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页数:361

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出版时间:2008-11

价格:39.80元

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isbn号码:9787560949789

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《交响乐的灵魂：从巴洛克到现代的伟大旅程》 本书并非对歌剧门类的简单梳理，而是邀请您踏上一段跨越时空的音乐探索之旅，聚焦于交响乐这一承载着人类情感与思想最宏大、最深刻的艺术形式。我们将拨开历史的迷雾，深入理解交响乐如何在数个世纪的演变中，从最初的巴洛克时期的简洁结构，发展成为浪漫主义时期磅礴的情感宣泄，直至现代音乐中对形式、音色与观念的无限拓展。 第一部分：黎明的回响——巴洛克与古典时期的交响乐基石 在这一部分，我们将回到交响乐的早期萌芽。从意大利的歌剧序曲（Sinfonia）中，我们可以看到早期交响乐雏形的身影，它如何逐渐摆脱歌剧的束缚，独立发展成为一种器乐形式。我们将审视维瓦尔第、巴赫的时代，虽然他们的作品中尚未出现独立意义上的“交响乐”，但其对复调写作、对位技巧以及器乐织体的探索，为后来的交响乐奠定了坚实的基础。 进入古典主义时期，海顿被誉为“交响乐之父”，他不仅确立了交响乐的四乐章结构，更在主题发展、乐器配置和曲式结构上进行了革命性的创新。我们将细致分析海顿的交响乐，感受其中清晰的逻辑、精致的旋律和充满活力的精神。莫扎特，这位音乐神童，则将古典交响乐推向了辉煌的顶峰。他的交响乐，无论是早期作品的灵动，还是后期如《G小调第40号交响曲》、《C大调“朱庇特”第41号交响曲》的深刻与宏大，都展现了他对人类情感的敏锐洞察和对音乐语言的极致运用。我们将深入解析莫扎特的交响乐，体会其旋律的歌唱性、和声的丰富性以及结构的完美性。贝多芬，作为连接古典与浪漫的巨人，他的九部交响曲更是音乐史上的里程碑。我们将重点剖析贝多芬的交响乐，尤其是《第三号“英雄”》、《第五号“命运”》、《第九号“合唱”》等作品，感受其中蕴含的英雄主义精神、对命运的抗争以及对人类解放的讴歌。我们将关注其主题的深刻性、戏剧性的冲突、以及对乐器表现力的极致挖掘。 第二部分：情感的洪流——浪漫主义时期的交响乐革新 浪漫主义时期，交响乐的面貌发生了翻天覆地的变化。作曲家们将个人情感、民族精神、文学故事乃至自然风光融入其中，交响乐的篇幅不断扩大，配器也日益丰富。舒伯特、舒曼、门德尔松等作曲家，在继承古典传统的同时，注入了更多个人化的抒情。我们将欣赏他们充满诗意和哲思的交响乐，体验其内敛而深沉的情感表达。 勃拉姆斯，作为“保守的浪漫主义者”，他的四部交响曲在保持古典结构的同时，展现了深邃的内省和厚重的风格。我们将分析勃拉姆斯交响乐的严谨与抒情，体会其中复杂的情感层次。 柏辽兹，这位浪漫主义的激进者，他的《幻想交响曲》以其大胆的配器、创新的结构和描绘性的音乐手法，开启了“标题音乐”的新篇章。我们将深入研究柏辽兹的交响乐，感受其戏剧张力和惊人的想象力。 李斯特的交响诗，更是将交响乐与文学、绘画等其他艺术形式紧密结合，以单乐章的形式讲述故事、描绘场景。我们将探讨李斯特在交响音乐形式上的创新。 在晚期浪漫主义时期，马勒的交响乐以其巨大的规模、复杂的情感和深刻的哲学思考，成为这一时期的集大成者。他的九部（未完成的第十部）交响曲，如同宏大的史诗，展现了对人生、死亡、爱情、自然的全面探索。我们将深入马勒的交响乐世界，体验其音乐的广阔与深邃。 第三部分：色彩的探索——印象主义、民族主义与现代交响乐 进入19世纪末20世纪初，德彪西和拉威尔的印象主义音乐，以其对色彩、氛围和模糊意境的追求，为交响乐带来了全新的听觉体验。我们将欣赏他们作品中如梦似幻的音响世界，感受其中细腻的情感描绘。 与此同时，民族主义音乐在欧洲各地蓬勃发展。斯美塔那、德沃夏克、格里格、西贝柳斯等作曲家，将各自民族的音乐元素、民间传说和爱国情怀融入交响乐创作。我们将探索这些作品如何在世界音乐舞台上展现独特的民族风采。 进入20世纪，交响乐的面貌更是日新月异。勋伯格的十二音技法、新古典主义、序列音乐、简约主义等各种流派层出不穷。我们也将触及斯特拉文斯基、巴托克、肖斯塔科维奇、普罗科菲耶夫等20世纪重要作曲家的作品，了解他们在音乐语言、和声、节奏以及曲式结构上的大胆革新与探索。他们或深刻反思历史，或直面社会现实，或追求纯粹的音乐逻辑，共同塑造了20世纪交响乐的丰富图景。 结语：不朽的乐章 《交响乐的灵魂》不仅仅是一本关于作曲家和作品的百科全书，更是一次邀请您与伟大的灵魂对话的旅程。通过深入理解交响乐的发展脉络、风格演变和内在精神，您将能更深刻地体会音乐是如何以其独特的方式，触及人类灵魂最深处的情感、思想和对世界的感知。我们希望通过本书，激发您对交响乐的浓厚兴趣，并引导您开启属于自己的、更加个性化的音乐发现之旅。交响乐的魅力，如同宇宙的星辰，永恒闪耀，等待着您去探索与感悟。

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我一直认为歌剧是一种极具感染力的艺术形式，而《歌剧概论》这本书，则以其独特的角度和深刻的见解，让我对歌剧的理解提升到了一个全新的高度。这本书最吸引我的地方在于它对“歌剧音乐的语言”的深入剖析。作者并没有停留在对旋律和和声的简单描述，而是深入挖掘了歌剧音乐是如何通过音高、节奏、音色、力度等音乐元素来表达复杂的情感、塑造鲜明的人物，以及推动戏剧冲突。我特别喜欢作者在分析莫扎特歌剧时，对“人物性格的刻画”的解读。莫扎特歌剧的魅力在于他对人物内心世界的精准把握，以及他如何通过音乐来展现人物的善恶美丑、喜怒哀乐。例如，在《魔笛》中，作者详细分析了夜后咏叹调的华丽与阴险，以及塔米诺王子和帕米娜的抒情咏叹调所流露出的纯真与深情，他认为这些音乐不仅是优美的旋律，更是人物性格的直接写照。书中对“歌剧中的戏剧结构”的讨论也让我获益匪浅，作者分析了从序曲、宣叙调、咏叹调、重唱到合唱等各种音乐形式在歌剧中的作用，以及它们如何共同构建起一个完整的戏剧故事。他认为，一个优秀的歌剧作品，其音乐结构与戏剧结构是相互依存、密不可分的，音乐的铺陈、高潮的设置、结局的处理，都与剧情的逻辑紧密相连，例如，他以瓦格纳的《特里斯坦与伊索尔德》为例，分析了其“爱之死”的高潮段落，如何通过音乐的层层推进，将两人超越生死的爱恋表现得淋漓尽致。

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作为一名有着丰富舞台经验的戏剧演员，我一直对歌剧演员的表演技巧和艺术处理方式非常好奇。《歌剧概论》这本书，以其独特的视角，为我揭示了歌剧表演的奥秘。作者在书中花了相当大的篇幅来分析歌剧演唱者如何将音乐与戏剧表演完美结合，以及他们是如何通过声音和肢体语言来塑造角色的。我尤其欣赏作者对于“角色塑造”的解读。他详细分析了歌剧中的各种角色类型，从英雄到反派，从少女到智者，并探讨了作曲家如何通过音乐来赋予这些角色独特的性格特征。例如，在分析《蝴蝶夫人》中的平克顿中尉时，作者就深入剖析了他的内心矛盾，他既是一个追求享乐的军官，又是被东方文化所吸引的年轻人，并且探讨了普契尼是如何通过他富有力量且略带叙事性的男高音来表现他的这种复杂性。书中对“二重唱”的分析也让我印象深刻，作者解释了二重唱不仅仅是两个角色的简单对话，更是他们情感交流、内心碰撞的舞台呈现，例如，在《卡门》中，卡门和唐·何塞的二重唱，不仅仅是两人之间的爱情誓言，更是两种截然不同的人生观和价值观的碰撞。我还喜欢作者对“合唱”的深入剖析，他认为合唱不仅仅是背景音乐，更是群体情感的表达，是社会舆论的象征，更是推动剧情发展的重要力量，例如，在《纳布科》中，希伯来奴隶的合唱《飞吧，思想！》不仅仅是对自由的渴望，更是对民族复兴的呼唤。

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我是一位有十几年古典音乐欣赏经验的乐迷，平时也涉猎过不少音乐史的书籍，但对歌剧总感觉隔靴搔痒，缺乏一个系统性的认识。《歌剧概论》恰好填补了这一空白。我尤其欣赏作者在梳理歌剧发展脉络时所展现出的深度和广度。这本书并没有简单地罗列各个时期重要的作曲家和作品，而是深入分析了歌剧在不同历史时期所承担的社会功能、所反映的时代精神以及其音乐语言的演变。例如，在探讨美声歌剧时期时，作者详细分析了“宣叙调”和“咏叹调”的结构以及它们在推动剧情发展和塑造人物性格上的作用，并以莫扎特的《费加罗的婚礼》为例，详细解析了其中的二重唱和重唱片段，展示了如何通过多声部的交织来刻画复杂的人物关系和戏剧冲突。这种对音乐形式和戏剧功能的双重关注，让我对歌剧的理解上升到了一个新的层面。我特别喜欢作者在分析瓦格纳的“乐剧”概念时，那种严谨的学术态度和富有洞察力的解读。作者没有回避瓦格纳音乐的复杂性和他所倡导的“总体艺术”理念，而是将其置于19世纪德国民族主义和哲学思潮的大背景下进行解读，并详细分析了瓦格纳如何通过“主导动机”来串联整个音乐结构，以此来表达深刻的哲学思想和情感内涵。这本书的学术性很强，但作者的写作风格却并不枯燥，他善于运用类比和引证，将深奥的理论概念变得易于理解。此外，书中对不同国家歌剧传统的比较分析也让我受益匪浅，作者从意大利、法国、德国等不同维度，阐述了各国民众的审美偏好和文化背景如何塑造了各自的歌剧风格，例如，他对法国大歌剧的分析，就特别强调了其宏大的场面、芭蕾的运用以及对社会现实的关注。

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一直以来，我对歌剧的理解都停留在皮毛，认为它只是华丽的声乐表演。《歌剧概论》这本书，以其精妙的架构和深刻的见解，让我重新认识了歌剧的艺术价值和历史意义。这本书最令我称道的是它对于“歌剧形式的演变”的梳理。作者并没有简单地按照时间顺序罗列作曲家和作品，而是深入分析了歌剧在不同历史时期是如何受到社会、文化和技术进步的影响，并不断进行自我革新的。我特别欣赏作者在分析巴洛克时期歌剧时，对“卡斯特拉托”（阉人歌手）的详细介绍。他不仅描述了卡斯特拉托独特的演唱方式和艺术地位，还探讨了这一现象背后所反映的社会文化背景，以及它对歌剧音乐创作和表演带来的影响。例如，作者在分析亨德尔的《凯撒》时，就详细解析了卡斯特拉托扮演凯撒时的那种雄浑而又富于技巧的演唱，以及这种演唱如何成为当时歌剧的标志性特征。书中对“歌剧院”的讨论也让我耳目一新，作者不仅介绍了不同时期歌剧院的建筑风格和功能，还探讨了歌剧院作为社会文化中心所扮演的角色，以及它如何影响了歌剧的传播和发展。我尤其喜欢他对19世纪德国歌剧院的分析，它不仅仅是音乐演出的场所，更是民族认同和社会交流的平台，例如，拜罗伊特节庆剧院的建立，就体现了瓦格纳“总体艺术”的理念以及其对民族文化复兴的追求。

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这本书真是为我打开了一扇新世界的大门！作为一个对歌剧完全陌生的初学者，我一直觉得歌剧是那种高高在上、遥不可及的艺术形式，充满了晦涩难懂的意大利语和过于戏剧化的表演。然而，《歌剧概论》彻底改变了我的看法。作者并没有一开始就陷入复杂的音乐理论或历史考证，而是从歌剧最核心、最吸引人的部分——故事和情感——入手，循序渐进地引导读者。我印象最深的是第一章对“咏叹调”的解析，作者用生动的比喻将咏叹调比作角色内心独白的舞台呈现，解释了它如何通过旋律、节奏和演唱者的情感投入来传递角色的喜怒哀乐。我甚至可以想象出《卡门》中，卡门在演唱“哈巴涅拉”时那种慵懒而又充满魅力的姿态，以及普契尼笔下《图兰朵》中，卡拉夫王子在听到“今夜无人入睡”时那种坚定而又充满希望的情感。这本书的语言非常平实，没有使用太多专业术语，即便偶有涉及，作者也会给出清晰易懂的解释。我特别喜欢作者在介绍不同时期歌剧风格时，会穿插一些具体的作品片段和音乐家的故事。比如，在讲到巴洛克时期的歌剧时，作者详细介绍了亨德尔的《塞尔塞》中“广阔的海洋”这首著名的咏叹调，不仅分析了其音乐结构，还讲述了演唱这首咏叹调的著名阉人歌手卡拉斯特拉特的传奇经历。这种将音乐、故事和历史人物有机结合的方式，让我在学习知识的同时，也感受到了歌剧背后的人文魅力。这本书的排版也很舒适，字号大小适中，章节划分清晰，让我能够轻松地沉浸其中，不知不觉就读了许多。总而言之，《歌剧概论》是一本非常适合想要了解歌剧的读者入门的书籍，它用最真诚、最接地气的方式，展现了歌剧的伟大之处。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期旅居海外的文化爱好者，我始终觉得歌剧是一种难以触及的艺术形式，充斥着我无法理解的文化符号和审美习惯。《歌剧概论》这本书，以其极其细腻的笔触和宏大的视野，为我打开了一扇通往歌剧世界的窗户。这本书最让我印象深刻的是它对“歌剧与社会”的深刻关联的探讨。作者并没有将歌剧视为脱离现实的艺术，而是将其置于广阔的社会历史背景下进行审视，分析了歌剧如何反映时代精神、如何参与社会讨论、以及如何塑造公众的审美趣味。我尤其喜欢作者在分析19世纪法国大歌剧时，对“政治隐喻”的解读。他认为，法国大歌剧中的宏大场面、英雄主义叙事以及对社会阶层冲突的描绘，都蕴含着当时法国社会动荡不安的政治气候和民族情绪。例如，梅耶贝尔的《先知》就通过宗教狂热和政治斗争的故事，反映了19世纪欧洲社会思潮的涌动。书中对“歌剧的普及与商业化”的讨论也让我深有体会，作者分析了从早期宫廷演出到如今大众化传播的过程中，歌剧所经历的挑战和机遇，以及不同时代人们对歌剧的消费方式和审美期待的变化。他讨论了唱片、广播、电视以及互联网等媒体如何改变了歌剧的传播方式，使得歌剧不再是少数精英的专属，而是能够触及到更广泛的观众群体。

评分☆☆☆☆☆

作为一名音乐学院的学生，我一直在寻找一本能够帮助我更深入理解歌剧精髓的参考书。《歌剧概论》无疑达到了我的期望。这本书最令我称赞的地方在于它对歌剧艺术创作和表演实践的细致考察。作者并没有仅仅停留在理论层面，而是将目光投向了舞台，深入剖析了歌剧作为一门综合性艺术形式，其音乐、戏剧、舞美、服装等各个元素是如何协同作用，共同营造出震撼人心的艺术效果。我尤其对书中关于“人声”的章节印象深刻。作者详细阐述了不同声部（如女高音、男高音、男中音等）的音域特点、音色差异以及它们在歌剧中所扮演的角色类型，并且结合了许多具体的例子，比如，在分析普契尼的《波西米亚人》时，作者就细致地分析了咪咪这个女高音角色是如何通过其纯净而富有情感的歌声来表达纯真爱情的，同时也对比了穆塞塔这个角色，她的声音更加华丽、充满激情，展现了她的复杂性格。他还探讨了歌唱技巧的演变，从早期强调炫技的“花腔”到后期追求情感表达的“美声”，以及现代歌剧对声音表现力的拓展。这一点对我来说非常有启发。此外，书中对歌剧导演艺术的探讨也让我耳目一新。作者分析了不同导演如何通过对剧本的理解、对音乐的解读以及舞台呈现的创新，赋予了经典歌剧新的生命力。他对 regista (导演) 的角色进行了详细的剖析，并列举了例如彼得·舒恩菲尔德 (Peter Shuenfeld) 或弗朗切斯科·科西 (Francesco Corsi) 等一些著名导演的作品，来展现他们如何通过独特的舞台概念、视觉语言和对演员的指导，将歌剧从一个历史文本转化为当代观众能够感同身受的艺术体验。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对声乐表演充满热情的歌唱爱好者，《歌剧概论》这本书对我来说，简直是如获至宝。它不仅仅是关于歌剧的介绍，更是对歌剧表演艺术的深刻探究，让我对如何用声音传递情感、如何塑造角色有了更清晰的认知。书中关于“歌唱技巧与情感表达”的章节，是我最喜欢的部分。作者没有简单地罗列各种演唱技巧，而是深入分析了这些技巧如何服务于音乐和戏剧的表达，如何通过声音的控制、情感的投入来塑造丰满的人物形象。我特别欣赏作者在分析普契尼歌剧时，对“情感的爆发力”的解读。普契尼的歌剧以其强烈的戏剧张力和动人心魄的情感著称，而这很大程度上取决于他的歌剧音乐如何将角色的内心激情推向高潮。例如，在《托斯卡》中，作者就详细分析了托斯卡在第一幕中唱的咏叹调“为了艺术，为了爱”，如何通过她跌宕起伏的旋律和充满力量的嗓音，将她对艺术的执着、对爱情的渴望以及对命运的无奈展现得淋漓尽致。书中对“歌剧的导演艺术”的探讨也让我深受启发，作者认为，优秀的歌剧导演不仅仅是舞台的组织者，更是音乐的解读者和戏剧的再创造者，他们通过对剧本的理解、对音乐的领悟以及对演员的引导，赋予了经典歌剧新的生命力。例如，他以一些著名的歌剧节庆活动为例，分析了导演如何通过创新的舞台设计、服装造型以及表演方式，将古老的歌剧故事呈现给当代观众，让他们产生共鸣。

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我一直对歌剧抱有一种敬畏之心，觉得它过于复杂和沉重，难以接近。《歌剧概论》的出现，彻底颠覆了我的这种观念，让我看到了歌剧的另一面——它的趣味性、它的情感力量，以及它与我们生活的深刻联系。这本书的语言风格非常灵活多变，既有学术的严谨，又不乏生动的叙事。我特别喜欢作者在介绍歌剧的起源时，那种娓娓道来的叙事方式。他没有直接枯燥地陈述历史事实，而是通过讲述16世纪末意大利佛罗伦萨的“卡梅拉塔”学派如何试图复兴古希腊戏剧的辉煌，以及他们如何将音乐、诗歌和戏剧融为一体，从而催生了最早的歌剧《尤里狄切》的故事，让我仿佛置身于那个充满创意的时代。他对于“宣叙调”的解释也十分到位，将它比作“说话的音乐”，强调了它在推动剧情、交代背景方面的作用，并通过《唐·乔望尼》中唐·乔望尼被魔鬼拖入地狱的宣叙调，展现了其在营造紧张氛围、推动情节高潮方面的强大力量。这本书的章节设置也很人性化，每一章都聚焦于一个特定的主题，并且提供了一些延伸阅读的建议，让我能够根据自己的兴趣进行更深入的探索。例如，在谈到歌剧中的“爱情主题”时，作者不仅分析了《罗密欧与朱丽叶》、《崔斯坦与伊索尔德》等经典爱情故事，还探讨了不同时期歌剧对爱情的理解和表现方式的演变，从早期的浪漫主义的纯粹爱情，到现代歌剧对爱情的复杂性和多重性的挖掘。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为歌剧是音乐世界中最具表现力的形式之一，而《歌剧概论》这本书则以其独特的视角和深刻的洞察力，将我带入了一个前所未有的歌剧世界。《歌剧概论》最让我着迷的是其对于“戏剧性”的深入挖掘。作者并没有将歌剧简单地视为音乐的载体，而是将其看作是一种高度集成的戏剧艺术，音乐在这里不仅仅是烘托气氛，更是推动剧情、塑造人物、表达情感的关键要素。我特别喜欢作者在分析威尔第歌剧时，对“冲突”的处理方式的解读。威尔第歌剧的魅力在于其对人性复杂性的深刻洞察，以及他如何通过音乐来放大这些冲突。例如，在《弄臣》中，作者详细分析了弄臣和公爵之间的权力对抗，以及吉尔达对父亲的忠诚和对公爵的爱慕之间的挣扎，他解释了威尔第如何通过咏叹调、重唱和合唱等音乐形式，将这种内心的矛盾和外在的冲突淋漓尽致地呈现在观众面前，让人为之动容。书中对“咏叹调”的阐释尤为精彩，作者不仅解释了它的基本结构，更将其视为角色内心世界的独白，通过旋律、节奏和歌唱者的情感投入，将人物最深层次的情感表达出来，例如，他对《茶花女》中薇奥莱塔的咏叹调“饮酒歌”的分析，不仅仅是介绍其欢快的旋律，更是深入探讨了她在表面欢愉下的忧伤和对生命的渴望。同时，作者也探讨了歌剧音乐如何回应社会变革，例如，在分析20世纪歌剧时，作者就指出了新古典主义、序列主义以及电子音乐等不同流派的出现，以及它们如何反映了战后社会动荡不安的时代背景。

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此书重点可能在于后半部分的每部歌剧鉴赏，前半部分大致对歌剧做了概述。

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名剧鉴赏部分居多，为了解剧目而看也不错。

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名剧鉴赏部分居多，为了解剧目而看也不错。

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第三章歌剧与戏剧之比较。还有姓南的！额，一直以为南怀瑾只是个笔名呢。

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此书重点可能在于后半部分的每部歌剧鉴赏，前半部分大致对歌剧做了概述。