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出版者:人民美术出版社

作者:《中国画》编委会 编

出品人:

页数:128

译者:

出版时间:2008-9

价格:50

装帧:平装

isbn号码:9787102044378

丛书系列:

图书标签:

• 美术类
• 国粹
• 中国画
• 绘画
• 艺术
• 书法
• 水墨
• 写意
• 工笔
• 传统文化
• 国画
• 技法

《中国画：静观与生长的千年之约》 在中国悠长的文明长河中，绘画一直扮演着不可或缺的角色。它不仅仅是图像的堆砌，更是情感的寄托、哲思的载体，以及时代变迁的无声见证。本书《中国画：静观与生长的千年之约》旨在深入探索中国画这一独特艺术形式的精髓，从其源远流长的历史脉络，到挥洒笔墨间蕴含的东方美学，再到不同时代画家们各自的艺术追求与时代印记，勾勒出一幅幅生动而深刻的图景。我们并非要呈现一部详尽的中国画史料汇编，而是希望通过精选的视角和细腻的解读，带领读者走进一个充满意境与生命力的艺术世界，体会中国画“静观”的内省力量与“生长”的蓬勃生命力。 第一章：笔墨的初啼——中国画的滥觞与早期发展 一切艺术的起源，往往与人类最初的生存需求和精神寄托息息相关。中国画的萌芽，可以追溯到新石器时代的彩陶纹饰，那些抽象而富有生命力的图案，已经展现出对自然形态的初步观察和提炼。到了商周时期，青铜器上的纹饰，无论是饕餮纹的狞厉之美，还是龙凤纹的神秘象征，都显示出早期艺术对神话传说和宗教信仰的反映。而真正意义上的绘画，则在战国时期的帛画中初露锋芒。《人物御龙图》、《人物龙凤图》等作品，尽管画面尺幅不大，却已能描绘出丰富的人物形象和细腻的场景，展现了中国画对线条的敏感以及初步的叙事能力。 秦汉时期，随着帝国统一和文化交流的扩展，绘画开始走向成熟。墓室壁画，如汉代的马王堆汉墓帛画和敦煌汉代墓室壁画，为我们展现了当时社会生活的方方面面——从神仙世界到人间烟火，从出行仪仗到宴饮享乐。这些壁画的风格粗犷而生动，线条遒劲有力，色彩鲜明大胆，透露出一种质朴而强大的生命张力。同时，绘画也开始受到士大夫阶层的重视，如曹不兴、卫夫人等早期画家，他们的作品虽然大多已遗失，但通过文献记载，我们可以窥见当时绘画在技法和题材上的进一步拓展，对笔墨的运用也开始有了更自觉的探索。这一时期，中国画已经开始孕育出其独特的精神内核，即对现实生活的观察与对精神世界的想象的融合。 第二章：山水寄情——中国画的独立与成熟 魏晋南北朝时期，中国画迎来了一个重要的转折点——山水画的独立。玄学思想的兴起，文人阶层对自然的亲近与崇拜，使得描绘自然山水成为一种重要的艺术表达方式。顾恺之的《洛神赋图》虽然以人物为主，但其描绘的场景已经初具山水画的雏形，对环境的渲染和空间的营造显示出高超的技巧。而宗炳“山水以形质为眼，无眼则不能辨也”的理论，以及王微“山水之象，往往与情相应”的创作理念，标志着山水画从单纯的背景衬托，上升为独立的艺术门类。这一时期，山水画开始注重写实与写意的结合，画家们不再满足于对自然景物的简单描摹，而是试图通过笔墨来传达对自然的感受和对宇宙人生的思考。 唐代是中国画的黄金时代，山水画、人物画、花鸟画都达到了前所未有的高度。吴道子的“吴带当风”，张萱、周昉的人物画，以及阎立本的《步辇图》等，展现了唐代绘画的雄浑气象和丰富多彩。山水画方面，李思训的金碧山水，王维的“水墨画”开山之作，都为后世山水画的发展奠定了基础。尤其是王维，他将诗、书、画融为一体，提出了“诗中有画，画中有诗”的艺术理念，对中国画的意境美产生了深远影响。同时，唐代绘画的地域特色也逐渐显现，如北方画派的雄浑壮阔，南方画派的秀丽婉约。这一时期，中国画在技法上更加精进，在题材上更加广泛，在精神上更加深邃，逐渐形成了其独特的东方美学体系。 第三章：意境悠远——文人画的兴起与发展 宋代是中国画的又一个高峰。帝王对艺术的推崇，使得宫廷画院成为重要的艺术创作中心。宋代山水画以其精谨的笔法、严谨的构图和深邃的意境而著称，范宽的《溪山行旅图》、郭熙的《早春图》、李唐的《万壑松风图》等，都成为中国山水画的经典之作。他们注重写实，但更注重通过笔墨来表达对自然造化的高度敬畏和深刻理解。同时，文人画在宋代也开始崛起，苏轼、文同、米芾等文人画家，他们将个人的情怀、学识和审美趣味融入绘画创作，强调“逸笔草草”、“神似而非形似”，追求笔墨的自由挥洒和意趣的淋漓尽致。米芾父子的“米点山水”更是以其独特的晕染技法，表现出江南烟雨朦胧的迷人景色。 元代，蒙古族统治下，文人画的发展进入了一个新的阶段。赵孟頫等画家，以复古的姿态，重新强调笔墨情趣和个人风格，对后世绘画产生了重要影响。他们的作品，虽然带有对宋代传统的继承，但更强调笔墨的“写意”精神，将个人的修养和品格注入笔端，使得绘画更具抒情性和个性化。此时，文人画已经成为中国画坛的主流，它不仅仅是一种艺术形式，更是一种生活态度和精神追求。 第四章：写意新生——明清绘画的多元探索 明代，中国画在继承前代的基础上，呈现出更加多元化的发展趋势。沈周、文徵明、唐寅、仇英“明四家”以其各具特色的风格，丰富了山水、人物、花鸟画的表现手法。沈周的“粗笔水墨”，文徵明的“细笔勾勒”，唐寅的“兼工带写”，仇英的“工笔重彩”，都展现了不同的艺术个性。同时，明代也出现了许多注重写实和生活气息的作品，如“吴门画派”的作品，以及民间版画的兴盛，都体现了绘画在不同阶层和不同领域的发展。 清代，中国画的风格更加多样化。花鸟画方面，八大山人、石涛以其“奇”和“怪”的风格，打破传统，开创了新的局面。他们的作品，虽然笔墨不多，但意境深远，充满哲学思考。扬州画派的“扬州八怪”，如郑燮、金农等，以其奔放的笔墨、奇特的构图和强烈的个性，挑战了传统文人画的清雅格调，展现出一种更加自由、野逸的艺术精神。同时，宫廷画院依然存在，但其影响力逐渐衰退，而民间艺术和地方画派则逐渐兴起，形成了百花齐放的局面。清代绘画，在继承传统的同时，也表现出对现实生活更强的关注和对个性解放的追求，为中国画的现代转型埋下了伏笔。 第五章：静观与生长——中国画的艺术哲学 贯穿中国画发展的始终，是其独特的艺术哲学。中国画强调“天人合一”，将人视为自然的一部分，山水就是画家自身情感和精神的投射。这种“静观”的态度，体现在画家对自然景物的细致观察，对生命万物的深刻体悟，以及对内心世界的 introspective exploration。画家们并非简单地模仿自然，而是通过笔墨的提炼和概括，捕捉自然的“神韵”和“气韵”。 “气韵生动”是中国画的最高境界，它强调画面的生命力，以及笔墨所传达的精神气质。笔墨在中国画中，不仅仅是表现的工具，更是承载情感和思想的媒介。线条的刚柔、墨色的浓淡、笔法的疾徐，都蕴含着丰富的表现力。书法与绘画的密切结合，使得中国画的笔墨更加丰富和富有表现力。 “写意”是中国画的核心精神之一，它强调“似与不似之间”，追求“形神兼备”。画家并非追求照片般的逼真，而是通过简练的笔墨，传达出对象的本质特征和内在生命力。这种“写意”的精神，也体现在中国画对空间的运用上，留白的处理，虚实的变化，都为观者留下了广阔的想象空间。 “生长”是中国画的另一重要特质。它体现在对自然生命力的赞美，对万物生生不息的哲学思考，以及对艺术创作自身不断发展的追求。从早期的图案化，到山水画的成熟，再到写意画的兴盛，中国画始终在不断地探索和创新，如同生命一样，在历史的长河中不断生长。 结语： 《中国画：静观与生长的千年之约》试图呈现的，是中国画那穿越时空的魅力，那种既内敛又奔放，既朴拙又深邃的艺术精神。它不是冰冷的史料陈述，而是对一种生活方式、一种思维模式、一种审美情趣的追溯与解读。通过对中国画的“静观”与“生长”的探讨，我们希望能够引发读者对艺术、对自然、对生命的更深层思考。这趟旅程，是一场与古老智慧的对话，是一次与东方美学的亲密接触，更是一份对永恒生命力的深情呼唤。愿本书能成为您理解和欣赏中国画的一扇窗，带您走进那个充满诗意与哲思的艺术世界，感受笔墨间跳动的生命脉搏。

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我购买《中國畫》这本书的初衷，其实是想找一本可以作为案头参考的工具书，期待能从中找到一些关于“材料学”和“技法细节”的实用信息。这本书在这方面，无疑是超出了我的预期的。它没有止步于宏大的历史叙事，而是深入到了极其微观的层面。比如，书中对不同时期使用的“墨锭”的产地差异及其对画面“光泽感”的影响进行了科学性的探讨，这对于我们现在学习传统绘画的人来说，是非常宝贵的经验之谈。此外，关于“装裱”的论述，也占据了相当的篇幅。作者详细解释了“绫绢”与“皮纸”在不同画种中的适配性，以及装裱过程中“砑光”工艺对作品保存和观感的重要性。这种对“工艺链条”的完整梳理，使得我们能跳出“创作本身”的孤立视角，看到一幅画从诞生到被珍藏的完整生命周期。阅读这些内容时，我仿佛得到了一位资深画师的私房指导，那些关于如何控制笔锋的“侧锋”、“中锋”的微妙区别，以及如何用“飞白”来暗示风力，都被阐述得清晰有力，充满了实践指导的价值。这本书不仅是艺术史的普及读物，更是一部可以反复翻阅的“手艺人宝典”。

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这本名为《中國畫》的书，我是在一个古旧书店的角落里偶然发现的，它的装帧古朴，散发着一种沉静的墨香，初翻时便被那种扑面而来的历史厚重感所吸引。我本来只是对中国传统艺术抱有一种泛泛的好奇，但这本书的内容，却像一位温和而博学的引路人，将我带入了一个我从未真正领略过的世界。它没有陷入那种晦涩难懂的理论说教，而是用一种近乎散文诗的笔调，娓娓道来历代画家的心境与技法。尤其让我震撼的是关于“气韵生动”的阐述，作者并非简单地定义这个概念，而是结合了魏晋风度、宋代理学，乃至道家思想，去解析这种超越形似的精神内核。书中收录的宋元时期的摹本图片，虽然印刷的清晰度无法与现代高清复制品相比，但那种纸张的纹理和墨色的层次感，反而更贴近古人观画的体验。我花了一个下午，仅仅沉浸在对几幅山水画局部细节的揣摩中，体会那种“计白当黑”的留白哲学，明白了留白并非是空白，而是无限可能的空间，是观者心境的投射。这本书的价值，不在于教你如何握笔，而在于教你如何“看”，如何将自己的性情融入到对自然的体悟之中，这远比单纯的技术指导来得深刻和持久。它让我意识到，真正的国画，是哲学思考的外化，是文人精神的载体，而非仅仅是视觉的装饰品。

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我购入这本《中國畫》纯粹是出于对“雅集”文化的好奇，想看看古代文人墨客是如何在诗词书画中构建他们的精神共同体的。这本书的叙事结构非常巧妙，它不是按时间线索平铺直叙，而是围绕着几个核心主题展开，比如“文人画的自觉”、“院体画的规范与创新”，以及“地域风格的形成”。我特别欣赏作者对明清时期吴门画派与四王画派的对比分析。在描述文征明的淡雅内敛时，那种笔墨的克制与情怀的深沉，几乎能让你感受到他案头那方端砚的冰凉；而转向董其昌时，书中则着重探讨了他对“南北宗”理论的构建，以及这种理论如何深刻地影响了后世对“正统”的认知。更令人耳目一新的是，它没有回避画派之间的竞争与隔阂，而是将其视为一种艺术生命力的体现。书中插入的几篇对画论的考据性笔记，虽然篇幅不长，但信息密度极高，比如对黄公望《富春山居图》中几种皴法的考证，让我对那几笔看似随意的线条背后蕴含的复杂心力有了更深的敬畏。阅读过程中，我仿佛置身于那个时代文人的书房，听着竹枝被折断的声音，感受着空气中弥漫的松烟味。这本书为我打开了一扇窗，让我理解到，中国画的魅力，很大程度上在于其“圈子文化”与“学统传承”的复杂纠葛。

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坦白说，我之前对传统绘画的印象还停留在教科书上那些被过度简化、色彩艳丽的“示范作品”，总觉得它们与现代审美有些脱节，显得老气横秋。然而，这本《中國畫》彻底颠覆了我的这种偏见。它最大的贡献在于，将“花鸟画”这一题材提升到了与山水画同等的哲学高度来讨论。书中对宋代院体花鸟画中“写生”与“写意”的辩证关系进行了深入的剖析，特别是对黄荃一派的工笔细腻与徐熙野逸的奔放，做了细致的笔触对比。我至今难忘书中对“折枝花卉”意涵的解读，那不仅仅是对自然物象的复制，更是画家对生命瞬间的把握和对季节流转的感慨。作者引用了大量与花鸟画相关的诗句，使得图像与文字在阅读体验中达到了完美的交融。有一章节专门论述了明代陈淳如何将文人画的笔墨技法引入花鸟，使得原本偏向工匠技艺的领域，充满了士人的洒脱与超然。这种视角上的转换，让我开始重新审视那些看似简单的花、鸟、虫、鱼，它们不再是简单的装饰元素，而是承载着深厚文化密码的符号。这本书让我明白了，即便是最细微的笔墨，也能折射出宇宙洪荒的哲思。

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这本书的印刷质量和装帧设计，简直是为深度阅读者量身定做的体验。我拿到手后，立刻注意到它在装帧上采用了仿线装的工艺，虽然是现代技术，但内页的纸张选择非常考究，那种略带米黄色的、有韧性的纸张，使得墨迹的晕染效果得到了很好的保留，没有现代铜版纸那种廉价的反光感。对于一本谈论“笔墨语言”的书籍来说，纸张的选择至关重要，这本书在这方面做得非常到位。再谈谈它的文字组织，作者的行文逻辑极其严谨，大量的术语和典故的引用，都被巧妙地融入到流畅的叙述中，使得即便是初学者，也不会感到过于艰涩。例如，书中解释“没骨画法”时，不是生硬地给出定义，而是通过描述一张画的创作过程——从水墨的湿润度到颜料的渗化效果——来让读者“体验”这个技法，这种沉浸式的讲解方式，远胜于枯燥的理论灌输。我尤其喜欢其中关于“画中有诗，诗中有画”的章节，作者通过对几幅特定画作的“声光电”式的解构，展示了中国画如何做到多感官的艺术融合。阅读这本书，就像是在一个精心维护的园林中漫步，每一步都有值得驻足细赏的景致，每一步都充满了对细节的尊重与敬意。

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