李抱--国画艺术:古代人物.

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isbn号码:9787540110611
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具体描述

丹青遗韵:中国古代山水画的境界与流变 图书简介 本书旨在深入探讨中国古代山水画这一独特而博大的艺术门类,梳理其自魏晋萌芽至清末成熟的漫长发展脉络,剖析其背后的哲学思想、审美取向及技法演变。我们不关注人物画的精妙刻画,而是聚焦于“可行、可望、可游、可居”的自然意境,探寻中国文人如何在笔墨之间,寄托乾坤,实现“不出户而游遍天下”的精神追求。 第一部分:山水画的哲学基石与早期形态(魏晋至唐代) 山水画的兴起,并非偶然,它是中国传统哲学——尤其是道家思想与儒家中庸之道的完美物化。魏晋时期,玄学盛行,“竹林七贤”与“隐逸”思潮的兴起,使得士大夫阶层开始从现实的政治泥沼中抽离,转而向往山林自然的超脱。 1.1 绘画的“格物致知”与玄学精神 山水画的诞生,是对传统“三教”中“天人合一”思想的直观表达。画家不再仅仅是描摹景物,而是通过对山石、云烟、树木的描绘,表达自己对宇宙本体的理解。此时期的山水画,往往气韵生动,强调“意在笔先”。 1.2 早期山水画的奠基者 东晋的顾恺之,虽然以人物画著称,但他对山水画的论述,特别是提出的“传神写照,妙在练意”,为后世山水画的写意精神定下了基调。然而,真正将山水画独立为一科的,是隋唐之际的几位巨匠。 1.3 盛唐气象:李思训的青绿山水 唐代是中国山水画的第一个高峰期。李思训父子开创的“金碧山水”,以矿物质颜料(石青、石绿)敷色,线条工整细密,气势恢宏,展现了大唐王朝的雄浑气魄。这种画法强调“界画”的严谨,是对自然景象的一种富丽堂皇的理想化再现。 1.4 笔墨的革命:王维的“水墨为上” 与李思训的工整富丽形成鲜明对比的是,王维提出了“笔墨当随时代”的口号,推崇水墨画法。他将诗歌的意境融入绘画,开创了“诗中有画,画中有诗”的文人画雏形。王维的山水画,不求形似,但求神似,这种对笔墨韵味的强调,为后世江南画派的发展埋下了伏笔。 第二部分:五代至宋代的“两派对立”与院体高峰 宋代是中国山水画技法与理论体系最为成熟的时期,形成了以院体(宫廷画院)和文人画(士大夫)为代表的两大主流。 2.1 荆、关、董、巨:北方山水的雄浑巨碑 五代时期,荆浩和关仝继承了唐代李思训的雄伟构图,但进一步将笔墨提升到哲学高度。荆浩的《匡庐图》展现了北方山川的磅礴气势,他提出的“以笔为主,以墨为次”的理念,强化了线条的结构性作用。 紧随其后,巨然和李成将对自然的观察推向极致。李成的寒林风格,用干笔皴擦,营造出萧瑟、清峻的意境。而董源和巨然则专注于江南平远的描绘,董源的“披麻皴”成为江南山水的基础笔法,强调温润、松软的土石质感。 2.2 宋院体的“格物致知”:追求极致的写实 宋徽宗时期,翰林图画院的体制达到鼎盛。院体画家如范宽、郭熙等人,在遵循“格物致知”的学术要求下,将观察细节推向了极致。 范宽的《溪山行旅图》是北方山水画的终极典范,其独特的“雨点皴”,仿佛将整座山体雕刻出来,展现了自然界无以抗拒的伟力。而郭熙在《林衡所说山水树石图》中提出的“高远、深远、平远”的“三远法”,不仅是构图理论的里程碑,更成为后世山水画不可逾越的框架。 2.3 文人画的崛起:苏轼与“论画非画” 与院体的“形似”相对,以苏轼、文同为代表的文人阶层则强调“意境”。苏轼提出的“论画以形似,见与鄙夫不肖”的观点,彻底确立了文人画重“神”轻“形”的审美标准。文同的墨竹,被视为文人画的典范——竹之有节,象征士大夫的操守。 第三部分:元四家的精神传承与笔墨演变 元代,由于汉族知识分子在政治上的失意,山水画的文人化进程加速,艺术的核心彻底转向个体精神的抒发和对古人经典的追溯。 3.1 元四家:复古与超越 黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙,合称“元四家”,他们不再致力于描绘写实的山川,而是将山水视为承载个人情怀的媒介。 黄公望:推崇董源,他的“披麻皴”更加松动、随性,讲究墨色的浓淡变化,追求一种浑厚圆润的“淡墨山水”之美。 吴镇:气质孤傲,他的笔墨简率,常用湿笔大墨,营造出苍茫、浑厚的意境,常以竹、梅入画,寄托隐逸之志。 倪瓒:独树一帜,风格极为萧疏冷寂。他的画作常用“折带皴”,结构简练到近乎抽象,画面空寂,留白极多,体现了“一洗万古凡马空”的审美追求。 王蒙:集前人之大成,他的画风繁密、层峦叠嶂,善用“牛毛皴”,笔法细密复杂,构图充盈,被认为是“元四家”中对后世影响最为深远的一位。 第四部分:明清山水画的“南北对峙”与复兴 明清时期,山水画的发展呈现出明显的分流与整合趋势,主要体现为对元代风格的继承与创新。 4.1 明代:吴门画派的江南雅逸 以沈周、文徵明、唐寅、仇英为代表的“吴门画派”,占据了明代中前期画坛的半壁江山。他们多继承元四家特别是王蒙和倪瓒的笔法,将笔墨的“写”与“赋”相结合。沈周的用笔浑厚,文徵明的工整秀雅,共同构筑了江南文人画的典范。 4.2 董其昌的“南北宗论”与文人画的理论化 董其昌是明末画坛的理论旗手。他提出了影响深远的“南北宗论”,将山水画划分为以李思训为代表的“北宗”(主形似,重工整,多青绿)和以王维为代表的“南宗”(主写意,重笔墨,多水墨)。他推崇“南宗”一脉,并将黄公望奉为正宗,这一理论极大地巩固了文人画的地位。 4.3 清代:四僧与四王 清初,山水画进入了争鸣的时代。 “四僧”的个性解放:八大山人(朱耷)和石涛(弘仁)是清初的革新者。八大山人以极度夸张的笔墨和近乎符号化的造型,表达了亡国之痛和个人孤愤,其画风冷峻、极具张力。石涛则高举“我自为家”的旗帜,反对泥古不化,他提出的“一画论”强调万物皆可入画,用笔奔放、淋漓,是清初最具创造力的画家之一。 “四王”的集大成:王时敏、王鉴、王翚、王原祁则主张遵循古法,尤其是对董其昌南北宗理论的实践。他们致力于集前代名家之大成,形成了程式化、精工细致的院体遗风,王原祁尤其擅长用笔,创造出“元气淋漓”的皴法。 结语 本书通过对古代山水画发展脉络的梳理,揭示了中国山水画艺术超越自然再现的本质——它是一部关于哲学、审美和文人精神的视觉史诗。从山石的皴法到云烟的晕染,每一笔墨都承载着中国士大夫对宇宙、生命以及艺术本体的深刻思考。

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《李抱——国画艺术:古代人物》这本书,给我带来了前所未有的艺术享受。我沉浸在李抱先生笔下那个充满魅力的古代人物世界里,久久不能自拔。我被他精湛的技艺所折服,那些细腻的笔触,流畅的线条,生动的色彩,无不展现出艺术家非凡的功力。我尤其喜欢书中关于人物服饰的描绘,那些繁复的纹饰,华丽的色彩,让我仿佛看到了古代社会的繁荣景象。同时,我也被人物内在的精神气质所打动。他笔下的文人,眼神中透露出清高与孤傲;他笔下的女子,眉宇间流淌着婉约与多情。这本书让我深刻地体会到,中国古代人物画不仅仅是对形体的描摹,更是对心灵的解读,对文化的传承。每一次翻阅,都能从中获得新的灵感和启迪,让我对中国传统艺术有了更深的敬意。

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我最近的阅读体验,可以说被《李抱——国画艺术:古代人物》这本书彻底点亮了。作为一名对中国传统艺术有着浓厚兴趣的爱好者,我一直渴望能够深入了解古代人物画的精髓。这本书恰恰满足了我所有的期待,并且远超我的想象。李抱先生的画作,其细腻之处,简直到了令人发指的地步。比如,他笔下仕女的衣袖,仿佛真的有轻柔的丝绸在随风飘动;又比如,他描绘的文人,那眼神中的忧郁与超然,简直能穿透纸面,直击人心。书中对于用墨的技巧,更是让我大开眼界。浓淡干湿,虚实相间,寥寥几笔,便能勾勒出人物的立体感和质感,这种“少即是多”的东方美学,在李抱先生的笔下得到了极致的体现。我特别欣赏书中关于人物精神气质的刻画,他不仅仅是画出人物的形,更是画出了他们的“神”。每一次翻阅,我都能从中发现新的细节,新的感悟。这本书就像一本永不枯竭的宝藏,每一次阅读都能有新的收获。

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最近拜读了《李抱——国画艺术:古代人物》一书,我真的被深深地吸引住了。这本书不仅仅是一本画册,更像是一扇窗户,让我得以窥探中国古代绘画的瑰丽世界。从书中的描绘可以看出,李抱先生对于古代人物画有着极其深厚的理解和驾驭能力。他笔下的人物,无论是帝王将相的威严,还是文人墨客的飘逸,抑或是仕女的温婉,都栩栩如生,仿佛穿越时空来到我眼前。我尤其对书中关于人物服饰、仪态的细致描绘印象深刻,这些细节的刻画,不仅展现了艺术家精湛的技艺,更传递了古代社会的风貌和文化内涵。书中对线条的运用也让我惊叹不已,或刚劲有力,或婉转流畅,不同的线条勾勒出不同的气质和神韵,让人领略到中国画“以线造型”的独特魅力。翻阅此书,我仿佛置身于一个流光溢彩的古代世界,与那些画中人进行着无声的交流。对于我这样一个热爱传统文化,又对绘画艺术充满好奇的读者来说,这本书无疑是一份珍贵的馈赠,它不仅满足了我的视觉享受,更在精神层面给予了我极大的启迪。我从中学习到了许多关于构图、设色、以及人物心理刻画的技巧,这些都将对我今后的艺术探索产生深远的影响。

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我必须说,《李抱——国画艺术:古代人物》这本书,完全颠覆了我之前对古代人物画的认知。我曾经以为,古代的人物画,要么是高高在上的帝王将相,要么是程式化的仕女,缺乏个性和情感。但这本书,彻底打破了我的这种刻板印象。李抱先生笔下的古代人物,充满了人性的光辉和真实的情感。我看到那些普通百姓的劳作,文人的闲适,甚至是一些历史事件中的普通人,他们的脸上都写满了故事。书中对于人物表情的刻画,尤其令人印象深刻。他能够捕捉到人物最细微的情绪变化,并将之转化为生动的笔触。我从中看到了中国画“以神写形”的最高境界。这本书的编排也十分用心,每一幅画作都配有详细的解读,让我能够更深入地理解画作背后的文化背景和艺术内涵。

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不得不说,《李抱——国画艺术:古代人物》这本书,是一次令人心旷神怡的艺术之旅。我从未想过,仅仅通过一本书,我能如此真切地感受到中国古代人物画的魅力。李抱先生的画风,在我看来,是一种传承与创新的完美融合。他继承了中国画“写意”的精髓,但在写意之中又注入了现代的审美观念,使得他的作品既有古韵,又不失时代感。书中对人物面部表情的刻画,更是出神入化。我能够从那些淡淡的眉宇间,读出人物的喜怒哀乐,感受到他们的内心世界。这种“以形写神”的境界,着实令人赞叹。我特别喜欢书中关于人物眼神的描绘,那眼神中仿佛蕴藏着千言万语,充满了故事性。这本书不仅让我欣赏到了精美的画作,更让我对中国古代人物的生活方式、思想情感有了更深的理解。它就像一位循循善诱的老师,带领我一步步走近中国古代艺术的殿堂。

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《李抱——国画艺术:古代人物》这本书,让我对中国传统绘画的理解,提升到了一个新的高度。我一直认为,人物画不仅是技巧的展现,更是情感的传达。李抱先生在这方面做得尤为出色。他笔下的人物,不仅仅是外表的描摹,更是内在精神的写照。我能够从画中感受到人物的悲欢离合,他们的喜怒哀乐,他们的风骨气节。书中的一些作品,描绘的是历史上的名人,李抱先生在尊重史实的基础上,融入了自己的理解和想象,使得这些人物形象更加饱满和生动。我尤其欣赏他对于人物动作的刻画,那些细微的动作,往往能传达出人物当时的心理状态,比如微微低垂的眼帘,或是紧握的拳头,都充满了叙事性。这本书让我看到了中国画的强大生命力,也让我对李抱先生的艺术才华肃然起敬。

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《李抱——国画艺术:古代人物》这本书,我可以说是一口气读完的,并且在读完之后,久久不能平静。它所展现出的不仅仅是绘画技巧的展示,更是一种对中国传统文化的深刻致敬。李抱先生在处理古代人物题材时,所表现出的那份敬畏之心和严谨态度,是现代很多艺术家所欠缺的。我反复品读了书中对几幅经典古代人物画的解读,那些对于人物眼神、表情、甚至是手部细微动作的分析,都让我茅塞顿开。他能够洞察到画中人物的情感世界,并将其用生动的笔触表现出来,这种功力实在令人折服。书中还涉及了一些古代绘画史料的考证,这让这本书的学术价值也大大提升。我尤其喜欢其中关于不同朝代人物画风格演变的论述,比如唐代的雍容华贵,宋代的清秀雅致,元代的潇洒率意,这些通过具体画作的对比分析,让我对中国古代绘画史有了更加清晰和立体的认识。这本书的装帧设计也十分考究,纸张的质感,印刷的色彩,都恰到好处地烘托了画作的意境,让人在阅读过程中获得全方位的愉悦体验。

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翻阅《李抱——国画艺术:古代人物》,我感觉自己仿佛穿越了时空,置身于古人的世界。李抱先生的画笔,拥有化腐朽为神奇的力量,他笔下的每一个人物,都有着鲜活的生命力。我特别着迷于他对人物衣褶的处理,那些流畅而富有弹性的线条,让衣衫仿佛有了质感和重量,又显得那么飘逸。书中的构图也十分讲究,人物之间的呼应,场景的烘托,都处理得恰到好处,使得画面既有焦点,又不失整体感。我从中学习到了许多关于如何运用留白来营造意境的方法,这在中国画中是极其重要的表现手法。书中对色彩的运用也让我眼前一亮,虽然是水墨为主,但在点缀的色彩上,却显得格外点睛,恰到好处地增强了画面的表现力。我感觉这本书不仅是一本画册,更是一本艺术教程,它用最直观的方式,向我展示了中国古代人物画的奥秘。

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《李抱——国画艺术:古代人物》这本书,给我最直观的感受就是“厚重”与“灵动”的完美结合。厚重,源于李抱先生对中国传统文化的深刻理解和尊重,他对待古代人物的描绘,没有丝毫的戏谑和随意,而是充满了敬意和历史的沉淀感。灵动,则体现在他笔下的人物,虽然是古人,却丝毫没有僵硬和呆板,反而充满了生命的活力和情感的张力。我尤其喜欢书中关于不同历史时期人物服饰和发髻的考证,这些细节的呈现,不仅是对历史的还原,更是对艺术家严谨治学精神的体现。通过这些细致的描绘,我仿佛看到了不同时代的人物,他们穿着当时的服饰,有着当时的妆容,说着当时的语言。书中对人物肢体语言的捕捉也十分到位,无论是站立的姿态,还是坐卧的体态,都符合当时人物的身份和性格。这本书的图文结合也做的非常出色,精美的插图搭配深入浅出的文字解读,让我在欣赏艺术的同时,也能获得知识的滋养。

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阅读《李抱——国画艺术:古代人物》,我仿佛经历了一场奇妙的时空穿越,与那些古老的人物进行了一场跨越千年的对话。李抱先生的画作,所展现出的,不仅仅是绘画技巧的精湛,更是一种对中国传统文化精神的深刻体悟。他笔下的人物,无论是达官贵人还是贩夫走卒,都拥有一种独特的风骨和韵味。我最欣赏的是他对人物神态的刻画,那些若隐若现的眼神,饱含深情的眉梢,都仿佛在诉说着一段段尘封的往事。书中对于人物肢体语言的捕捉也极其传神,每一个动作都充满了故事感,让人浮想联翩。我从这本书中,不仅学到了关于绘画的知识,更重要的是,我被深深地打动了。我看到了中国古代人物身上的那种坚韧、智慧、以及对生活的热爱。这本书,无疑是一部值得反复品读的艺术瑰宝。

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