中国作曲技法的衍变

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出版者:中央音乐学院出版社
作者:王震亚
出品人:
页数:290
译者:
出版时间:2004-1
价格:29.00元
装帧:平装
isbn号码:9787810960335
丛书系列:
图书标签:
  • 音乐
  • 作曲
  • 研究
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具体描述

《中国作曲技法的衍变》研究了自西方专业作曲技法从20世纪输入我国以后,我国出现的新型音乐创作的历史背景、发展、作品等。

《中国作曲技法的衍变》 本书是对中国作曲技法发展脉络的一次深度梳理与历史性探讨。它并非对某一具体作曲家或某一特定时期作品的详尽分析,而是旨在勾勒出中国音乐创作在漫长历史长河中所经历的技法革新、风格演变以及思想观念的变迁。 书中首先回溯了中国古代音乐的创作基础。这包括对早期记谱法、音乐理论(如五声、七声体系的形成与运用)、以及影响创作的哲学思想(如道家、儒家思想与音乐的关联)进行考察。作者将重点关注古代音乐如何运用简约而富有表现力的旋律、独特的音色选择以及注重意境营造的作曲原则。例如,对古琴音乐中“取其声而无俗调”的艺术追求,对雅乐中等级森严的音乐体制与创作规则的阐释,都将展示出古代中国作曲技法独特的哲学内涵和审美取向。 随后,本书将目光投向中国音乐在近现代的转型。这里将详细阐述西方音乐理论和作曲技法传入中国后,对本土音乐创作产生的深刻影响。这包括但不限于:和声、复调、曲式结构等西方音乐元素在中国作曲家手中的吸收、融合与再创造。作者将辨析中国作曲家如何在保持民族音乐特性的同时,借鉴西方先进的作曲理论,从而拓展了音乐的表现力与创作手法。例如,对早期使用西方调式和和声的民族器乐作品的分析,对中国歌剧、交响乐等大型体裁在创作上所进行的探索,都将是重点关注的领域。 书中还将重点分析20世纪以来中国作曲家在民族化道路上的不懈追求。这包括对民族音乐素材(如民间歌曲、戏曲音乐、器乐曲牌等)在现代作曲中的运用,以及如何将民族音调、音乐思维与现代作曲技法相结合,形成具有鲜明民族特色的现代音乐。例如,对具有代表性的中国现代作曲家的创作理念和作品风格进行个案研究,解析他们如何通过对民族音乐语汇的提炼和创新,构建出独特的艺术风格,赋予中国音乐以时代精神和国际视野。 此外,本书还探讨了中国作曲技法在不同时代背景下的思想解放与艺术创新。在改革开放后,中国音乐创作迎来了更加多元化的发展机遇。作者将深入研究中国作曲家在接受国际前沿作曲技法(如序列音乐、电子音乐、简约主义等)的同时,如何坚守民族文化的根基,创作出既有国际性又有鲜明中国风格的作品。这包括对不同学派、不同创作理念的比较分析,以及对新生代作曲家在技法创新和风格探索上的前瞻性观察。 本书旨在提供一个宏观的视角,帮助读者理解中国作曲技法并非一成不变,而是在历史的进程中不断吸收、融合、创新,形成了丰富多彩、各具时代特色的发展脉络。它强调的是一种动态的历史观,而非僵化的理论梳理。通过对中国作曲技法衍变过程的深入剖析,本书旨在为音乐理论研究、音乐教育以及当代音乐创作提供有益的启示和深刻的借鉴。它所关注的,是中国音乐艺术在世界音乐大背景下,如何保持自身独特魅力并不断焕发新的生命力的永恒课题。

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目录信息

读后感

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用户评价

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我是一名对民族音乐充满热情的音乐教育工作者,一直致力于将中国优秀的传统音乐融入到教学中。《中国作曲技法的衍变》这本书,可以说是我教育事业中的一份宝贵财富。书中对不同时期作曲技法的详细解析,为我的教学提供了坚实的理论基础和丰富的实践素材。我尤其欣赏书中对如何将传统作曲技法与现代教育理念相结合的思考。例如,书中提到的“转调”技巧在现代音乐教育中的应用,以及如何通过分析传统乐曲来培养学生的乐感和创作能力,都给了我很大的启发。我尝试着将书中关于五声性旋律创作的原则,融入到我的少儿音乐启蒙课程中,效果显著,孩子们不仅学会了创作出富有中国特色的旋律,也对中国音乐产生了浓厚的兴趣。此外,书中对音乐“结构”的分析,也帮助我更好地设计教学环节,让学生能够循序渐进地掌握复杂的音乐知识。这本书,让我更加坚定了传承和发扬中国音乐的信心。

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《中国作曲技法的衍变》这本书,以一种前所未有的方式,揭示了中国音乐深邃而迷人的内在逻辑。我一直认为,音乐是文化的载体,而这本书则将中国音乐的文化基因,通过作曲技法的演变,展现得淋漓尽致。作者不仅关注技法的变化,更深入到对这些技法背后所蕴含的哲学思想、审美观念以及社会文化背景的解读。我惊叹于书中对“意境”在中国音乐创作中的重要作用的论述,以及如何通过旋律的起伏、节奏的疏密、音色的变化来营造出独特的意境。书中对不同时期音乐“风格”的分析,也让我对中国音乐的多样性有了更深刻的认识。我尝试着去模仿书中对一些古代乐曲的创作手法,虽然过程充满挑战,但每一次的尝试,都让我对中国音乐的理解更进一层。这本书不仅是知识的传递,更是一种艺术的启迪,让我得以用更广阔的视野去欣赏和理解中国音乐的独特魅力。

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我是一名古筝爱好者,平时练习的曲目大多是明清时期的筝曲,但总感觉对这些作品的文化背景和创作手法了解不够深入。《中国作曲技法的衍变》这本书,为我提供了一个绝佳的视角来重新审视我所熟悉的音乐。书中关于不同时期器乐创作手法的分析,尤其是对筝、箫、琵琶等乐器的音乐特性及其在作曲技法中的运用,都让我受益匪浅。我了解到,在不同的历史时期,同一乐器在音乐表现上有着截然不同的侧重点,而这些变化,都与当时的社会审美和音乐理论发展息息相关。书中对一些著名筝曲的创作背景和技法特点的深入剖析,让我对弹奏这些曲子时如何更好地把握其情感内涵有了更深的理解。例如,书中对《高山流水》等经典作品的分析,让我意识到,理解其背后的作曲技法,才能真正弹奏出其意境。这本书为我提供了一个连接演奏与理论的桥梁,让我不仅仅是机械地弹奏,更能从更深层次上理解和传承中国音乐。

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作为一名业余作曲爱好者,我一直苦于找不到真正能指导我创作的书籍。《中国作曲技法的衍变》的出现,无疑是我寻觅已久的灯塔。我惊叹于作者对中国传统音乐的深刻洞察,以及将抽象的作曲理论转化为具体、可操作的创作方法的强大能力。书中对五声、七声音阶在不同时期、不同地域的运用,以及如何在此基础上进行旋律发展和织体构建的讲解,都给了我极大的启发。我尤其印象深刻的是关于“宫”的运用,作者不仅解释了其理论上的意义,还通过具体的乐曲片段示范了如何利用“宫”来营造特定的情感氛围和音乐色彩。书中对“减字谱”的解读和转化,也让我看到了古人智慧的结晶,并尝试将其应用于我的现代创作中,收效显著。我发现,书中提出的许多传统技法,如“叠句”、“衬词”等,经过巧妙的运用,完全可以与现代音乐元素融合,产生出既有民族韵味又不失时代感的音乐作品。这本书让我明白,中国作曲技法的精髓并非只属于过去,而是可以穿越时空,成为我们当下创作的宝贵财富。它不仅仅是知识的传授,更是创作灵感的源泉,让我对未来的创作充满了信心和期待。

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《中国作曲技法的衍变》这本书,可以说是为我这样一位虽然对中国音乐充满好奇,但又因为专业知识的匮乏而常常感到无从下手的人,量身定做的。作者的语言风格非常亲切自然,没有丝毫的学术架子,让人读起来感觉就像是在和一位博学的长者聊天。他将那些原本复杂晦涩的音乐理论,用通俗易懂的语言加以解释,并辅以生动的比喻和形象的描述,让我这个非专业人士也能轻松理解。我印象最深刻的是书中关于“变宫”和“变徵”的阐述,我一直觉得中国古代音乐的调式变化十分奇妙,但总抓不住其中的规律,《中国作曲技法的衍变》这本书却让我豁然开朗。作者通过大量的乐谱分析,清晰地展示了这些调式是如何在实际创作中被运用,从而达到丰富音乐色彩和表达复杂情感的目的。读这本书,我不再感到被音乐理论所束缚,反而从中发现了中国音乐的无限可能性。它不仅满足了我对中国音乐的好奇心,更激发了我深入学习和探索的动力。

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我是一名对历史文化有着浓厚兴趣的普通读者,虽然我对音乐并非专业人士,但《中国作曲技法的衍变》这本书,却让我以一种全新的视角去理解和欣赏中国博大精深的文化。作者用流畅的叙事,将历史的洪流与音乐的潮汐巧妙地交织在一起。我仿佛看到,在汉代,简单的宫廷雅乐如何随着礼乐制度的演变而逐渐丰富;在唐代,胡汉音乐的融合如何在长安城谱写出盛世的华章;在宋代,市井百姓的歌谣如何渗透到文人的词曲之中,展现出的是一个充满活力的音乐生态。书中对不同时期音乐的社会功能、审美取向以及与其他艺术形式(如绘画、诗歌、舞蹈)的互动关系也进行了详尽的论述,这使得音乐不再是孤立的存在,而是融入了整个社会文化的肌理之中。我尤其喜欢作者在描述音乐技法时,会穿插大量的历史典故和人物故事,这让原本可能枯燥的音乐理论变得鲜活有趣。读完这本书,我对中国音乐的历史脉络有了更清晰的认识,也更加理解了每一首古老旋律背后所承载的文化信息和时代记忆。它是一本能够激发人们对中国文化产生更深层次探究欲望的书籍。

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《中国作曲技法的衍变》这本书,如同在浩瀚的星空中为我点亮了一盏指路明灯,让我得以窥见中国音乐发展的璀璨星河。我一直对中国音乐那独特的韵味和深厚的底蕴充满敬意,但往往不知从何处着手去理解。这本书的出现,彻底改变了我的认知。作者以其渊博的学识和对音乐艺术的深刻理解,为我勾勒出了中国作曲技法从远古走向现代的清晰轨迹。书中对早期音乐形式的考证,例如雅乐的结构和演唱方式,以及早期民歌的特点,都让我惊叹于先民们在音乐创作上的智慧。而随着历史的推进,书中对宫廷音乐、宗教音乐、戏曲音乐、以及民间器乐等多种音乐形式的作曲技法演变的梳理,更是让我目不暇接,却又条理清晰。我尤其喜欢书中对音乐“功能”的探讨,即不同旋律、节奏、配器是如何服务于特定的情感表达和叙事目的的。这本书让我明白,中国作曲技法并非僵化的教条,而是在历史的河流中不断自我更新和发展的生命体。

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作为一名音乐学专业的学生,我一直在寻找一本能够系统梳理中国音乐发展脉络,并深入解析其作曲技法的权威著作。《中国作曲技法的衍变》无疑满足了我对学术严谨性和理论深度的双重需求。作者在书中对历代作曲技法的梳理,并非简单地罗列,而是深入到对具体创作理念、技法特点以及理论依据的探讨。我特别欣赏书中对中国音乐“写意”与“写实”在作曲技法上的体现,以及如何在旋律、节奏、和声(尽管中国音乐不强调西方的功能和声)等维度上展现这种哲学思想。书中对“散声”的运用,以及不同时期乐器在音乐表现中的功能变化,都进行了令人信服的分析。作者的论述逻辑严谨,引用史料翔实,对不同学派的观点也进行了客观的评价和梳理,为我提供了非常宝贵的学术参考。这本书不仅仅是对中国作曲技法的介绍,更是一种对中国音乐审美精神的深度挖掘。它为我日后的学术研究和音乐实践提供了坚实的基础和广阔的视野。

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这本书简直是一场穿越时空的音乐盛宴!我一直对中国古典音乐情有独钟,但总感觉自己只是隔着一层朦胧的面纱在欣赏,缺乏对它深层结构的理解。《中国作曲技法的衍变》就像一把金钥匙,为我打开了这扇尘封已久的大门。作者以极其细腻的笔触,追溯了从先秦古乐的质朴,到唐宋宫廷音乐的辉煌,再到明清民间小调的婉转,每一个历史时期作曲技法的脉络都梳理得清清楚楚。我尤其喜欢书中对不同朝代乐器组合、调式运用以及旋律创作手法的深入剖析。例如,书中对唐代燕乐的描述,不仅让我们了解到其复杂的配器和华丽的旋律,更让我们体会到当时开放包容的文化氛围如何孕育出如此灿烂的音乐。而书中对宋词音乐化的研究,更是让我对那些耳熟能详的词牌有了全新的认识,原来它们背后蕴含着如此精妙的音乐构思。作者并非枯燥地罗列史实,而是将音乐理论与历史文化紧密结合,让我仿佛置身于那些音乐发生的年代,亲身感受中国音乐的呼吸与脉动。即使是对音乐理论不太熟悉的读者,也能在作者清晰的逻辑和生动的语言引导下,逐渐领略到中国作曲技法演变的魅力。这本书不仅仅是一本学术专著,更是一部关于中国音乐灵魂的深度探索,读完之后,我对中国音乐的理解上升到了一个全新的境界。

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作为一名音乐评论家,我一直在寻找能够深刻理解和评判中国音乐作品的理论依据。《中国作曲技法的衍变》这本书,为我提供了这样一个系统而全面的视角。作者在书中对中国作曲技法的演变历程进行了详尽的梳理,并深入分析了不同时期作曲家们在技法上的创新与突破。我尤其欣赏书中对“旋律线”的分析,以及如何通过对旋律线条的把握来塑造音乐的张力和情感。书中对中国音乐“赋格”与“对位”的思考,虽然与西方音乐的概念有所不同,但作者的分析让我看到了中国音乐在处理声部关系上的独特之处。此外,书中对不同时期音乐“调式”的演变和运用,也为我理解中国音乐的色彩和情感表达提供了重要的线索。读完这本书,我能够更准确地辨析不同作品的风格特点,更深入地理解作曲家们的创作意图,从而写出更具洞察力的音乐评论。这本书,无疑是我在音乐评论领域不可或缺的参考工具。

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