙事框架的搭建——结构的力量与节奏的艺术 本章是本书的核心技术部分，重点关注经典叙事结构在现代影视作品中的演变与应用。我们将深入解析三幕剧结构、英雄之旅（The Hero's Journey）以及更灵活的单元剧结构。然而，我们的目标不是机械地套用模板，而是理解这些结构背后的心理学基础——即观众期待被引导、被挑战、最终获得满足感的过程。 幕间过渡与转折点（Plot Points）： 详细分析了第一幕结束、第二幕中点和第三幕前夕的几个关键转折点，它们如何迫使主角做出不可逆的决策，并推动剧情进入下一阶段的强度。 次要情节线（Subplots）的整合： 探讨如何编织多条平行的故事线，使它们不仅能丰富主题深度，还能在主线叙事紧张时提供喘息或对比，最终在高潮部分汇集，实现情感的叠加效应。 节奏的控制： 节奏不仅是场景切换的速度，更是信息释放的密度。我们区分了“信息节奏”与“动作节奏”，并提供了工具来评估剧本中紧张感和松弛感的分布比例，确保观众在适当的时间点获得情绪释放或新的悬念。 第三部分：鲜活的个体——深度人物塑造的层次解构 一个引人入胜的故事，最终依靠的是观众对角色的共情。本章摒弃了扁平化的人物设定，专注于构建具有内在冲突和成长弧光（Arc）的立体角色。 需求、动机与障碍： 详细界定了角色的“外在目标”（What they want）与“内在需求”（What they need）之间的张力。一个好的角色，往往是被其未被满足的内在需求所驱动的。我们将探讨“缺陷”（Flaw）如何成为角色成长的催化剂。 人物小传的构建（Character Bible）： 提供了一套超越背景故事的深度访谈工具，帮助作者挖掘角色的行为模式、潜意识偏见以及在压力下的真实反应。 对话的雕琢： 对话不仅仅是信息的传递，更是角色个性的外显。本章区分了“功能性对话”、“揭示性对话”和“潜台词”，并强调了在不同情境下，角色“说什么”与“如何说”之间的微妙差异。潜台词的艺术被单独进行探讨，即角色意图与其说出口的话语之间的鸿沟，如何营造戏剧张力。 第四部分：视听语言的转化——从文字到影像的桥梁 影视写作的特殊性在于其最终媒介是视觉和听觉。本部分聚焦于如何写出“可被观看”的剧本。 场景描述的精确性与效率： 强调描述语应该服务于导演和演员的想象，避免过度主观的内心描绘，转而聚焦于可被捕捉的动作、表情和环境氛围。我们将介绍如何使用强烈的动词和精确的形容词，以最少的文字勾勒出最丰富的画面感。 镜头的暗示： 尽管剧本不是分镜头脚本，但优秀的剧本应能自然地引导镜头语言。我们将探讨如何通过对动作和空间布局的描述，暗示出特定的景别、角度或运动，从而提升画面的叙事力量。 声音设计与音乐的融入： 声音在现代影视中占据了半壁江山。本章指导作者如何在剧本中有效地标注重要的音效（Sound Effects）和音乐线索，利用声音来烘托情绪、制造悬念或揭示未被言明的真相。 结语：修改与迭代——作品诞生的必经之路 本书最后强调，剧本创作是一个不断试错和重塑的过程。我们提供了一系列自我审视的清单，帮助作者在初稿完成后，系统性地从结构、人物动机和视听效果等多个维度对作品进行残酷但必要的审视和修改，最终打磨出一部既符合商业考量又具备艺术深度的影视作品。本书致力于培养创作者的独立判断力，而非提供一蹴而就的捷径。

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这本书带给我的最大震撼，在于它对于“声音”的强调。作者认为，每个编剧都应该拥有自己独特的声音，这才是区分平庸和杰出的关键。书中花费了大量的篇幅来引导读者探索和提炼自己的写作风格，如何将自己的生活体验和哲学思考融入到作品中，形成不可复制的个人印记。它不只是教技术，更是在培养作家的“人格”。我特别喜欢其中关于“节奏感”的描述，作者把剧本节奏比喻成音乐的旋律，强调了对话、场景转换和信息释放的时机控制对于营造情感张力的重要性。读到这里，我常常会情不自禁地在脑海中排演那些场景，感受那种强烈的代入感。这本书的语言充满了热情和感染力，读起来酣畅淋漓，让人迫不及待地想要拿起笔开始创作。它让我对“为影视写作”这件事充满了敬畏与热爱。

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这本关于电影和电视写作的书，真是一本让人大开眼界的宝典。我一直对幕后工作充满好奇，尤其是那些引人入胜的剧本是如何被构建出来的。这本书并没有过多地纠缠于那些枯燥的理论，而是非常注重实战技巧的传授。它像一位经验丰富的老编剧，手把手地教你如何捕捉灵感，如何将一个模糊的想法塑造成一个有血有肉的故事。书中对于人物塑造的分析尤其深刻，它不仅仅告诉你“要塑造立体的人物”，而是深入剖析了人物动机、背景故事如何影响角色的行为，以及如何在对话中自然地流露出人物的性格。我特别喜欢其中关于“冲突构建”的章节，作者用大量的案例说明了，好的冲突不仅仅是正邪对立，更是人物内心深处的挣扎和外部环境的压力交织在一起的结果。读完之后，我感觉自己看待任何影视作品的角度都变得不一样了，不再只是一个单纯的观众，而是开始分析剧本的结构和节奏。这本书对于初学者来说非常友好，但即便是有些经验的人，也能从中找到新的启发。它提供的不仅仅是技巧，更是一种创作的思维方式，让我对影视叙事有了更深层次的理解。

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说实话，一开始我对这本书的期望并不高，觉得无非又是那些老生常谈的“三幕剧结构”和“英雄之旅”的翻版。然而，这本书的视角非常独特和前卫。它非常敏锐地捕捉到了当代影视叙事中正在发生的变化，比如短剧集和流媒体平台的兴起对传统剧本格式带来的冲击。作者在书中探讨了如何在碎片化的信息时代保持观众的注意力，以及如何设计更符合现代人观影习惯的叙事节奏。最让我印象深刻的是关于“视觉化叙事”的讨论，它强调了剧本不仅仅是文字，更是蓝图，必须时刻想着“镜头语言”。书里有很多关于如何用动作和场景来代替冗长对白的实例，这对于我这种习惯性“写得多说得少”的作者来说，简直是醍醐灌顶。它教会了我如何用最经济的笔墨，描绘出最丰富的画面感。这本书的行文风格轻松活泼，不像教科书那样严肃刻板，反而像是在和一个老朋友探讨创作的乐趣与挑战。

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这本书的结构安排非常巧妙，它不像按部就班的教程，而是更像是一本“创作工具箱”。打开任意一章，你都能找到针对特定难题的解决方案。我最欣赏的一点是，它没有提供放之四海而皆准的“万能公式”，而是提供了多种工具和思考框架，鼓励读者根据自己的项目特点去灵活运用。比如，在谈到如何处理非线性叙事时，作者列举了多种手法，并分析了它们各自的优缺点，而不是简单地推荐某一种。这种开放性的指导，极大地激发了我的创造力。此外，书中对不同题材的剧本分析也极为细致，无论是科幻、悬疑还是家庭伦理剧，都有独到的见解。读完这本书，我感觉自己不再是那个对着空白屏幕发愁的菜鸟，而是有了一套可靠的方法论去应对各种创作挑战。它更像是一本可以随时翻阅的“应急手册”。

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我花了很长时间才看完这本书，因为它需要慢慢消化。这本书的深度远超我的预期，它不仅仅是教你如何写一个“好故事”，更重要的是探讨了“为什么我们要讲这个故事”。书中对“主题与意图”的剖析极其精妙，它引导读者去思考，每一个情节的设置、每一个角色的选择，最终都要服务于你想要传达的核心思想。我过去常常为了追求情节的曲折而忽略了故事的灵魂，这本书让我停下来，重新审视自己的创作目的。书中还穿插了许多行业内幕和实际操作的建议，比如如何处理与导演、制片人的沟通，以及在剧本修改过程中如何保持创作的初衷。这些“软技能”的指导对于一个想要进入行业的写作者来说，价值千金。它让我明白，好的编剧不仅要有文学功底，更要有强大的沟通和协作能力。这本书无疑为我未来的职业规划指明了更清晰的方向。

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