中国画自学丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:山东美术出版社

作者:兰巧峰

出品人:

页数:14

译者:

出版时间:1999-12

价格:5.50元

装帧:平装

isbn号码:9787533013714

丛书系列:

图书标签:

• 中国画
• 绘画
• 艺术
• 自学
• 教程
• 技法
• 入门
• 文化
• 国画
• 绘画技巧

《中国画自学丛书》是一套旨在为中国画爱好者和初学者提供系统性学习指导的系列图书。本套丛书并非一本包含所有中国画内容的百科全书，而是精选了中国画领域中最具代表性、最实用、最易于入门的几个关键方向，分门别类地进行深入浅出的讲解。每一册图书都专注于中国画的一个重要方面，力求让读者在掌握理论知识的同时，也能通过大量的实践练习，逐步培养中国画的笔墨韵味和艺术表现力。 第一册：中国画基础笔墨技法 这一册是整个丛书的基石，将带领读者走进中国画的笔墨世界。内容涵盖了中国画最核心的绘画工具——毛笔、墨、砚、宣纸的认识与选择，以及如何正确握笔、运笔，形成不同力道、速度和方向的线条。我们将从最基本的“点”、“线”、“面”的运用开始，详细讲解“皴法”的起源与发展，并重点介绍几种最常用、最基础的皴法，如披麻皴、斧劈皴、雨点皴、解索皴等，阐释它们在表现山石纹理、体积感方面的作用。 此外，墨色的运用也是本册的重点。读者将学习到“墨分五色”的奥秘，理解浓、淡、干、湿、润墨的调配与运用，如何通过墨色的变化来表现物体的层次、质感和光影。例如，在描绘山峦时，如何运用深浅不同的墨色来区分远近、明暗；在勾勒树木枝干时，如何利用墨的干湿变化来表现其苍劲或柔嫩的形态。 本册还将介绍中国画的“勾填法”和“没骨法”两种基础的设色与造型方式。勾填法侧重于先用墨线勾勒轮廓，再填染色彩，适合表现工整、细腻的物象。没骨法则不依赖墨线，直接用色彩或墨色来塑造形体，更显写意与灵动。我们会通过大量的图例和示范，让读者直观地理解这些技法的差异与应用。 实践部分将提供大量的临摹范例，从简单的几何图形、线条组合，到模仿古代名家笔意的简单山水、花鸟局部，引导读者一步步夯实笔墨基础。每章节后都配有练习题，鼓励读者动手实践，并将自己的练习作品与范例进行对比，找出不足，不断提高。 第二册：山水画入门与创作 在掌握了基础笔墨技法后，本册将带领读者专注于中国画中最具代表性的题材之一——山水画。山水画不仅仅是对自然景物的描绘，更是画家胸中丘壑的抒发，是“外师造化，中得心源”的艺术实践。 本册将从山水画的构图原理入手，介绍中国画山水画的经典构图模式，如“三远法”（高远、深远、平远），以及如何利用“借景”、“散点透窍”等手法打破西方绘画的焦点透视，创造出更具东方意境的空间感。我们将分析古今名家山水画的构图范例，讲解如何安排主体、陪体、虚实，以达到画面的平衡、和谐与意趣。 在物象的描绘上，本册将细致讲解山石、树木、云水、屋宇等山水画的常见元素。山石部分将结合第一册介绍的皴法，讲解如何根据山石的种类、形态，选择合适的皴法，并结合墨色的变化来表现其坚硬、浑厚、嶙峋或柔和的质感。树木部分将分类介绍松、竹、梅、柳、杂树等不同树种的画法，讲解树干、树枝、树叶的勾勒与点染技巧，以及如何表现树的姿态、生命力。云水部分将讲解如何用淡墨、飞白、破笔来表现云的飘逸、水的灵动。屋宇部分则会介绍山水画中建筑的写意画法，强调其与自然环境的融合。 本册的创作部分将引导读者将所学技法融会贯通，尝试进行简单的山水画创作。我们会提供一些主题性的创作指导，例如如何表现春、夏、秋、冬四季的山水景色，如何描绘雨后初霁、烟雨迷蒙的意境。同时，也会鼓励读者走出户外，观察自然，写生速写，并将写生稿转化为山水画的创作素材。大量的示范作品将贯穿全书，从构图、笔墨到设色，提供全方位的创作思路。 第三册：花鸟画写意技法 花鸟画是中国画的另一大重要题材，它以其鲜活的生命力和吉祥的寓意，深受人们喜爱。本册将专注于花鸟画的写意技法，引导读者捕捉花鸟的生命瞬间，并赋予笔墨以灵魂。 本册将首先介绍花鸟画的写意精神，即“不求形似，但求神似”，如何通过简练的笔墨，传达出花鸟的神态、情感和生命力。我们将从观察与写生入手，强调对花鸟形态、动态、习性的深入了解，这是写意画的基础。 在物象的描绘上，本册将重点讲解花鸟画中最常见的几种题材：花卉、禽鸟、昆虫。花卉部分将分类介绍梅、兰、竹、菊“四君子”的画法，以及牡丹、荷花、桃花、月季等其他常见花卉的勾勒、点染技巧，讲解花瓣、花蕊、花梗的形态变化，以及如何表现花的盛开、含苞、凋零的不同状态。禽鸟部分将讲解鸡、鸭、鹅、鹰、雀等不同禽鸟的身体结构、羽毛的描绘方法，以及如何捕捉它们飞、栖、啄食、鸣叫等生动姿态。昆虫部分将介绍蝴蝶、蜻蜓、蝈蝈等常见昆虫的画法，以及如何表现它们的轻盈与灵动。 本册的重点在于写意笔法的运用。我们将讲解如何运用“写意草虫”的技法，以简练的笔触勾画出虫的动态；如何运用“大写意”手法，泼墨写意地表现花卉的饱满与生机。我们将讲解“积墨法”、“破墨法”、“积色法”等技法在花鸟画中的应用，如何利用墨色与色彩的巧妙结合，创造出丰富而富有表现力的画面。 创作部分将引导读者进行花鸟画的独立创作。我们会提供一些组合性的创作思路，例如如何将花与鸟巧妙地组合成一幅富有诗意的画面，如何表现鸟在花间的栖息、嬉戏的场景。同时，也会鼓励读者进行独立观察与写生，尝试将自己的观察所得转化为充满个性的花鸟画作品。本册将配备大量精彩的示范作品，涵盖不同的风格与技法，为读者的创作提供灵感与参考。 本套丛书的特点： 系统性与层次性： 从基础笔墨技法到具体的题材创作，循序渐进，让初学者有清晰的学习路径。 实用性与可操作性： 理论讲解深入浅出，配合大量的图例、示范和练习，易于理解和模仿。 写意精神的传承： 强调中国画的写意精神，引导读者理解和掌握写意笔墨的精髓。 鼓励创新与个性： 在夯实基础的同时，鼓励读者观察生活，形成自己的艺术语言。 精炼的选题： 聚焦中国画中最受欢迎、最易于入门的几个核心领域，避免内容过于庞杂。 《中国画自学丛书》希望成为您踏入中国画艺术殿堂的可靠向导，让您在探索笔墨的无穷魅力中，找到属于自己的艺术乐趣与成就。

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这套书的排版和装帧设计，充满了对传统文化的敬畏感。纸张的选择非常考究，不是那种反光的铜版纸，而是吸墨性恰到好处的哑光纸，非常适合用毛笔反复练习。我这个人动手能力相对较弱，看书往往是“一目十行”，但拿到这套书，我不得不放慢速度。每一个范例旁边，都会用非常精炼的文字标注出关键的笔触细节和用墨的控制要点，这些标注不是那种生硬的术语，更像是经验丰富的老画家在耳边低语。我发现它在讲解花卉的时候，特别强调了对植物生长习性的观察，比如画梅花，它会让你先去观察真实的腊梅，感受它的虬曲和生命力，然后再提笔。这种“师法自然”的理念贯穿始终，而不是仅仅停留在对古人技法的机械模仿上。这种强调“胸中有丘壑”的教学方式，让我意识到国画的精髓远超于笔墨技巧的堆砌。虽然学习过程有些枯燥，需要极大的耐心去重复练习那些看似简单的线条和墨团，但每当我攻克一个难点时，那种成就感是无可替代的，它让我对自己的进步充满了信心。

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这套书拿到手里，厚实得像一块小砖头，封面设计挺朴素的，有点老派国画那种宣纸的味道。我本来是抱着试试看的心态买的，因为自学国画这条路我摸索了很久，市面上那些零散的资料看得我眼花缭乱，总觉得不成体系。打开第一页，我就被那种由浅入深的编排方式给吸引住了。它不是那种直接给你看成品然后让你模仿的教材，而是从最基础的笔墨、皴法、点厾这些“内功心法”开始讲起，讲得特别细致，连拿笔的力度、腕部的转动都有图文并茂的解释。我以前总觉得光靠看别人的画就能学会“气韵生动”，结果画出来的东西总是僵硬无比。这套书却很耐心地把“气”的来源给拆解了，告诉你线条的提按顿挫是如何影响画面的生命力的。特别是关于“墨分五色”的讲解，它不是简单地告诉你浓、淡、干、湿，而是结合了不同纸张的洇化效果进行对比演示，看得我茅塞顿开。我试着按照书里的方法去练习，发现原本一团黑的墨色，开始有了层次感，这是我之前临摹几百张古画都没领悟到的窍门。可以说，这套丛书为我打下了一个非常扎实的功底，让我从“想画”的阶段，真正迈入了“能画”的门槛。它更像是一位严谨的老师，而不是一个随便的指导手册。

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说实话，我一开始对这套丛书的期望值其实挺低的，毕竟现在市面上的“速成”读物太多了，恨不得你翻两页就能画出大师的样子。但这本书完全反其道而行之，它让你慢下来，慢到几乎有点“折磨人”的地步。我记得光是画竹子的枝干，它就用了整整两章的篇幅，从竹节的结构到新竹的嫩度，再到老竹的苍劲，每一种状态都有对应的练习范例和理论支撑。最让我印象深刻的是，它没有局限于某一个画种，而是涵盖了山水、花鸟甚至人物的局部造型基础。这对我这种想博览群书但又没时间一一拜师的人来说，简直是救命稻草。我尤其喜欢它在讲解构图时采用的“留白”哲学，它不只是告诉你哪里留白，而是深入探讨了留白在东方美学中的意义，如何通过计白当黑来营造意境和空间感。我尝试着画了一张小写意山水，虽然水平还很初级，但朋友看了都说，这次的画好像“活”了，有了呼吸感。这种从根本上纠正你审美观念的引导，才是这套书最宝贵的地方，它教的不是“怎么画”，而是“为什么这样画”。

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这套丛书的价值，不在于让你成为一个国画大师，而在于它为你提供了一张通往国画世界的详细地图，让你知道每一步该往哪里走。我个人最大的收获是关于“意境”的理解。它没有直接用玄乎的词汇来解释意境，而是通过对“气韵”的拆解和对“章法布局”的细致讲解来实现的。比如，在教画石头时，它会让你去思考石头的“筋骨”和“皮肉”，如何通过皴法的轻重缓急来表现岩石的年代感和风化痕迹。这种将抽象概念具象化的教学方法，极大地激发了我的创作欲望。当我第一次尝试自己构思一幅画时，我不再是茫然无措，而是能有意识地运用学到的各种“皴法”来为我的石头“塑形”，用“点厾”的浓淡变化来烘托天空的氛围。这套书的整体感觉是沉静、内敛且极富人文关怀的，它不追求速度，只看重积累和体悟，对于真正想静下心来做点“慢功夫”的人来说，是不可多得的宝藏。

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我之前在网上找过一些国画教程，很多都是录播课或者电子书，内容零散不说，而且很多都把“写意”这个概念给简化成了“随便画画”。这套《中国画自学丛书》彻底颠覆了我的认知。它系统地梳理了从篆隶楷行草在国画线条中的运用，特别是书法与绘画的融会贯通。它花了大量篇幅讲解了“骨法用笔”的内涵，让我明白，国画的线条不是用来描边的，而是用来塑造物体的内在结构和精神气质的。我最欣赏的是，它并没有强迫我一开始就选择一个固定的流派去钻研。相反，它引导我理解不同时代的风格差异，比如宋代的工整细腻和元代的逸笔洒脱之间的区别，并提供了不同风格的练习路径。这套书的图例非常丰富，不仅有高清的古代名作赏析，更有大量作者自己绘制的、专门用于演示技法难点的辅助图。这种双重对照，极大地降低了自学中对“参照物”的依赖性，让我能更清晰地辨别自己练习中的偏差，真正做到了“心中有数，手下有法”。

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