具体描述
本书作者谢柏轲是美国普林斯顿大学艺术史教授，本书是其学术生涯中关于中国古代绘画的代表性著作。在书中，他深入浅出地对中国画的媒介与材料，如毛笔、墨、颜料、基底、印章以及各种画式（壁画、屏风画、手卷画、立轴画、册页、扇面画等）进行了精彩、专业又简明的介绍与讨论；对于画面中各类元素（线条、泼墨、设色及肌理）在绘画中的运用，他也做了类似的阐述。此外，他还介绍了中国画的构图所呈现的规律与原理，并深入研究这些方法所创造的经典传世作品。
对于普通读者而言，本书可作为一本从媒材、技法等角度了解中国画的导览，使他们在读懂中国画之余，进一步了解中国画的具体创作。对于绘画学习者而言，本书可以帮助他们更为深入地认识中国画的媒材、技法与形式原理。
作者简介
谢柏轲（Jerome Silbergeld），美国著名中国艺术史学者。1974年于斯坦福大学获得博士学位，现为普林斯顿大学艺术与考古学系荣休教授，曾任唐氏东亚艺术中心主任。在开始普林斯顿的教学生涯之前，他曾在华盛顿大学执教二十五年，担任过艺术史系系主任、艺术学院院长等职。其研究对象包括中国绘画、电影、建筑与园林等，代表著作有《中国画之风格》《山水心灵》《电影中的中国》《身体的疑点》《由里向外》等。
目录信息
原版序
导言
第一章 媒材与画式
毛笔
墨与颜料
地子
一、墙壁
二、绢帛
三、纸张
四、陶瓷与漆器
五、其他相关的媒材
印章
画式
一、壁画
二、屏风
三、手卷
四、立轴
五、册页
六、扇
七、画式间的转变
第二章 中国画的要素
书法与绘画中的线条
水墨
设色
皴擦
第三章 构图：再现的艺术
万变的“形”
线性远近法与空气远近法
第四章 构图：归纳的艺术
书法与绘画的归纳
绘画要素的独立作用
形象的概括
留白的运用
构图的经营
构图的动势
参考文献
译者的话
· · · · · · (收起)
读后感
上世纪中叶，出于“敌情研究”的需要和欧美学术版图的扩展，全美各研究型大学纷纷建立起了包括东亚系在内的各类区域研究院系，一方面有非常现实的冷战政治诉求，但另一方面也催生了对于异质文化的全面考察。1959年，随着方闻（1930-2018）在普林斯顿大学建立了全美第一个中国艺...
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用户评价
这本书，简直就像一本中国画风格的“百科全书”，但又绝非枯燥的条目堆砌。作者的叙事方式非常引人入胜，他能够将复杂的历史背景、哲学思想与绘画风格巧妙地融合在一起，让我读起来既增长了见识，又觉得趣味盎然。我特别喜欢书中关于“笔墨”的讲解，作者用非常形象的比喻，将“皴法”形容为山石的肌理，“点叶”比作树木的生机，让我能够直观地理解这些技法在画面中所起到的作用。他甚至细致地分析了不同毛笔在不同运笔方式下所产生的不同效果，这让我感叹于中国画创作的精微与讲究。书中对“意境”的阐述也让我耳目一新，作者认为“意境”是中国画的灵魂，是画家通过笔墨所传达出的超越物象本身的审美情趣和思想情感。他通过对南宋马远、夏圭“残山剩水”风格的解读，让我体会到了那种“空灵”与“写意”的东方美学。此外，作者还对不同画派的地域特色进行了细致的分析，比如江南画派的秀丽婉约，以及北方画派的雄浑壮阔，这让我看到了中国画风格的多样性与地域文化的紧密联系。这本书的价值在于，它不仅教会了我如何欣赏中国画，更让我理解了中国画为何如此与众不同，它背后所蕴含的文化基因和哲学思考，是其他艺术形式无法比拟的。
评分作为一名长期潜心研究中国传统文化的读者，《中国画之风格》这本书无疑为我提供了一个全新且深刻的视角。作者的笔力深厚，对中国画的发展脉络有着独到的见解，尤其是在梳理不同时期、不同地域的绘画风格时，展现了其学识的广度和深度。书中对于“神韵”的探讨，让我不再仅仅从技术层面去欣赏画作，而是更能体会到画家如何通过笔墨的微妙变化，捕捉到物象的内在精神和生命活力。我印象深刻的是，作者对北宋山水画“全景式”构图的分析，他指出这种风格的形成，与当时社会对宇宙、自然的敬畏感以及对宏大叙事的追求息息相关，这让我从画作本身，窥见了更深层次的社会文化背景。书中对于明代“吴门画派”的解读，也让我看到了文人画在审美情趣上的独特追求，如对隐逸情怀的寄托，对山林野逸的向往，这些都体现在了其淡雅脱俗的笔墨之中。作者的写作风格严谨而不失趣味，他能够将复杂的理论解释得通俗易懂，并且通过对大量经典画作的引用和分析，让理论变得生动形象。我特别喜欢书中关于“诗书画印”一体化的章节，它让我明白了为何在中国画中，题跋、印章同样是构成作品不可或缺的一部分，它们共同营造了一种和谐统一的艺术氛围。这本书的价值在于，它不仅仅是知识的传递，更是对中国画艺术精神的传承和弘扬，让我对中华文明的智慧和创造力有了更深的敬佩。
评分这本书简直是为我这样的初学者量身定做的！我一直对中国画情有独钟，但苦于门径太深，不知从何下手。《中国画之风格》这本书，用一种非常接地气的方式，将复杂的中国画风格梳理得清晰明了。作者并没有一开始就抛出晦涩难懂的理论，而是从最基础的“笔墨”说起，解释了什么是“皴法”、“勾勒”、“点染”，以及它们在不同风格中的运用。比如，书中详细介绍了“披麻皴”、“斧劈皴”、“雨点皴”等，并且配有大量的范画，我只需要对照着看，就能大致理解这些技法的特点和效果。更难得的是，作者还把这些技法与具体的风格流派联系起来，让我明白为什么山水画中多用“皴法”，而花鸟画中则更注重“写意”和“工笔”的区别。我尤其喜欢书中关于“意境”的章节，作者用生动的语言描述了中国画如何通过留白、水墨的浓淡变化来营造出超越画面的空间感和情感氛围，让我深刻体会到“言有尽而意无穷”的中国画魅力。书中还对不同时期的代表画家及其作品进行了详细介绍，比如对范宽《溪山行旅图》中厚重山峦的分析，对马远、夏圭“残山剩水”风格的解读，这些都让我对中国画的演变有了直观的认识。这本书的编排也很合理，结构清晰，语言流畅，即使是完全没有绘画基础的人，也能轻松阅读。它不仅教会了我识别不同的中国画风格，更重要的是，它激发了我对中国画更深层次的探索欲望。这本书让我觉得，中国画并不遥远，它就藏在我们身边，藏在古人的笔墨之中，只要用心去体会，就能感受到那份独特的美。
评分这本《中国画之风格》真是让我大开眼界，我原本以为中国画不过是水墨丹青，山水人物，但读完这本书，才发现其背后蕴含的深厚文化底蕴和哲学思想是如此博大精深。作者以一种非常细腻且富有洞察力的笔触，为我们层层剥开了中国画不同流派的独特魅力。从魏晋南北朝的“以形写神”，到唐宋时期的“意境”营造，再到元明清的文人画和市民艺术的交融，每一个时期都有其独特的时代烙印和审美取向。我印象最深刻的是关于“写意”的探讨，它不仅仅是笔墨的挥洒，更是画家内心世界的抒发，是“气韵生动”的体现。书中通过大量的经典作品案例分析，让我不仅看到了画面的视觉冲击力，更感受到了画家在创作过程中所融入的情感、精神和对自然的敬畏。作者对于不同画派之间微妙的联系与区别的阐述，也十分到位，比如董其昌的“南北宗论”，以及黄宾虹晚年山水所展现出的“黑、密、厚、重”的美学追求，这些都让我对中国画有了全新的认识。我尤其喜欢书中对具体画家及其代表作的深入解读，比如顾恺之的“以形写神”如何体现在他的线条之中，张择端的《清明上河图》又是如何展现北宋都市的繁华景象，以及八大山人那独特的“白眼”形象所传达出的孤寂与抗争。这本书不是简单的知识堆砌，而是通过作者的专业视角和充满人文关怀的解读，引导读者去感受中国画的灵魂，去体会那份“天人合一”的哲学追求。它让我意识到，中国画不仅仅是二维的平面艺术，更是三维的精神载体，承载着中华民族的审美情趣、历史记忆和价值观念。阅读过程中，我仿佛置身于古代的画室，与大师们一同品味笔墨的韵味，感受山水的壮丽，体悟人生的况味。这本书为我打开了一扇通往中国传统艺术的窗户，让我看到了前所未有的风景。
评分不得不说，《中国画之风格》这本书带给了我一次非常独特的阅读体验。它不像一般的艺术史书籍那样枯燥乏味，而是充满了人文的温度和艺术家的情怀。作者的写作风格非常吸引人，他能够将抽象的艺术理论转化为生动的故事和深刻的感悟。我特别欣赏书中对“气韵生动”的阐释，作者没有简单地将其定义为一种技术，而是将其上升到哲学的高度，认为这是画家精神境界的体现，是“道”与“艺”的融合。他通过对历代名家作品的细致解读，展现了如何在笔墨之间捕捉到生命的律动，如何在画面中传达出画家的思想情感。比如，书中对八大山人的解读，让我深刻体会到他画作中那种独特的孤寂与苍凉，以及他内心深处不屈的精神。作者的分析角度非常新颖，他能够从一个细节，比如一笔的起承转合，一个色彩的运用，就能推断出画家的心境和时代背景。我最喜欢的是书中关于“留白”的讨论，作者将其誉为中国画的“呼吸”，认为正是这无形的空间，赋予了画面无限的想象空间和诗意。他用精妙的语言描绘了留白如何让画面“虚实相生”，如何让观者在静默中感受到山川的辽阔、生命的渺小与伟大。这本书不仅让我欣赏到了中国画的视觉之美，更让我感受到了中国画背后所蕴含的东方哲学和人生智慧。它让我明白，中国画不仅仅是描绘景物，更是抒发情怀，是与自然对话，是与古人神交。读完这本书，我感觉自己的心境也变得更加宁静和开阔。
评分这本书，绝对是中国画入门者的福音，也是资深研究者们的案头必备。我特别喜欢作者的叙事方式，他不是那种干巴巴地列举名词术语，而是像一位经验丰富的导游，一步一步地带领我们走进中国画的奇妙世界。从最早的陶器纹饰，到青铜器上的图案，再到帛画和墓室壁画，作者循序渐进地展现了中国画风格的起源和演变。我印象深刻的是关于“线条”的讨论，书中详细阐述了不同线条所传达出的不同情感，如刚劲的线条代表阳刚，流畅的线条代表阴柔，而飞白则能表现出笔墨的力度和节奏感。这让我开始重新审视那些看似简单的线条，它们原来承载了如此丰富的信息。书中对于“色彩”的运用也做了深入的分析，尤其是对于工笔画中颜色的搭配和象征意义的解读，让我明白了为什么红色在中国画中总是代表喜庆，而蓝色则常用于描绘天空和水。最让我惊叹的是，作者能够将如此庞杂的中国画风格，如人物画、山水画、花鸟画，以及它们内部的各种流派，都梳理得井井有条，并且能够指出它们之间的相互影响和借鉴。比如，他解释了唐代人物画如何影响了宋代山水画的人物刻画，以及明清花鸟画如何受到文人画的影响。这本书的价值在于，它打破了我之前对中国画的刻板印象，让我看到了中国画风格的多元性和包容性，也让我对中国画的未来发展充满了期待。
评分如果说之前我对中国画的理解还停留在“水墨画”这个模糊的概念上，《中国画之风格》这本书则为我打开了一扇通往色彩斑斓艺术世界的大门。作者的叙述方式极为生动，他没有枯燥地罗列事实，而是以一种讲故事的口吻，将中国画风格的演变历程讲述得引人入胜。我特别喜欢书中对“色彩”在不同画派中的运用分析，作者指出，虽然水墨写意是中国画的重要组成部分，但许多画派也同样善于运用色彩来表达情感和意境。比如，他对唐代青绿山水的描绘，让我看到了那种宏大壮丽、色彩鲜明的视觉冲击力，而对明清时期工笔花鸟画中丰富色彩的解读，则让我领略到了其精致细腻、寓意吉祥的美学特点。书中还对不同画派的“构图”进行了详细的分析，比如对“散点透视”的讲解，让我明白了为何中国画的视角如此开阔，能够容纳下如此多的景物和信息。作者的观点非常独到，他能够将看似独立的画派，找到它们之间的内在联系和发展逻辑。比如，他分析了文人画如何受到哲学思想的影响，以及市民艺术如何反映了当时的社会生活。这本书的价值在于，它打破了我之前对中国画风格单一的认知，让我看到了其丰富性、多样性和包容性，也让我对中国画的博大精深有了更深的体会。它不仅仅是关于艺术风格的介绍，更是关于中国文化精神的深度挖掘。
评分我是一位资深的中国画爱好者，阅览过不少关于中国画的书籍，但《中国画之风格》这本书依然给了我巨大的惊喜。作者的学识渊博，对中国画史的梳理条理清晰，见解独到。书中对于各个时期、各个流派风格的分析，都建立在扎实的史料和深入的理论研究之上。我尤其赞赏作者对“文人画”的阐述，他不仅仅停留在描绘文人画的笔墨特点，更深入地挖掘了其背后的文化内涵，如“诗书画印”的结合，以及文人画所体现的“士大夫精神”。书中对元代画家赵孟頫的评价，就让我受益匪浅，我之前一直认为他的画作只是描绘了江南的秀美风光，但通过作者的解读，我才明白其画作中蕴含着他对汉文化的回归和对传统审美的自觉。此外，作者在分析具体作品时，也表现出了极高的鉴赏能力。比如，他对于宋代山水画的分析，能够精准地指出其“全景山水”和“折枝山水”的不同风格，并分析其产生的时代背景。他对明清时期市民艺术的介绍，也让我看到了中国画在民间蓬勃发展的另一面，如苏州桃花坞年画的鲜艳色彩和吉祥寓意，以及扬州八怪的特立独行。这本书的价值在于，它提供了一个宏观的视角，让我能够理解中国画风格演变的逻辑，又能在微观的层面，让我欣赏到每一幅作品的独特魅力。它不仅仅是一本介绍中国画风格的书，更是一部关于中国艺术精神的探索史。
评分《中国画之风格》这本书，对我这样一位对中国艺术充满好奇但又缺乏专业知识的读者来说，简直是一场及时雨。作者的语言风格非常朴实且富有感染力，他没有使用过多的专业术语，而是用最贴近生活的比喻和生动的描述，将中国画的各种风格娓娓道来。我印象最深刻的是，书中对于“人物画”的讲解，作者不仅仅列举了历代名家，而是通过分析他们的作品，让我看到了不同时代人们的精神面貌和审美追求。比如，他对唐代仕女画的解读，让我感受到了那个时代女性的丰腴与自信，而对明清人物画的分析，则让我看到了市民阶层的生活气息和情感表达。书中关于“花鸟画”的章节，也让我受益匪浅，作者将不同的花鸟画风格，如工笔、写意，以及它们在象征意义上的不同，都做了非常清晰的解释。我尤其喜欢他对“梅兰竹菊”四君子的解读，让我明白了为什么它们在中国画中具有如此特殊的地位，以及它们各自所代表的精神品质。这本书的价值在于，它让我能够轻松地理解中国画的各种风格，并且能够从中感受到中国画所传递的东方智慧和人文情怀。它不仅仅是一本艺术鉴赏的书，更是一本能够触动人心灵的书，让我对中国传统文化有了更深的亲近感和认同感。
评分《中国画之风格》这本书，像一本打开了通往古代艺术殿堂的钥匙。我曾以为中国画只是简单的水墨晕染，但这本书彻底颠覆了我的认知。作者以一种极其细腻且富有哲理的笔触，为我揭示了中国画风格背后蕴含的深刻文化内涵和审美追求。书中关于“写意”的论述，让我明白这不仅仅是笔墨的随意挥洒，更是画家内心世界的真实写照，是“意境”的升华。作者通过对历代名家作品的深入剖析，让我看到，即使是寥寥几笔，也能勾勒出山水的雄浑，花鸟的生机，人物的神韵。我尤其喜爱书中对“留白”的解读，作者将其比作中国画的“灵魂”，认为正是这虚实相生的空间，赋予了画面无限的想象力和诗意。他用精妙的语言描述了留白如何让画面“呼吸”，如何让观者在静默中感受到超越画面的辽阔与深邃。书中对不同时期、不同流派风格的梳理，也让我对中国画的发展脉络有了清晰的认识。从魏晋的“以形写神”，到唐宋的“意境”营造，再到元明清的文人画和市民艺术的交融，每一个时期都有其独特的艺术追求和时代特征。作者的叙述充满人文关怀，他不仅仅是在介绍画作，更是在讲述画作背后的故事，讲述画家的心路历程。读完这本书，我感觉自己仿佛穿越了时空，与古人一同品味笔墨的韵味，感受山水的壮丽，体悟人生的况味。它让我深刻地认识到，中国画不仅仅是一种艺术形式，更是中华民族精神的载体。
评分前两章的介绍比较好，翻译的也接地气。 至于后面两章，不太具备说服力。
评分以西方艺术史的框架解构中国古代绘画。作为一本入门书来说，写得明白晓畅。线装很感人，但插图实在是印得有些糟糕啊，尤其是局部放大图简直没法看
评分清晰，细致，翻译也流畅，没有执着于材料和技法的分类学，而是通过指示和比较来提出其主旨，不得不说是个明白人了。 但作为89的定价，却确实是一本小书，而且图片质量参差不齐。
评分落到实处的方法论。对于动势的解读很有启发。有一些小节上的错误，比如董源无真迹传世、王蒙最先擅用以书入画等等。
评分落到实处的方法论。对于动势的解读很有启发。有一些小节上的错误，比如董源无真迹传世、王蒙最先擅用以书入画等等。
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