莱奥纳多·达·芬奇：绘画论 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:理想国 | 湖南美术出版社

作者:[法] 安德烈·夏斯泰尔 编译

出品人:理想国

页数:226

译者:邢啸声

出版时间:2020-2

价格:108.00元

装帧:

isbn号码:9787535687890

丛书系列:

图书标签:

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提香的色彩革命：威尼斯画派的辉煌与巴洛克前夜的变奏 一部关于文艺复兴盛期威尼斯画派核心人物提香·韦切利奥的深度研究，侧重其艺术生涯的演变、对色彩的革命性运用，以及其作品在欧洲艺术史中产生的深远影响。 第一章：亚得里亚的曙光——提香的早期岁月与帕多瓦的磨砺 提香，这位日后被誉为“众画师之王”的艺术家，其艺术生命始于亚得里亚海的中心——威尼斯。本章将细致描摹他成长于这个充满商业活力、光线独特、色彩至上的城市中的早年经历。 我们首先考察提香在15世纪末至16世纪初威尼斯艺术图景中的位置。彼时，乔瓦尼·贝利尼（Giovanni Bellini）的影响力依然强大，但新一代的艺术家，如乔尔乔内（Giorgione），已开始探索更具诗意和情感深度的绘画语言。提香早年曾师从詹蒂莱·贝利尼，但很快便被乔尔乔内在《三贤士的崇拜》等作品中所展现出的那种神秘、朦胧的氛围和对光影的细腻捕捉所吸引。 重点分析提香早期作品，如他为帕多瓦的圣安东尼奥教堂所绘的湿壁画残片。这些作品显示出他强烈的学习欲望和对古典雕塑的理解，但更引人注目的是他对色彩的直觉——那种不同于佛罗伦萨线条至上主义的、以色块堆叠而非轮廓勾勒来塑造形体的倾向。乔尔乔内是他艺术道路上至关重要的“导师”和“对手”，他们共同创作的《田园合奏》（Concerto Campestre）——尽管存在争议，但清晰地展示了提香在构图平衡和人物精神状态捕捉上所展现出的天赋。 本章的收尾将聚焦于乔尔乔内在1510年左右的突然逝世，这迫使提香迅速承担起威尼斯艺术界的领军角色，也为他艺术上的爆发奠定了基础。 第二章：色彩的炼金术——油画技法的革新与“Poesie”的诞生 提香之所以能超越同时代人，关键在于他对油画媒介的掌控达到了前所未有的高度。本章将深入剖析其绘画技法的演变，从早期的细致描绘（disegno）向晚期的粗犷与激情（colore）的彻底转变。 2.1 “Colorito”的胜利：光线、纹理与笔触 提香摒弃了早期文艺复兴对清晰轮廓线的执着，转而采用“色彩先行”的创作方法。他的颜料层并非简单的平涂，而是经历了数次叠加、刮擦与重绘的复杂过程。我们详细分析他如何利用半透明的釉料（glazes）创造出深邃的阴影和生动的反光，尤其是在描绘肉体、丝绸和天鹅绒时，他对手感和物质性的捕捉令人叹为观止。例如，在《乌尔比诺的维纳斯》中，皮肤的温暖感并非依赖线条勾勒，而是通过色彩的微妙过渡自然浮现。 2.2 诗意画布——“Poesie”系列研究 在费利佩二世的赞助下，提香创作了一系列基于奥维德《变形记》神话的宏大叙事画作，统称为“Poesie”（诗篇）。本章将集中探讨这组作品，如《达那厄》、《狄安娜与阿克泰翁》以及《墨涅拉俄斯的牺牲》。 这些作品不仅是神话的再现，更是提香对人类情感、欲望与命运的哲学沉思。他大胆地在画布上处理裸体，将色情、暴力与崇高并置，挑战了传统宗教题材的严肃性。通过对比《达那厄》在不同时期的版本，我们可以清晰地看到提香在晚年对“笔触松动”（pittura di macchia）的偏爱，画面似乎从现实的清晰度中抽离，进入了纯粹的色彩和情感的交响之中。 第三章：宫廷的肖像大师——权力的视觉构建 提香的职业生涯得益于他与欧洲君主之间复杂而持久的合作关系，特别是与神圣罗马帝国皇帝查理五世的交往。他不仅是记录者，更是权力的积极塑造者。 本章对比分析提香为查理五世（Charles V）和西班牙的费利佩二世（Philip II）所创作的官方肖像。在《骑马的查理五世》中，提香如何巧妙地运用深红色和金色，将这位君主塑造成一位近乎神圣的、坚不可摧的形象？这不仅仅是绘画技巧的展示，更是一种高超的政治沟通。 我们还将探讨提香肖像中的“心理深度”。与佛罗伦萨画派注重人物社会地位的描绘不同，提香的肖像（如晚年的自画像）常常流露出一种对时间流逝的深刻洞察和一种略带忧郁的内省。他笔下的人物眼神深邃，仿佛在审视观者，而非被观者审视。 第四章：宗教题材的革新与巴洛克的前奏 尽管提香在世俗题材和肖像画上取得了巨大成功，他仍是威尼斯最重要的宗教画家之一。然而，晚年的宗教作品显示出一种与早期宁静风格截然不同的戏剧性和动荡感。 重点分析《最后的晚餐》和《圣马可的奇迹》。在这些作品中，提香不再试图创造完美和谐的构图，而是通过强烈的光源对比（明暗对比的强化），戏剧性的手势和混乱而充满活力的前景，来营造出一种迫在眉睫的“瞬间感”。这种对情感爆发和动态叙事的追求，直接影响了稍后的巴洛克大师们，如卡拉瓦乔（Caravaggio）和鲁本斯（Rubens）。提香在此时期的作品，预示着艺术将从文艺复兴的“理想美”转向巴洛克的“真实体验”。 结语：一个时代的终结与无尽的回响 提香的一生横跨了文艺复兴的鼎盛时期，见证了人文主义的兴起与宗教改革的冲击。他以色彩为武器，构建了一个既感性又富有智慧的艺术世界。本章将总结提香对后世的影响，特别是他对彼得·保罗·鲁本斯在运动感和肉体描绘上的启发，以及他对伦勃朗在晚期光影处理上的深刻借鉴。提香的画布，是色彩、光线、情感与权力的完美融合，定义了一个时代的辉煌，并为未来数百年的欧洲绘画奠定了基调。他的工作室，如同他生命的最后阶段一样，充满了未完成的作品，这些“未完成”恰恰是其艺术精神——永恒的探索与创造——的最佳注脚。

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莱奥纳多，皮耶罗·达·芬奇的儿子，确实是一位令人钦佩的绝世人物。他倘若不那么随心所欲和见异思迁，原本可以在学习知识和文化深造上有更大的长进，他涉足不同领域，一旦着手研究，却又随即扔下。他花费数月功夫弄数学，进步神速，甚至经常出难题让老师受窘。他略涉音乐，因...

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说实话，在读《莱奥纳多·达·芬奇：绘画论》之前，我以为绘画艺术离我太遥远，是那些天赋异禀的大师们的专属领域。《莱奥纳多·达·芬奇：绘画论》这本书，彻底打破了我的这种认知。书中关于“素描”的论述，让我明白素描不仅仅是绘画的基础，更是艺术家观察和思考的记录。达·芬奇对于线条的运用，对于明暗的刻画，对于形体的把握，都通过素描的形式得到了淋漓尽致的展现。我喜欢他那些充满生命力的速写，虽然线条看似随意，但却充满了力量和动感，仿佛能够捕捉到事物最真实的瞬间。他强调素描是“一切艺术的母体”，这句话对我触动很大。我开始意识到，即使是那些宏伟的油画作品，其根基也都在于素描。通过阅读这本书，我开始重新审视素描的意义，它不再是枯燥的练习，而是理解和表达世界的一种方式。我甚至开始尝试着拿起画笔，去模仿达·芬奇的素描，虽然相去甚远，但在这个过程中，我仿佛能够触摸到他曾经的思考轨迹。

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翻阅《莱奥纳多·达·芬奇：绘画论》的过程，就像是在与一位跨越时空的智者对话。我特别着迷于他对“色彩”的理解。他并非简单地列举颜色的名称，而是深入探讨了色彩如何影响人的情感，如何塑造光影，以及如何通过色彩的搭配来达到和谐统一的效果。他对于“冷暖色调”的运用，以及如何利用对比色来增强画面的视觉冲击力，都让我耳目一新。我还记得其中关于“晕涂法”（Sfumato）的描述，那种模糊的轮廓线，柔和的色彩过渡，让人物的面部表情显得如此生动而富有层次感。这种技巧，仿佛是让画面拥有了呼吸，让观者能够感受到人物内心的微妙情感。我开始尝试着去观察生活中的色彩，去感受不同光线下的色彩变化，去体会艺术家是如何将这些瞬间捕捉并呈现在画布上的。这本书让我明白，色彩不仅仅是颜料的混合，它更是一种语言，一种能够直接触动人心的语言。达·芬奇对于色彩的洞察，是如此细腻而深刻，他能够看到别人看不到的色彩变化，能够捕捉到隐藏在色彩背后的情感。

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我总觉得《莱奥纳多·达·芬奇：绘画论》这本书，与其说是一本绘画理论书籍，不如说是一本关于“如何思考”的书。达·芬奇的思维方式，那种跨学科的联想能力，以及他对事物本质的追问，都让我感到震撼。他将艺术与科学、哲学、几何学等领域融会贯通，形成了一种独特的创作观。我尤其欣赏他对于“透视法”的系统性阐述，他不仅仅是在教授绘画技巧，更是在揭示人类视觉感知的奥秘。他如何运用数学的原理来模拟人眼观察世界的方式，让画面具有了深度和空间感，这其中的智慧，至今仍令人赞叹。我常常会翻阅书中的几何图形和透视线图，试图去理解他构建三维空间的那套严谨逻辑。这本书让我明白，艺术创作并非凭空想象，而是建立在对客观世界的深刻认知和科学原理的理解之上。它鼓励我去打破学科之间的壁垒，去用更广阔的视角去观察和思考。

评分☆☆☆☆☆

《莱奥纳多·达·芬奇：绘画论》这本书，让我深刻体会到了“情感表达”在艺术中的重要性。达·芬奇不仅仅是一个技巧精湛的画家，更是一位善于捕捉和表达人物情感的心理学家。书中关于“表情”的描绘，以及如何通过面部肌肉的细微变化来传达不同的情绪，都让我感到惊叹。他对于“微笑”的千姿百态的观察和描绘，更是将蒙娜丽莎的神秘微笑背后的深意揭示得淋漓尽致。我原以为绘画只是对形的再现，但这本书让我明白，优秀的绘画作品，能够触动观者的内心，引起共鸣。达·芬奇能够通过笔触和色彩，将人物内心的喜怒哀乐，或是深邃的思考，巧妙地展现在画面之上，这种能力，实在令人折服。我开始在欣赏绘画作品时，更加关注画中人物的眼神、表情以及肢体语言，试图去理解他们背后所隐藏的情感世界。

评分☆☆☆☆☆

《莱奥纳多·达·芬奇：绘画论》这本书，让我对“创新”和“永恒”这两个词有了更深的思考。达·芬奇作为一位天才，他的思想和创造力，即使在几个世纪后的今天，依然闪耀着智慧的光芒。书中关于他对各种技法的探索，以及他对绘画材料和工具的创新性运用，都让我看到了他那颗不安于现状、勇于突破的精神。他不仅仅是遵循前人的经验，更是敢于质疑，敢于尝试，从而开创了属于自己的绘画时代。同时，他对于艺术的追求，那种对真善美的永恒探索，也让我深深地感动。他不仅仅是创作一幅幅美丽的画作，更是试图通过艺术来探寻生命的奥秘，表达人性的光辉。这本书让我相信，真正的艺术，是能够超越时间和空间的限制，触动一代又一代人的心灵。它鼓励我去思考，如何在自己的领域内，也能拥有一份不懈的追求和创新的勇气。

评分☆☆☆☆☆

《莱奥纳多·达·芬奇：绘画论》这本书，让我对“构图”这个概念有了全新的认识。在此之前，我总觉得构图就是把人物、景物摆在画面的某个位置，显得“好看”就行了。但达·芬奇的论述，让我明白构图的艺术远远不止于此，它关乎画面的平衡、动势、焦点，甚至传递情感。他对于“黄金分割”的运用，那种将画面分割成和谐比例的精妙，让我惊叹于数学之美在艺术中的体现。我仔细研究了他作品中线条的走向、块面的分布，以及如何引导观者的视线，一步步地聚焦到画面的中心。他对于“三角形构图”的强调，以及如何利用这种稳定的结构来营造庄重感和神圣感，都让我受益匪浅。更重要的是，他对于“留白”的运用，也给我留下了深刻的印象。他如何巧妙地利用空白区域来突出主体，让画面既不拥挤，又充满呼吸感。这本书让我意识到，构图不仅仅是画面的“布局”，更是艺术家思想的“组织”。一个好的构图，能够有效地传达艺术家的意图，引导观众的情绪，甚至能够讲述一个故事。我开始更加有意识地去分析我看到过的优秀作品的构图，不再满足于表面的欣赏，而是试图去理解创作者在构图上的匠心独运。

评分☆☆☆☆☆

《莱奥纳多·达·芬奇：绘画论》这本书，对我最大的启发在于它关于“观察”的论述。达·芬奇不愧是科学与艺术的集大成者，他对待观察的态度，严谨得近乎偏执。他不仅观察事物的表象，更要去探究其内在的规律和本质。他如何细致地观察鸟类的飞行，水流的形态，植物的生长，并将这些观察所得转化为绘画的素材和灵感。书中的插图，那些对自然界的细致描绘，让我感受到他那颗永不满足的好奇心。他不仅仅是在“看”，更是在“理解”。他会反复地去观察，去记录，去思考，直到将事物的精髓了然于胸。这种观察方式，对我日常的学习和工作都产生了深远的影响。我开始尝试着用一种更深入、更细致的方式去观察周围的世界，不再满足于一扫而过的印象，而是去探究事物背后的原理。我发现，当我对一个事物有了深入的理解后，我才能更好地去描绘它，去表现它。这本书教会我，绘画不仅仅是技巧，更是对世界的深刻理解和再现。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直把我带回了文艺复兴的佛罗伦萨！每次翻开《莱奥纳多·达·芬奇：绘画论》，都能感受到那个时代艺术与科学碰撞出的耀眼火花。我最喜欢其中关于“明暗对比”的章节，达·芬奇的论述不仅仅是技术性的指导，更是一种对光影、对形体塑造的深刻洞察。他如何细致地描绘出光线如何在物体表面游走，如何塑造出体积感和空间感，那种仿佛能够用手触摸到的立体感，让我对绘画的理解上升到了一个新的高度。我常常会想象达·芬奇在昏暗的画室里，用羽毛笔蘸着墨水，一丝不苟地在羊皮纸上记录下他对光影的每一个细微观察。书中的插图也非常精美，那些素描稿和示意图，即使在今天看来，依然具有极高的学术价值和艺术价值。我甚至能感受到他思考过程中那种严谨与浪漫并存的气质。读这本书，我不再仅仅是作为一个旁观者去欣赏画作，而是仿佛化身为了他的一位学徒，跟随他一起去探索、去理解、去感受绘画的本质。他对于“空气透视”的论述也让我惊叹，那种对视觉错觉和感知机制的超前理解，实在是令人望尘莫及。这本书不是一本简单的绘画教程，它更像是一扇窗，让我得以窥视一位伟大灵魂的思考方式，感受他对世界的好奇与热爱，以及他对艺术不懈的追求。它激起了我对艺术更深层次的兴趣，让我开始思考，究竟是什么让一幅画作拥有了生命力，又是什么赋予了艺术家洞察世界的能力。

评分☆☆☆☆☆

我不得不承认，《莱奥纳多·达·芬奇：绘画论》这本书，让我对“写实”的理解上升到了一个新的维度。此前，我以为写实就是追求照片般的逼真。然而，达·芬奇的论述让我明白，真正的写实，是建立在对事物本质深刻理解基础上的再创造。他对于“解剖学”、“透视学”、“光学”等科学知识的融会贯通，使得他的作品在追求形似的同时，更具有了精神层面的深度。书中关于“光影”的精妙运用，不仅仅是为了塑造体积，更是为了营造氛围，烘托情感。他如何通过微妙的光线变化，让画面的人物仿佛拥有了生命，能够与观者进行无声的交流。我开始意识到，写实并非只是简单的模仿，而是一种对真实世界最真挚的探索和表达。它需要艺术家拥有敏锐的观察力，深刻的理解力，以及精湛的技艺。

评分☆☆☆☆☆

我最近沉迷于《莱奥纳多·达·芬奇：绘画论》这本书，它彻底颠覆了我过去对绘画的许多认知。尤其吸引我的是关于“解剖学”在绘画中的应用。达·芬奇对于人体骨骼、肌肉、筋腱的细致描绘和理解，简直是医学和艺术的完美结合。我原以为绘画仅仅是表面的模仿，但这本书让我明白了，真正的艺术需要深入骨髓的理解。他如何通过解剖研究，去揭示人体运动的规律，去捕捉肌肉收缩和舒展的瞬间，从而让笔下的人物栩栩如生，充满力量感和生命力。我常常会对比书中的人体解剖图和达·芬奇的素描作品，那种精准的对应关系，让我不得不佩服他的观察力和再现能力。这不仅仅是复制，更是理解后的创造。而且，他对不同年龄、不同性别、不同情绪下人体特征的细微差异的描绘，也让我看到了他非凡的洞察力。他笔下的人物，不再是僵硬的符号，而是有血有肉、有思想、有情感的个体。读完这部分，我对于“形体”的理解变得更加立体和深刻。我开始注意到，很多时候我们觉得一幅画“丑”或者“不真实”，可能就是因为作者对形体结构的理解不够透彻。这本书让我对“写实”有了更严谨的定义，它不是简单的照片般的复刻，而是建立在对事物本质深刻理解之上的再创造。

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绘画学存在于构思它的思想里，然后才由此产生比上述理论或科学更高尚的实践。

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绘画学存在于构思它的思想里，然后才由此产生比上述理论或科学更高尚的实践。

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手机上看的电子书，想买一本纸质的

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多年前的《芬奇论绘画》，换了译者，恕我直言一些观点已过时，或众所周知。

评分☆☆☆☆☆

达芬奇真的是历史上最最最难得的人物之一...推动了太多东西的发展，这么伟大的人不知道从何说起了。哎