具体描述
This is the definitive work on the great songwriters who dominated the classical era of American popular music. Uniquely analytical yet engagingly informal, the book draws on over 700 musical examples to demonstrate the melodic, harmonic, and rhythmic qualities that distinguish American popular music and transformed it into an authentic art form. Tracing its roots to 1890s ragtime, Wilder shows how the American style was incorporated into mainstream popular music and developed into the brilliantly inventive, and often musically subtle, crowd-pleasers of Kern, Berlin, Porter, Gershwin, and Rodgers.
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用户评价
这本书最让我感到惊喜的是，它没有将注意力仅仅集中在那些“伟大的美国作曲家”身上，而是将大量的篇幅投入到了音乐产业生态的变迁中，尤其是在数字时代来临前夜的那段混乱而迷人的转型期。作者对录音技术、唱片公司的并购、以及电台和MTV等传播媒介的权力演变进行了细致入微的剖析，深刻揭示了音乐的创作和消费是如何被基础设施所塑造的。例如，书中对七十年代末八十年代初独立厂牌（Indie Labels）的反抗精神及其最终被大公司吞并的命运的描述，充满了宿命般的悲剧色彩，让人深思艺术纯粹性与市场扩张之间的永恒矛盾。此外，书中对音乐创作中女性角色地位的探讨，也相当具有洞察力，它揭示了在男性主导的摇滚和乡村音乐领域，女性创作者是如何通过极其巧妙和颠覆性的方式来争取话语权的。总而言之，这本书提供了一个多维度的透镜，让我们得以审视美国流行音乐的复杂肌理——它不仅是声音的艺术，更是权力、技术、社会心理和地域文化交织作用下的一个庞大而迷人的系统工程。
评分这本关于美国流行音乐史的著作，简直是一部活生生的音乐编年史，作者以一种近乎考古学家的严谨态度，挖掘了那些我们耳熟能详的旋律背后错综复杂的文化根源和商业推手。从早期的拉格泰姆（Ragtime）如何挣扎着脱离欧洲古典的束缚，到爵士乐在咆哮的二十年代如何成为反叛精神的代言人，书中对音乐风格演变的梳理细致入微。我尤其欣赏作者没有将这些流派孤立看待，而是通过清晰的脉络展示了它们之间的相互渗透与迭代——比如乡村音乐的叙事性是如何被布鲁斯（Blues）的深刻情感所滋养，以及摇滚乐在诞生之初如何吸纳了福音音乐的狂热能量。阅读的过程，更像是一场跨越世纪的田野调查，作者不仅罗列了重要的歌曲和艺人，更重要的是，他成功地捕捉到了特定历史时期社会情绪是如何被这些音乐所反映、甚至塑造的。比如，二战后的消费主义浪潮如何催生了更轻快的流行歌曲，以及民权运动时期抗议歌曲所蕴含的巨大社会张力。对于任何想要深入理解美国流行音乐如何从边缘走向主流，并最终定义了全球流行文化格局的人来说，这本书提供了无可替代的深度和广度。它不仅仅是关于音乐的，更是关于美国精神如何在声波中自我表达的精彩记录。
评分这本书的装帧和排版给人一种非常沉稳且权威的感觉，内容组织上，作者似乎遵循了一种近乎年代学的梳理方式，但其高明之处在于，他总能在看似线性的发展中，巧妙地植入跨界的对比和反思。我印象最深的是关于电子音乐和合成器技术如何颠覆传统乐队结构的那一部分。作者没有简单地赞美技术的进步，而是极其客观地分析了这种转变对音乐家身份认同和现场表演艺术所带来的冲击。他对比了早期民谣歌手那种纯粹依赖嗓音和吉他的原始感染力，与八十年代合成器流行乐那种高度建构和审美化的舞台表现之间的张力，这种对比让人思考“真实性”在流行音乐中的定义。此外，书中对“黑人音乐”在主流市场的推广和挪用现象的探讨，也显得尤为深刻和尖锐，毫不避讳地揭示了种族与商业资本在音乐产业中的复杂纠葛。阅读时，我常常需要停下来，去寻找书中提到的那些关键录音进行印证，而每一次回归文本，都能发现新的层次和解读的可能。这是一本需要反复咀嚼，并时常伴随音乐播放才能完全消化的著作。
评分读完这本书，我有一种强烈的错觉，仿佛自己刚从一个巨大的音乐档案馆中走出来，手里捧着几十卷泛黄的乐谱和录音带。这本书的叙事风格极其流畅，它没有采取那种枯燥的学术论述腔调，反而充满了对音乐家们个人命运的深切关怀。作者似乎对每一个重要的词曲作者都抱有一种近乎亲密了解的视角，详细描绘了他们如何在绝望中创作出希望的旋律，或是在成名后如何与商业机制进行艰难的角力。特别是关于二十世纪中叶“金曲工厂”（Brill Building）模式的章节，描绘得栩栩如生，那些不为人知的幕后写手们如何如同流水线上的工匠，却又爆发出惊人的艺术火花，着实令人叹为观止。我特别喜欢作者对歌词分析的处理方式，他不仅仅停留在表面意义上，而是深入挖掘了其中潜藏的时代隐喻和潜意识的文化符号。这种对细节的极致关注，使得即便是那些耳熟能详的经典歌曲，在书中也焕发出了新的生命力。这本书的价值在于，它将那些看似瞬息万变的流行时尚，固定在了坚实的文化土壤之上，让我们看到流行音乐并非昙花一现，而是历史长河中一个极其重要的表达载体。
评分说实话，我原本以为这会是一本略显沉闷的音乐史参考书，但作者的笔触却出奇地具有画面感和代入感。他仿佛是一位高明的电影导演，知道何时该使用宏大的全景镜头来展现一个时代的音乐风貌，何时又该聚焦于某个特定人物，捕捉他们灵魂深处的挣扎。书中对特定城市音乐场景的描绘尤其精彩，比如底特律的摩城（Motown）录音室如何像一个高效运转的音乐制造工厂，又像一个文化熔炉，将南方黑人的灵魂乐与北方都市的精致感完美结合。作者的叙事节奏变化多端，时而缓慢细腻，聚焦于某一个和弦的创新；时而又快速推进，概括性地带过整个流派的兴衰。这种灵活的叙事策略，使得即便是对某个时期不太熟悉的读者，也能轻松跟上思路。我特别欣赏作者在论述中对学术界和流行文化评论之间的平衡把握，既有扎实的理论支撑，又不失大众读者的可读性。这本书成功地将流行音乐的“娱乐性”提升到了“文化研究”的高度，让我对那些曾经不屑一顾的“口水歌”产生了前所未有的尊重。
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