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出版者:W. W. Norton & Company

作者:Forney, Kristine (EDT)/ Hickman, Roger (CON)

出品人:

页数:1002

译者:

出版时间:2007-04-04

价格:494.00 元

装帧:Paperback

isbn号码:9780393928907

丛书系列:

图书标签:

• 音乐史
• 音乐理论
• 乐谱
• 古典音乐
• 巴洛克音乐
• 古典主义音乐
• 浪漫主义音乐
• 20世纪音乐
• 音乐分析
• 西方音乐

《北斗乐谱》：一部珍贵的音乐资料集 《北斗乐谱》并非一本传统的书籍，而是一套精选的、极具价值的音乐乐谱合集。它以其严谨的编纂、广泛的选材以及对音乐细节的精细呈现，成为音乐学者、演奏家、作曲家以及所有热爱音乐的人士不可或缺的参考工具。 精挑细选的曲目库： 《北斗乐谱》的编纂者以卓越的音乐品味和深厚的学术造诣，从浩瀚的音乐宝库中精心遴选出那些具有里程碑意义、代表性强且经过时间检验的杰作。这些作品涵盖了从中世纪的早期复调音乐，到巴洛克时期的宏伟赋格，再到古典主义时期清晰的旋律线条，以及浪漫主义时期澎湃的情感表达，直至20世纪及以后的现代音乐探索。其选曲范围之广，足以勾勒出西方音乐史的脉络，让读者得以一窥不同时期、不同风格音乐的精华。 严谨细致的乐谱呈现： 《北斗乐谱》在乐谱的排版和注释方面力求完美。每一份乐谱都经过了仔细的校勘，确保音符、节奏、力度标记、表情记号等细节的准确无误。编纂者深知，哪怕是最微小的误差，也可能对音乐的诠释产生显著影响。因此，他们投入了巨大的精力，确保所呈现的乐谱是演奏者和研究者可以信赖的“权威版本”。 此外，《北斗乐谱》通常会包含丰富的注释。这些注释可能包括： 历史背景介绍： 对作品的创作年代、作曲家生平、创作时的社会文化环境进行简要阐述，帮助读者理解作品的时代意义。 音乐分析： 对作品的结构、曲式、和声、旋律发展、配器等进行专业的音乐分析，为深入理解作品提供理论支持。 演奏提示： 针对具体的乐句、段落，提供一些演奏上的建议，例如指法、弓法、呼吸、音色控制等，这些提示往往来自于经验丰富的演奏家或编纂者的实践心得。 不同版本对比： 在某些重要的作品中，可能会参考并对比不同时期、不同版本的乐谱，指出其中的差异，并解释其原因，这对于追求极致还原度的演奏家和研究者尤为宝贵。 术语解释： 对乐谱中出现的专业音乐术语进行解释，方便对音乐理论了解不深的用户。 多样的音乐体裁与乐器： 《北斗乐谱》的选材绝不局限于某一类音乐体裁。它囊括了： 独奏作品： 如钢琴奏鸣曲、小提琴协奏曲、大提琴独奏曲等，展示了特定乐器在不同风格下的表现力。 室内乐： 如弦乐四重奏、钢琴三重奏、木管五重奏等，体现了乐器之间精妙的对话与配合。 管弦乐作品： 选取的可能是乐队总谱的片段，或是针对特定乐器声部的分谱，让读者得以领略宏大的交响织体。 声乐作品： 包括艺术歌曲、歌剧咏叹调等，其中可能包含演唱声部与伴奏声部的乐谱。 合唱作品： 展现了多声部合唱的丰富层次和表现力。 无论是键盘乐器、弦乐器、管乐器，还是人声，都能在《北斗乐谱》中找到其代表性的经典。 学习与研究的基石： 对于音乐院校的学生而言，《北斗乐谱》是系统学习音乐史、掌握不同风格演奏技巧的必备教材。他们可以通过这份乐谱集，直接接触到那些被奉为圭臬的音乐范例，从而建立起扎实的音乐基础。 对于专业的演奏家来说，《北斗乐谱》提供了最准确、最可靠的演奏文本。在排练和演出中，他们会反复查阅，以确保对作品的理解和表现达到最高水平。 对于作曲家而言，《北斗乐谱》是宝贵的灵感来源和学习范例。通过研习大师的作品，他们能够汲取创作的养分，拓展自己的音乐语言。 对于音乐爱好者，《北斗乐谱》则是一扇通往音乐殿堂的大门。它让大家能够以一种更深入、更具专业性的方式去欣赏和理解那些伟大的音乐作品，提升听觉体验，感受音乐的无穷魅力。 总而言之，《北斗乐谱》并非提供内容，而是作为一种载体，以最精良、最权威的方式呈现了人类音乐智慧的结晶。它是一部关于音乐的“档案”，一部关于音乐的“工具书”，一部致力于将伟大的音乐以最纯粹、最完整的方式传递给世人的奉献。

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说实话，我拿到这本书时是抱着一种“凑合着看”的心态，毕竟市场上关于古典音乐理论的书籍汗牛充栋，想要找到一本真正能让人眼前一亮的实属不易。然而，这本书的叙事风格却出乎意料地流畅且富有感染力。它不像某些学术著作那样高高在上，而是采用了非常贴近演奏者和听众视角的叙述方式。举个例子，在讨论奏鸣曲式的发展脉络时，作者并没有堆砌晦涩的术语，而是通过一系列生动的比喻，将呈示部、展开部和再现部的功能讲得如同戏剧冲突一般引人入胜。这种将理论转化为生动故事的能力，是许多音乐书籍所欠缺的。我尤其欣赏它在乐曲选材上的广度，它并没有仅仅聚焦于那几位“耳熟能详”的超级巨星，而是将一些被低估的作曲家及其作品也纳入了讨论范畴，这极大地拓宽了我的音乐视野。阅读过程中，我忍不住一次又一次地停下来，去寻找那些被提及的作品来聆听，每一次的对比阅读都带来了新的感悟，仿佛这本书成为了我音乐探索旅程中的一个绝佳向导，总能在最恰当的时候指引我走向下一片风景。

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坦率地说，我是一个对细节有近乎偏执要求的人，尤其是在涉及艺术和技术结合的领域。因此，我对任何声称权威的参考资料都会保持审慎的态度。然而，在查阅这本书中关于特定交响乐配器法的那几页时，我被深深地震撼了。作者对于不同乐器音色的敏感度和对管弦乐队整体平衡的掌握，已经达到了近乎于“音乐炼金术”的境界。他不仅指出了“应该”使用哪些乐器组合，更深入地探讨了为什么在那个特定的历史时期和特定的情感表达下，这种配器才是最优解。那些关于木管乐器组之间微妙的音色交织，以及铜管乐器如何巧妙地烘托或压制弦乐声部的论述，细致到令人发指的地步，却又丝毫不显啰嗦。这表明作者在进行这项工作时，投入了远超常人的研究深度和实践经验。这本书显然不是那种快速编撰的流行读物，它散发着一种经过时间打磨的沉稳和无可辩驳的专业性，是真正可以信赖的参考指南。

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这本书带给我的最深刻的感受，是一种对“永恒性”的重新认识。我们生活在一个追求即时满足的时代，但音乐，尤其是古典音乐，却要求我们慢下来，去体味那些跨越世纪的智慧。这本书，恰恰就是一座沟通古今的桥梁。它不满足于仅仅介绍过去的作品，而是巧妙地将古典音乐的创作原理与现代音乐制作的某些理念进行了对比和阐释。这种跨越时空的对话，让原本感觉有些遥远的古典作品立刻变得鲜活起来，似乎作曲家们也曾面对过与我们今天相似的艺术困境。在阅读关于早期奏鸣曲结构与室内乐对话的章节时，我忽然理解了为什么那些看似简单的旋律，能够经久不衰地打动人心。那是一种对人性深处情感的精准捕捉和提炼，这本书成功地揭示了这种“提炼过程”。它让我意识到，真正的经典，其魅力在于其结构的永恒性和情感表达的普适性，而这本书，就是解读这份永恒密码的最佳钥匙之一。

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这本书的价值，绝不仅仅在于其信息的密度，更在于其构建知识体系的巧妙布局。它并非简单地罗列事实或技巧，而是像一位经验老到的音乐教师，循序渐进地引导你建立起一套完整的音乐感知系统。它的结构安排极具匠心，从最基础的节奏划分与和声进行，到宏大的曲式结构分析，再到具体的演奏法门和历史背景考证，每一步都衔接得天衣无缝，过渡自然得让人几乎察觉不到自己已经从一个概念深入到了另一个更复杂的层面。我曾尝试在其他地方寻找类似的系统性讲解，但大多都是零散不成体系的资料集合。而这本书的伟大之处在于，它成功地将这些碎片化的知识点编织成了一张密不透风的知识之网，让学习者能够清晰地看到各个知识点之间的相互联系和依存关系。我感觉，与其说我在“阅读”这本书，不如说我是在进行一次结构化的思维训练，它教会我的，是如何用一种更系统、更深入的方式去理解音乐的内在逻辑，而不是停留在表面的旋律欣赏。

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这本书，初捧在手，便觉分量不轻，那种厚实感仿佛蕴含着无尽的知识与历史的沉淀。我本以为这是一本枯燥的工具书，毕竟“评分”二字总是与严谨、刻板的印象挂钩，但翻开扉页后，我才意识到自己错了。它的排版设计颇为精巧，墨色的文字在米白色的纸张上显得既庄重又不失活力。尤其是一些乐谱的呈现方式，简直称得上是一场视觉的盛宴。那些复杂的五线谱，原本是我最头疼的部分，但在书中似乎被赋予了新的生命力，每一个音符、每一个休止符都仿佛在低语着作曲家当年的心境。作者在讲解过程中，那种对音乐的深厚理解和热爱是溢于言表的。他不仅仅是记录和分析，更像是在引领我们这些业余爱好者进入一个更深邃的音乐殿堂，去触摸那些伟大灵魂的碎片。我特别喜欢其中关于巴洛克时期赋格曲的分析章节，那种层层递进的逻辑推演，将复杂的复调结构拆解得条分缕析，即便是初次接触此类曲式的读者也能轻松把握其精髓。这本书需要的不仅仅是阅读，更是一种沉浸式的体验，让人甘愿花费数小时沉醉其中，细细品味每一个音符背后的故事和技法。

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