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页数:102

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出版时间:2008-5

价格:98.00元

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isbn号码:9787104027584

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《中国舞台美术》 书籍简介 在中国璀璨的文化长河中，舞台美术以其独特的艺术形式，扮演着连接观众与叙事的桥梁角色。它不仅仅是简单的布景、灯光和服装的堆砌，更是承载着时代精神、民族情感和审美追求的视觉载体。本书《中国舞台美术》将带领读者深入探索中国舞台艺术的演变脉络，揭示其在不同历史时期、不同艺术门类中所展现出的独特魅力与深厚底蕴。 本书并非对某一特定剧种或某位艺术家的详尽解读，而是以宏观的视角，梳理中国舞台美术的发展历程。我们将从古代戏曲的简朴写意，追溯到近代以来受到西方艺术思潮影响的变革，再到当代舞台美术在技术与艺术融合中不断突破的创新。每一个阶段都凝聚着无数艺术家的智慧与心血，每一次的革新都标志着中国舞台艺术的向前迈进。 首先，我们将回溯中国戏曲舞台的古典之美。在早期的舞台上，极简的道具、写意的程式化设计，如何通过演员的表演和观众的想象力，共同构建出丰富的空间与情境。从一桌二椅的经典组合，到色彩斑斓的服饰，再到象征性的脸谱，这些元素并非孤立存在，而是有机地融合在一起，共同传递着故事的核心冲突与人物的情感状态。我们将探讨这些传统符号化的设计语言，如何在代代相传中保留其精髓，又如何在不同时代焕发新的生命力。 随着西方文化艺术的传入，中国的舞台美术也迎来了深刻的变革。本书将重点分析近代以来，写实主义、象征主义等西方艺术流派对中国舞台美术产生的冲击与融合。从早期模仿西方布景技术的尝试，到本土艺术家们在学习借鉴中融入中国传统美学元素的探索，这一过程充满了碰撞与创造。我们会详细介绍这一时期涌现出的重要艺术家及其代表作品，分析他们如何打破陈规，引入新的表现手法，如立体布景、多幕式结构、以及对灯光运用的初步探索，为中国舞台艺术注入了新的活力。 进入当代，中国舞台美术的发展更是日新月异。数字技术、多媒体艺术的兴起，为舞台空间带来了前所未有的可能性。本书将深入探讨现代科技如何与舞台美术深度融合，从全息投影、虚拟现实，到互动装置、大型实景演出，这些新兴技术如何突破了传统舞台的物理限制，创造出令人惊叹的视觉奇观。同时，我们也关注当代舞台美术在艺术理念上的深化，如更加注重观众的沉浸式体验，强调舞台空间与观众情感的互动，以及对环境、社会议题的关注如何在舞台设计中得到体现。 除了梳理历史脉络，本书还将探讨中国舞台美术在不同艺术门类中的应用与特色。例如，京剧、昆曲等传统戏曲在舞台美术上所体现出的高度写意与象征性；话剧在舞台空间设计上所追求的真实感、观念性与实验性；歌剧与舞剧在视听盛宴的营造上，对色彩、光影、以及服装动态美学的极致追求；乃至儿童剧、戏曲进校园等更具教育与互动性的舞台形式，其美术设计又有哪些独特的考量与创新。 本书并非枯燥的学术论述，而是力图通过丰富的案例分析、精美的图片资料，生动地展现中国舞台美术的魅力。我们希望读者能够通过本书，不仅了解中国舞台美术的“形”，更能理解其“神”——即在每一个时代、每一次创新背后所蕴含的文化精神、审美取向与艺术追求。 《中国舞台美术》是一次对中国舞台艺术视觉呈现的全面回顾与深度解析。它将帮助读者理解，从古至今，中国舞台美术如何以其独特的东方韵味和时代精神，在方寸舞台上，绘就出一幅幅震撼人心、感人至深的画卷，并不断书写着中国舞台艺术的新篇章。无论您是舞台艺术的爱好者，还是希望深入了解中国文化的读者，本书都将为您提供一次充实而愉快的阅读体验。

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**第四段评价：** 这本书的学术严谨性毋庸置疑，但最难得的是它没有把知识包裹在厚厚的学术外衣下让人望而却步。它的章节划分逻辑非常清晰，仿佛是沿着一条时间轴清晰地勾勒出了舞台艺术的进化路径，但同时又在关键节点插入了大量极具启发性的案例研究。我印象特别深刻的是书中关于“中西合璧”时期，舞台设计如何处理文化身份认同的难题。作者没有简单地批判“模仿”，而是展示了早期艺术家们在吸收欧洲立体布景技术时，是如何努力保留中国美学的核心精神，比如如何将透视法本土化，以适应传统戏曲的表演习惯。这本书的资料搜集工作量是惊人的，大量的文献引用和图片对比，让人清晰地看到不同时期设计师们为了解决同一个舞台问题所采用的不同策略。它不仅仅是一本知识的汇编，更像是一场精彩的辩论，展示了艺术在面对外来文化冲击时，所展现出的强大适应性和创造性。对于任何对文化交流史感兴趣的人来说，这本书都提供了极为独特的视角。

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**第二段评价：** 读完这本书，我最大的感受是它在宏大叙事之下，对个体创造力的关注。我原以为这类专业书籍会专注于梳理从唐宋到近现代的风格流变，但这本书的深度远超我的预期。它没有止步于罗列“重要艺术家”的名录，而是深入挖掘了几位关键人物在特定历史时期如何突破限制，引入新理念。例如，书中对某位民国时期先锋导演如何借鉴先锋派戏剧理论来革新传统戏曲空间的论述，细致入微，甚至提及了他们使用的具体材料和绘制的设计草图的演变过程。这种深入到“动手层面”的描写，极大地满足了我对“工艺之美”的探索欲。更让我感到惊喜的是，作者似乎有着敏锐的社会观察力，他总能将舞台布景的设计风格与其背后的社会思潮和政治气候联系起来，比如在特定历史时期，某些舞台设计的“写实主义”倾向，是如何呼应了当时的民众诉求。这本书的结构非常跳跃，不像教科书那样循规蹈矩，它更像是一位资深研究者在向你娓娓道来他多年来在档案室和剧场遗址中发现的“秘密”，充满了发现的乐趣和对艺术生命力的赞叹。

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**第一段评价：** 这本书的装帧设计实在令人眼前一亮，那种厚重而典雅的气质，仿佛直接把我带入了历史的剧场之中。初翻阅时，我最先被吸引的是那些精美的插图，虽然我对于“中国舞台美术”这个主题本身抱有极大的好奇心，但坦白讲，我对其中的技术细节和流派演变并不十分了解。然而，这本书的叙事方式却极其友好，它没有过多地陷入晦涩的理论说教，而是巧妙地将历史脉络与具体的舞台案例结合起来。比如，某一个章节详细描绘了清末民初戏曲舞台如何从简陋的“戏台子”逐步向融合了西洋灯光和布景技术的过渡，那种图文并茂的呈现方式，让我这个外行也能清晰地感受到时代变革对舞台艺术的冲击。我特别欣赏作者在描述那些失传的传统戏法和布景机关时所流露出的那种深深的敬意与研究的严谨，仿佛每一个褶皱、每一束光影背后，都藏着一个时代的集体记忆。它不仅仅是一本关于艺术形式的书，更像是一部关于技术、审美和文化变迁的“幕后史诗”，让人在欣赏舞台之美的同时，也对台前幕后的匠心独运肃然起敬。

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**第三段评价：** 这本书的文字风格非常古典，读起来有一种沉静的力量，仿佛每一个句子都经过了反复的打磨和斟酌。我尤其喜欢其中对光影和空间哲学的探讨。它似乎在试图回答一个终极问题：在舞台这个有限的三维空间里，如何用非语言的方式表达无限的情感和意境？书中对传统戏曲中“一桌二椅”的极简主义美学进行了详尽的阐释，这种阐释并非简单的复述，而是上升到了哲学层面——如何通过最少的物质符号，调动观众最丰富的想象力。相比于现代舞台技术对视觉冲击的追求，这本书更像是一剂清凉的药方，让人重新审视“留白”的艺术。作者在描述古代匠人如何利用油灯和竹篾构建出具有象征意义的“月亮”或“城墙”时，所用的词汇极其精准，充满了画面感，让人甚至能闻到木材和油烟混合的气味。这种对“意境”的精妙捕捉，使得即便是对传统戏曲不甚了解的读者，也能从中感受到一种跨越时空的审美共鸣。

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**第五段评价：** 从阅读体验来说，这本书的节奏把握得非常好，它不会让读者感到疲劳，反而会激发我不断翻页去寻找下一个惊喜。它在讲述宏大的历史进程时，常常会穿插一些非常鲜活、近乎“八卦”的小故事，比如某个著名剧目首次启用电动布景时引发的争议，或者某位舞台设计师因为坚持使用某种罕见材料而与剧团发生的冲突。正是这些细节，让原本可能枯燥的艺术史变得有血有肉，充满了戏剧张力。此外，这本书在视觉呈现上也是一种享受，那些跨页展示的、色彩饱满的戏曲舞台效果图，简直可以单独装裱起来。它成功地将舞台设计从一个附属的工艺领域，提升到了与剧本、表演同等重要的艺术地位来讨论。读完之后，我再去看任何一场舞台表演时，都会不自觉地关注到灯光的角度、背景的层次感，以及道具的象征意义，这本书彻底改变了我观看戏剧的方式，让我从一个被动的接受者，变成了一个主动的“解读人”。

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