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出版者:后浪丨湖南美术出版社

作者:[英] 安娜·梅森

出品人:后浪

页数:144

译者:Kirara

出版时间:2020-1

价格:88.00元

装帧:平装

isbn号码:9787535689559

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
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《光影流转：写实水彩的艺术密码》 这是一本关于如何捕捉光影之美、如何在画布上重现真实质感的实用指南。书中不涉及“写实水彩课”这个具体书名，而是深入探索水彩艺术中，如何通过细腻的笔触、巧妙的色彩叠加，以及对光影关系的深刻理解，来描绘出令人信服的写实画面。 本书旨在为所有对写实水彩艺术怀有热情的绘画爱好者提供一套系统性的学习框架，帮助他们跳出“写实水彩课”这一特定课程的束缚，从更广阔的视角去理解和掌握写实水彩的精髓。我们将从最基础的光影原理入手，逐步深入到复杂的材质表现，最终引导读者独立创作出富有生命力的写实作品。 第一章：光影的语言——写实水彩的基石 在开始绘制任何写实对象之前，理解光线如何与物体互动至关重要。本章将深入剖析光影的构成要素，包括光源的类型（自然光、人造光）、方向、强度以及它们在物体表面产生的明暗变化。我们将学习如何识别和捕捉“高光”、“亮部”、“灰部”、“暗部”和“反光”等关键区域，并理解它们在塑造物体体积感和空间感中所起的作用。 理解光源： 探索不同光源（如晴朗白天的直射阳光、阴天散射的柔和光、室内暖色调灯光等）对物体色彩和明暗的影响。 明暗的层次： 学习如何精确地观察和描绘物体表面的明暗过渡，以及如何通过色彩的冷暖变化来表现光线的温度感。 高光的捕捉： 强调高光在写实绘画中的重要性，它不仅是光线的直接反射，更是点亮画面的灵魂。我们将学习如何利用留白、刮刀等技法巧妙地处理高光，使其晶莹剔透。 暗部的深度： 探讨如何避免暗部画成“死黑”，而是赋予其丰富的色彩和细节，通过观察反光和环境色来丰富暗部层次。 环境色的影响： 分析周围环境的色彩如何投射到物体表面，尤其是在暗部和受光面的一些微妙变化，这对于提升画面的真实感至关重要。 第二章：色彩的奥秘——水彩的调色之道 色彩是水彩的生命，尤其是在写实绘画中，准确的色彩关系是构建真实感的关键。本章将带领读者进入色彩的奇妙世界，学习如何调配出自然、细腻且富有层次的色彩。我们不仅仅是简单地混合颜料，而是要理解色彩的内在逻辑，掌握色彩的冷暖、纯度、明度等属性，并学会如何利用这些属性来表现物体的质感和氛围。 基础色彩理论回顾： 简要回顾色轮、三原色、三间色、互补色等基本概念，并将其应用于水彩调色。 水彩颜料的特性： 了解不同品牌、不同类型水彩颜料（透明、半透明、不透明）的特性，以及它们对色彩表现的影响。 色彩的调和与叠加： 学习如何通过多次叠加和色彩的巧妙调和，来创造出丰富而微妙的色彩变化，避免色彩的“浑浊”。 冷暖对比与色彩倾向： 掌握如何运用冷暖对比来增强画面的空间感和体积感，以及如何通过观察和分析，找到物体真实存在的色彩倾向（例如，阳光下的物体表面不一定是纯黄色，可能带有暖色调的偏黄或偏橙）。 色彩的统一性： 探讨如何在画面中建立和谐的色彩关系，使整体色彩协调统一，避免画面显得杂乱无章。 第三章：笔触的韵律——水彩的表现力 笔触是水彩画家与画布对话的语言。在写实绘画中，不同的笔触可以传递出不同的信息，既能表现物体的细腻质感，也能塑造画面的节奏和动感。本章将专注于探索水彩笔触的丰富可能性，引导读者学会如何根据描绘对象和想要表达的效果，灵活运用各种笔触技巧。 笔触的形态与方向： 学习长短、粗细、干湿不同的笔触，以及如何根据物体的结构和纹理来调整笔触的方向。 湿画法与干画法： 深入研究湿画法（厚涂、渲染）和干画法（点染、皴擦）各自的特点与应用，以及如何巧妙结合使用。 笔触在材质表现中的作用： 例如，如何用细腻的点触表现丝绸的光滑，用粗犷的笔触勾勒出岩石的嶙峋。 笔触的节奏感与动感： 学习如何通过笔触的疏密、虚实变化，为画面注入生命力和动感。 笔触的“意”与“形”： 强调笔触不仅仅是“描摹”，更是画家对对象感受的传递，即“写”出对象的形，更“意”到其神韵。 第四章：材质的魔术——让画面“触手可及” 写实水彩的魅力在于能够逼真地再现各种材质的独特质感。金属的冰冷光泽、木头的粗糙纹理、布料的柔软垂坠、玻璃的通透晶莹……这些都需要精湛的技巧和敏锐的观察力。本章将聚焦于各种常见材质的写实表现方法，提供具体技巧和示范，让你的画面“触手可及”。 金属的表现： 学习如何用精确的明暗关系和高光处理，表现金属的冷峻光泽和反射。 玻璃与透明材质： 探索如何通过对光线的折射、反射以及微妙的色彩变化，来表现玻璃的通透感和晶莹剔透。 木材与石材的肌理： 学习如何通过笔触和色彩的叠加，表现木材的年轮、纹理和石材的粗糙感。 织物的质感： 掌握如何通过对光影的微妙变化和柔软的笔触，来表现不同织物（丝绸、棉布、毛呢）的垂坠感和柔软度。 果蔬的饱满与晶莹： 学习如何捕捉水果的饱满光泽、蔬菜的叶片纹理，以及水的晶莹剔透。 第五章：空间的构建——从平面到立体 写实绘画的另一个重要维度是空间感。如何让二维的画面呈现出三维的立体感，是写实画家需要解决的关键问题。本章将深入探讨如何在水彩中构建空间，包括透视原理的应用、景深的处理以及环境色和对比度的运用。 基础透视原理： 简要介绍一点透视、两点透视等基本透视原理，并说明其在水彩绘画中的应用。 景深的表现： 学习如何通过色彩的饱和度、明度、清晰度以及物体的细节程度来表现远近关系。 空气透视： 理解空气中的尘埃和湿气如何影响远处物体的色彩和清晰度，以及如何在画面中模拟这种效果。 构图与空间： 探讨不同的构图方式如何影响空间的感知，以及如何通过构图来增强画面的深度感。 第六章：情境的渲染——光影与色彩的情感表达 写实绘画不仅仅是对客观事物的精确复制，更是画家对生活观察和情感体验的表达。光影和色彩本身就蕴含着丰富的情感信息。本章将引导读者思考如何通过对光影和色彩的巧妙运用，来渲染画面氛围，传递情感，让你的写实作品更具打动人心的力量。 光影的情感象征： 例如，温暖的夕阳带来宁静与怀旧，阴沉的天空可能暗示压抑或神秘。 色彩的情绪联想： 探索不同色彩组合所带来的情绪反应，如暖色调的积极热情，冷色调的宁静沉思。 氛围的营造： 学习如何通过整体的光影和色彩基调，来营造出特定的氛围，如宁静的乡村清晨， bustling 的市集喧嚣。 情绪的细节捕捉： 即使是写实的静物，也可以通过对光影下细微之处的刻画，来传递一种宁静、忧伤或喜悦的情绪。 第七章：创作实践——从观察到表达 理论学习的最终目的是为了实践。本章将带领读者将前面所学的知识融会贯通，进行实际的创作。从选择描绘对象，到构图、起稿、色彩铺陈，再到细节的刻画和调整，我们将一步步展示一个完整的写实水彩作品的诞生过程。 题材的选择与观察： 如何选择适合写实表现的题材，以及进行细致入微的观察。 构图与草图： 学习如何进行有效的构图，并绘制出准确的草图。 从整体到局部： 强调从整体把握，再到局部深入刻画的创作流程。 过程中的调整与修改： 学习如何应对创作过程中可能遇到的问题，并进行及时的调整。 作品的完整性与升华： 如何在写实的基础上，注入自己的理解和情感，让作品更加生动。 附录：常用写实水彩技法解析 干笔画法（Dry Brush） 湿笔画法（Wet-on-Wet） 叠色法（Glazing） 厚涂法（Impasto - 少量使用） 刮刀技法（Scraping） 留白液的应用 盐粒、喷溅等特殊效果 本书旨在成为您在写实水彩道路上的一位忠实向导，它不提供一套僵化的“课程”，而是为您打开一扇通往自由创作的大门。通过对光影、色彩、笔触、材质和空间的深入探索，您将逐步解锁写实水彩的艺术密码，最终用画笔描绘出您心中所见，以及您眼中世界的真实与美好。

评分☆☆☆☆☆

相比其它水彩教程，这本书范例确实非常写实 而写实意味着对绘画目标更细致的刻画，像书中展示的草莓，连高光都是要分区分色的。 也因为写实，书中范例的篇幅比起很多水彩教程，尤其是国产教程，篇幅长很多，比如下图中的黑莓教学部分，就用了整整十二页的篇幅。 虽然是写实水彩...

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本书纯粹是抱着试一试的心态，因为我以前买过很多号称“零基础”的画册，结果都是成品好看，步骤却含糊不清。然而，这本书的章节编排逻辑性极强，仿佛是精心设计的一条学习路径图。它没有一开始就抛出复杂的静物组合，而是从最基础的“色彩的温度”——冷暖色的相互影响入手，然后逐步深入到“纹理的创造”。我之前最头疼的就是画木头或石头这些硬质材料的纹理，总是画得死板。这本书里详细展示了如何通过控制笔触的干湿程度和颜料的沉积效果，来模拟出材质的粗粝感和自然风化痕迹，这种对细节的极致挖掘，远超出了我对一本入门教程的期待。而且，书中的配图质量极高，每一个步骤的细节都处理得非常到位，即便是打印出来的图片，你也能清晰地分辨出颜料是刚刚铺上去的“水光”状态，还是已经半干的“苔藓”状态。这套书的价值，在于它把“经验”转化成了可以被学习和复制的“方法论”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的视角非常独特，它似乎更侧重于“如何用写实的手法去捕捉瞬间的诗意”，而不是单纯地复制一个物体。我印象最深的是它关于“空气透视”的章节，讲解的不是教科书上那种简单的高空物体颜色变浅的原理，而是深入到了光线穿过大气层后，色彩是如何被过滤和柔化的过程。作者用一系列不同天气下的户外写生案例来印证这一点，比如暴雨初歇时，远山那种带着湿气和冷光的蓝色调是如何通过叠加透明色层层渗透出来的。这种对环境氛围的捕捉，让写实绘画不再是呆板的照搬，而成为了一种情感的投射。书中对于如何表现景深和层次感，也提供了一套非常系统的视觉语言，让你在二维平面上构建出三维的空间感，而且这种构建是建立在对自然光影的深刻理解之上的。对于想要提升作品“高级感”和“氛围感”的画者来说，这本书提供的启发性价值，远超出了其工具书的范畴。

评分☆☆☆☆☆

这本关于水彩技法的书，简直是为我这种零基础的爱好者量身定做的入门指南。作者的讲解风格非常亲切，像一位耐心十足的老师，手把手地带着你从最基础的工具选择开始，一直到复杂的色彩搭配和光影处理。我尤其欣赏它对“观察”的强调，书中花了很多篇幅教导我们如何真正去看待自然界的色彩和形态，而不是仅仅停留在表面的描摹上。比如，对于如何表现湿润的叶片反光，它没有直接给出公式，而是引导你去思考不同光照角度下，水珠的折射和光线的散射是如何作用的，这种由内而外的理解，让我的创作思路豁然开朗。每一步操作都有清晰的图例辅助，即便是对于水和颜料的控制这种抽象的概念，作者也用非常直观的方式进行了拆解，比如“控制水量如同控制呼吸的节奏”，这种比喻让我很容易抓住核心要点。通过这本书的学习，我最大的收获是建立了一种自信心，不再害怕下笔，因为我知道每一步都有章可循，也敢于尝试更复杂的题材了。这本书真的把水彩的神秘感剥离了，让它变得触手可及，非常适合想要真正沉下心来学习基础的读者。

评分☆☆☆☆☆

我作为一个资深插画师，平常多用数字媒介，这次尝试实体水彩创作，主要是想找回那种颜料在纸上自然晕染的惊喜感。坦白说，市面上很多传统绘画书籍都过于学院派，术语堆砌，让人望而却步，但这本《写实水彩课》却提供了一种非常“现代”的视角来看待经典技法。它不是那种让你拘泥于古代大师技法的刻板教程，而是聚焦于如何用传统材料去解决现代创作中遇到的光影和质感问题。书中对“湿中湿”技法在表现雾气和天空过渡时的处理，给出了非常精妙的现代案例解析，这种案例的选取角度很新颖，很容易与当代视觉语言对接。更让我欣赏的是它对“留白”艺术的深刻探讨，不仅仅是技法上的留白，更是关于如何通过水分和颜料的张力，在画面中制造出呼吸感和流动性的哲学思考。读完之后，我感觉自己的笔触都变得更加自由和松弛了，它成功地架起了传统媒介与当代审美之间的桥梁，对于追求效率和创新表达的创作者来说，是一份极具价值的参考手册。

评分☆☆☆☆☆

我是一个老年人，退休后想培养一个能静心的爱好，尝试过很多手工，最后觉得水彩的透明感最吸引我。我的视力和手稳程度不如年轻人，所以对工具的易用性要求很高。这本书的优点在于它对每一个工具的偏好性都有明确的说明。例如，它会分析不同品牌纸张的吸水性和纤维结构对手绘效果的具体影响，而不是笼统地说“用好的纸”。对于像我这样需要慢节奏学习的人来说，书中设置的“慢练区”练习，非常贴心。这些练习不是为了完成一幅画，而是纯粹为了训练手部的稳定性和对水量的微调能力。它鼓励你在一张小小的卡纸上反复练习同一种颜色从深到浅的过渡，直到你完全掌握了那种“恰到好处”的感觉。这种对基础功的反复打磨，让我感到很踏实，没有被快速出成果的压力所困扰。它让我明白，水彩的魅力不在于技巧有多炫，而在于对材料那种温柔的、有耐心的掌控。

评分☆☆☆☆☆

“画得跟真的一样！”看到这样逼真生动的大师之作，我们往往心生崇敬与畏惧。其实只要建立正确的作画观念，按正确的步骤描绘，即使初学者也能画出栩栩如生的画作！在本书中，作者运用多个示例，详细讲解了写实描绘的五大步骤，教你如何仔细观察细节，利用色彩明度和色相，准确理解和表现多种层次的颜色；并教你从整体出发，发挥想象修改和调整细节，画出生动逼真的视觉纹理。

评分☆☆☆☆☆

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