西方当代美术

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出版者:
作者:王洪义
出品人:
页数:261
译者:
出版时间:2008-9
价格:78.00元
装帧:
isbn号码:9787560327051
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

《西方当代美术:不是艺术的艺术史》对1945年以来的欧美艺术进行了系统梳理,以分门别类的方式介绍了众多引起争议的先驱者和实验艺术家,包括西方当代主要美术家270多位,如杜布菲、约翰斯、博伊斯、布儒瓦、基弗,等等:主要艺术流派20多个,如抽象表现主义、波普艺术、极少艺术、概念艺术、女性艺术、摄影和录像艺术、计算机艺术,网络艺术,等等;提供380幅精美图片,许多图片在国内首次刊出。简洁清晰的思路、宽容平和的立场及具体翔实的解说,使《西方当代美术:不是艺术的艺术史》成为一本兼顾学术性、知识性、教学性和可读性的有趣著作。

西方当代美术经常是令人迷惑和缺乏美感的,看上去有很多反文化和反艺术的内容,社会各界甚至美术界内部对此也评价不一。

“光影织锦,色彩破局:从巴洛克到印象派的欧洲视觉史诗” 内容梗概: 这是一部深度探索欧洲艺术史辉煌篇章的著作,聚焦于十八世纪至十九世纪末,那段孕育了无数艺术革新与美学风潮的动荡而又充满创造力的时代。本书并非简单罗列艺术家与作品,而是试图构建一个宏大的叙事框架,揭示欧洲社会、文化、哲学以及科技的变迁如何深刻地影响了绘画、雕塑、建筑等视觉艺术的发展轨迹。我们将跟随历史的脚步,穿越巴洛克时期繁复奢华的极致浪漫,感受新古典主义的理性与秩序,沉浸于浪漫主义的激情与澎湃,最终抵达印象派那革命性的光影捕捉与色彩解放。 第一部分:巴洛克之巅——光影的戏剧性与情感的张扬 (约17世纪末 - 18世纪初) 本章节将重温巴洛克艺术的辉煌余晖,虽然本书主要聚焦于后续时期,但理解巴洛克艺术对后世的影响至关重要。我们将简要回顾其磅礴的气势、强烈的戏剧冲突、夸张的情感表达以及对光影对比的极致运用。卡拉瓦乔的“自然主义”光影,贝尼尼雕塑的动态张力,鲁本斯笔下生命的充沛与热情,这些巴洛克艺术的基因,如同种子般,在欧洲大陆的土壤中孕育着新的生命。我们将探讨巴洛克晚期在法国的装饰性转向,以及其如何与逐渐兴起的洛可可风格中的精致、优雅和享乐主义思潮相互交织,为十八世纪的艺术奠定基础。 第二部分:理性之光,秩序之魂——新古典主义的回归与启蒙的审思 (约18世纪中期 - 19世纪初) 随着启蒙运动思想的深入人心,欧洲社会开始反思文艺复兴以来积累的文化遗产,并重新审视古希腊罗马的古典主义价值。新古典主义艺术应运而生,它强调理性、秩序、和谐、比例与崇高。本书将深入分析其美学原则,探讨它如何借鉴古典艺术的造型语言、题材选择(如神话、历史事件)以及道德教诲的功能。我们将重点解读法国新古典主义巨匠大卫的作品,分析其如何通过严谨的构图、清晰的线条以及庄重的色彩,传递爱国主义、英雄主义和公民美德等启蒙理念。同时,我们也会审视新古典主义在建筑、雕塑等领域的体现,如雅典帕特农神庙的理性之美如何被重新发掘和模仿。 第三部分:情感的澎湃,个性的呐喊——浪漫主义的自由与想象 (约19世纪上半叶) 当理性主义的锋芒稍显冷峻时,一股追求情感自由、个性解放、崇尚自然的浪漫主义浪潮席卷而来。本书将深入剖析浪漫主义艺术的核心精神:对个体情感的极致表达,对内心世界的深刻探索,对历史、东方神秘主义、哥特式风格的迷恋,以及对自然界壮丽与神秘的赞颂。我们将探讨德拉克洛瓦笔下奔放的热情与色彩的碰撞,透纳对海洋与天空变幻莫测的捕捉,弗里德里希笔下孤独的旅行者与雄伟自然的对话。本书将着重分析浪漫主义如何打破古典主义的束缚,在题材、技法和情感表达上开辟新的天地,并探究其与文学、音乐等其他艺术形式的紧密联系。 第四部分:现实的镜鉴,生活的温度——现实主义的勃兴与社会的反思 (约19世纪中期) 在浪漫主义的理想主义之后,一股将目光投向现实生活、关注普通人的呐喊逐渐清晰。现实主义艺术主张忠实地描绘当代社会的面貌,不回避贫困、苦难与社会的不公。本书将深入探讨现实主义的艺术理念,分析其如何反对虚构与理想化,力求客观、真实地再现生活。我们将重点研究库尔贝的“最真实的艺术”,分析他如何将农夫、工人等底层民众推向画面的中心。同时,我们也会关注米勒笔下对农民生活的朴实描绘,以及杜米埃对社会百态的漫画式讽刺。本书将揭示现实主义艺术如何成为一面镜子,映照出工业革命带来的社会变革与阶级矛盾,为后来的艺术发展注入了深刻的人文关怀。 第五部分:光与色的革命——印象派的诞生与视觉感知的新探索 (约19世纪后期) 本书的压轴部分将迎来一场颠覆性的艺术革命——印象派。我们将详细梳理印象派产生的历史背景,包括科学对色彩与光线的认知进步,以及摄影技术的兴起对传统绘画造成的挑战。本书将着重解析印象派的核心追求:捕捉瞬间的视觉感受,对外光下物体的色彩变化进行细致入微的描绘,以及运用自由奔放的笔触。我们将深入解读莫奈的光影实验,分析其如何通过并置的色彩来模拟光线的跳跃;我们将欣赏雷诺阿笔下充满生命力的市井人物与阳光下的舞会;我们将体会德加对芭蕾舞女的独特视角与动态捕捉;我们还将探讨莫里索、卡萨特等女性艺术家如何以细腻的笔触描绘日常生活中的女性世界。本书将强调印象派对色彩理论的深刻理解,以及其如何通过“看见”来重塑“感知”,为现代艺术的诞生铺平道路。 本书特点: 宏大叙事与细节洞察并重: 本书不仅提供清晰的历史脉络和艺术思潮的演变,更深入到每一位重要艺术家的生平、创作理念和代表作品,力求让读者全面理解艺术发展的内在逻辑。 跨学科的视角: 艺术的发展离不开社会、文化、哲学、科学等各个领域的滋养。本书将适时引入这些背景知识,帮助读者更深刻地理解艺术作品的时代语境。 鲜活的语言与生动的描绘: 避免枯燥的学术术语,本书将采用流畅、生动的语言,配合对艺术作品的细致描绘,仿佛带领读者置身于那个充满创造力的时代,亲眼目睹那些伟大的艺术杰作的诞生。 对后世影响的追溯: 在描绘每个艺术流派时,本书都会适时提及它们对后续艺术发展的深远影响,为理解更广泛的西方艺术史奠定基础。 精美的插图(假设): 好的艺术史书籍离不开高质量的插图。本书(假设)将精选大量高质量的艺术作品高清图片,让读者能够直观地感受艺术的魅力。 “光影织锦,色彩破局:从巴洛克到印象派的欧洲视觉史诗”是一次穿越时空的艺术之旅,它邀请您一同探索欧洲视觉艺术史上最激动人心的篇章,理解那些伟大的艺术家如何在他们的时代,以画笔为剑,以色彩为笔,为我们织就了永不褪色的艺术锦缎,为人类的视觉文化留下了不朽的财富。

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读后感

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用户评价

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这本书的装帧设计简直是艺术品本身!我首先被它厚重的质感和那带着微微磨砂感的封面所吸引,那种触感让人联想到博物馆里那些被时光打磨过的雕塑底座。书页的纸张选择非常考究,印刷的色彩还原度高得惊人,即便是那些最晦涩难懂的抽象表现主义作品,其笔触的肌理和颜料的厚度仿佛都能透过纸面传递出来。更值得称赞的是,书中的图片排版极其用心,常常是一幅重磅作品占据整整两页,留白的处理恰到好处,让你能完全沉浸在画作的细节之中,而不是被周围密密麻麻的文字信息所干扰。它不是那种堆砌图录式的书籍,而更像是一本精心策划的展览图录,每一页的布局都在引导读者的视线,让人在阅读的过程中,不知不觉地完成了一次视觉的盛宴。虽然内容本身我还没来得及深入研究,但仅从阅读体验来说,这已经远远超出了我对艺术书籍的期待,绝对是那种值得收藏在书架上,时不时拿出来翻阅和品味的佳作。

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我对那些宏大的艺术史叙事一直抱持着一种审慎的态度,总觉得很多作品在被“官方化”的过程中,丢失了最初的那种野性和生命力。然而,这本书的切入点似乎格外接地气,它没有一上来就抛出枯燥的理论框架,而是像一个经验丰富的老策展人,带着我们穿梭于那些不为人知的小型画廊和艺术家的工作室。我尤其欣赏它对特定艺术思潮背后社会文化土壤的剖析,那种将艺术创作与战后经济复苏、身份政治的崛起等大背景紧密结合的笔法,让那些原本高高在上的艺术概念变得鲜活起来,仿佛每一个色彩的选择、每一个线条的断裂,都浸透着那个时代人们的焦虑与希望。读起来完全没有那种“上课”的感觉,反而像是在听一位饱学之士,用最生动、最富有人情味的方式,讲述那些改变了世界面貌的艺术实验。

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这本书的翻译质量,说实话,让我感到非常惊喜。通常涉及专业术语和特定文化背景的艺术书籍,翻译过来后总会显得生硬或晦涩难懂,但这本书的译者显然对当代艺术的语境有着深刻的理解。他们没有一味地追求逐字对应的精准,而是在保证核心概念不变的前提下,灵活地运用了更符合中文阅读习惯的表达方式。比如,对于一些德语或法语中特有的哲学概念,译者给出的脚注或旁注既精准又点到为止,既照顾了初学者的理解,也没有冒犯资深读者的品味。阅读流畅度极高,我可以毫不费力地跟上作者的思维节奏,完全不会因为语言障碍而产生阅读疲劳。这种高质量的本地化处理,极大地提升了阅读体验,让复杂的理论也变得平易近人。

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这本书的目录结构简直就是一把钥匙,它巧妙地将看似分散的艺术运动串联成一条清晰的脉络。我发现它对后现代主义的解构与挪用策略的阐释尤为深刻。很多其他书籍在提到波普艺术时,往往只是停留在对商业符号的表层戏仿上,但这里却深入挖掘了艺术家如何利用这些符号来质疑“原创性”和“精英文化”的权威性。它不像某些学术著作那样故作高深,而是用一种极为清晰的逻辑,层层剥开艺术作品背后的“潜台词”。特别是对于一些跨媒介的艺术形式,比如行为艺术和装置艺术的描述,作者的文字功力令人佩服,即使是那些极其依赖现场体验的作品,也能通过精妙的文字转述,让你在脑海中构建出那个空间感和时间性的体验。对于我这种希望深入理解当代艺术“为什么这样”的读者来说,这本书提供的分析深度是毋庸置疑的。

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我个人特别偏爱这本书在收录艺术家案例时的“平衡感”。它既没有完全偏向美学上的创新者,也没有过度强调市场上的宠儿。相反,它似乎在努力呈现一个更全面的图景——那些在主流叙事中可能被边缘化的、但对艺术史产生过重要影响的女性艺术家、少数族裔艺术家的贡献,都有得到充分的展现和探讨。这种包容性和广度,让读者在建立起对“主流”当代艺术的认知框架后,能够看到更多元的视角和不同的发声渠道。它鼓励的不是盲从,而是批判性的思考:在艺术语言不断被拓宽的今天,我们应该如何定义“重要性”?这本书并非提供标准答案,而是提供了足够的、高质量的素材,让读者自己去构建属于自己的艺术坐标系。这才是真正有价值的艺术读物。

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虽然是纯粹资料堆砌,但对于入门初学者来说,想要细分每个领域了解当代艺术,也不失为一本好书。

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虽然是纯粹资料堆砌,但对于入门初学者来说,想要细分每个领域了解当代艺术,也不失为一本好书。

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当教科书看 作者主观有点强

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