History of Art in Japan pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Columbia University Press

作者:Tsuji Nobuo

出品人:

页数:664

译者:Nicole Coolidge Rousmaniere

出版时间:2019-10

价格:$34.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780231193412

丛书系列:

图书标签:

• arthistory
• 日本艺术史
• 艺术史
• 日本艺术
• 绘画
• 雕塑
• 建筑
• 工艺美术
• 文化
• 历史
• 亚洲艺术

《日本艺术史》是一部深入探究日本民族独特审美意识与创造力演变历程的著作。本书并非对日本艺术进行简单罗列，而是力图揭示其背后深层的文化根源、社会背景和哲学思考，展现日本艺术如何从其古老的起源一路发展至现代，并深刻影响着全球的视觉文化。 本书开篇，我们将目光投向遥远的史前时代，探索绳文时代（Jomon period）时期那些粗犷而充满生命力的陶器。这些器物上的螺旋纹、火焰纹，不仅仅是装饰，更是早期人类对自然界生命力与神秘力量的朴素感知。它们所蕴含的原始能量，为日后日本艺术对“生命感”的追求奠定了基石。随后，弥生时代（Yayoi period）的到来，伴随着稻作农业的普及和金属工具的引入，带来了更为精巧的青铜器和铁器，以及一种新的社会秩序。我们将在这一时期看到，艺术开始更多地与权力、祭祀以及社会等级制度相结合，展现出一种更为成熟和复杂的美学趋向。 进入古坟时代（Kofun period），日本艺术的重心转向了巨大的陵墓及其陪葬品——埴轮（Haniwa）。这些形态各异的陶俑，从人物、动物到建筑模型，不仅是考古学的宝贵资料，更是研究当时社会生活、军事制度、信仰观念的生动写照。它们看似朴拙，却以一种直观而有力的方式，传递着生者对死者世界的想象和敬畏，以及对逝去生命力量的某种延续。 飞鸟时代（Asuka period）与奈良时代（Nara period）标志着日本艺术一个重要的转折点——佛教的传入与统治阶层的积极拥抱。本书将详细考察佛教艺术在日本的早期传播，从朝鲜半岛传入的雕塑、绘画和建筑风格，如何在本土化过程中逐渐演变。我们将在法隆寺（Horyu-ji Temple）等早期佛教寺院中，看到来自中国大陆和印度半岛的佛教造像艺术如何被日本工匠所吸收和改造，形成一种既庄严神圣又具日本独特柔和之美的风格。特别是奈良时代的东大寺（Todai-ji Temple）及其卢舍那大佛（Roushana Buddha），更是集中体现了当时强大的国家力量和对佛教的虔诚信仰，其宏伟壮丽的规模和精湛的工艺，至今仍令人惊叹。 平安时代（Heian period）是日本艺术自主发展的黄金时期。随着遣唐使的停止，日本艺术开始走向一条更具本土特色的道路。本书将深入分析这一时期贵族文化对艺术发展的深刻影响。在文学方面，源氏物语（The Tale of Genji）等作品的出现，催生了“绘卷物”（Emaki）这一独特的绘画形式。这些以手卷形式呈现的绘画，以其细腻的笔触、鲜明的色彩和对人物内心世界的深刻刻画，展现了日本绘画在叙事性和情感表达上的独特成就。在建筑和庭园方面，寺院和贵族宅邸的设计，开始体现出对自然景观的尊重和融入，如平等院凤凰堂（Byodo-in Phoenix Hall）的阿弥陀净土宗寺院建筑，以及精致的枯山水庭园（Karesansui），都标志着日本对“寂静之美”和“侘寂”（Wabi-sabi）美学的初步探索。 镰仓时代（Kamakura period）的武士阶层崛起，为日本艺术注入了新的活力。本书将探讨武士文化对艺术风格的影响，例如更具写实主义和刚健力量感的雕塑，以及对战争场面和英雄人物的描绘。南禅寺（Nanzen-ji Temple）等禅宗寺院的兴盛，也催生了水墨画（Sumie）的蓬勃发展。日本禅宗艺术家们，如雪舟（Sesshu Toyo），以其简练的笔墨，捕捉山水自然的意境，将禅宗的空灵与哲思融入画作，形成了影响深远的日本水墨画传统。 室町时代（Muromachi period）是日本艺术多元化发展的时期。本书将详细介绍茶道（Chanoyu）的兴起及其对日本美学的影响。茶室的简约设计、茶碗的质朴美感、以及茶会中的各种器物，都体现了“侘寂”精神的极致追求，即在不完美、无常和朴素中发现美。同时，这一时期也见证了能剧（Noh Drama）的发展，其面具、服装和表演形式，都蕴含着深厚的日本传统美学。 安土桃山时代（Azuchi-Momoyama period）以其奢华的建筑和狩野派（Kano school）等绘画流派的繁荣为特点。本书将描绘桃山时期艺术家们如何在城主和武将的赞助下，创作出金碧辉煌的障壁画（Fusuma paintings）和屏风画（Byobu paintings），展现出一种宏大、充满力量的艺术风格。 江户时代（Edo period）是日本艺术发展的又一个高峰。本书将重点关注浮世绘（Ukiyo-e）的兴起及其对民间文化和国际艺术的影响。葛饰北斋（Katsushika Hokusai）、歌川广重（Utagawa Hiroshige）等浮世绘大师，以其对日常生活的生动描绘，如美人画、风景画、歌舞伎演员画等，深刻反映了江户时代市民阶层的趣味和生活方式。浮世绘的鲜艳色彩、大胆构图以及对瞬间景象的捕捉，不仅在日本国内广受欢迎，更对19世纪欧洲的印象派艺术家产生了深远的影响，成为东西方艺术交流的绝佳例证。此外，本书还将探讨陶瓷、漆器、染织等工艺美术在江户时代的精湛技艺和创新发展。 明治维新（Meiji Restoration）之后，日本艺术面临着前所未有的挑战与机遇。本书将分析日本如何在全球化的浪潮中，在保留传统艺术的同时，积极吸收西方艺术的技法和理念。从官办美术学校的建立，到西方写实主义、印象主义等思潮的引入，日本艺术家们在东西方艺术的融合与碰撞中，不断探索新的表达方式。这一时期，出现了如黑田清辉（Kuroda Seiki）等致力于中西合璧的艺术家，为日本近代绘画的发展奠定了基础。 进入20世纪，日本艺术呈现出更加多元化和国际化的面貌。本书将审视日本在两次世界大战期间及战后，艺术创作所经历的曲折与变革。从现代主义的探索，到战后艺术的实验性发展，再到当代艺术的蓬勃兴起，日本艺术家们在世界艺术舞台上扮演着越来越重要的角色。我们将看到，当代日本艺术如何继承并发扬其独特的文化传统，同时又积极拥抱前卫的理念和技术，在全球语境下，继续书写着其辉煌的艺术篇章。 总而言之，《日本艺术史》是一部集艺术史、文化史、哲学史于一体的著作，它将带领读者穿越日本艺术的漫长时空，理解那些流传千古的杰作背后所蕴含的独特精神，感受日本民族在不同历史时期所展现出的非凡创造力与深邃的审美智慧。本书旨在为读者提供一个全面而深刻的视角，去欣赏和理解日本艺术的丰富性、复杂性及其在全球文化中的重要地位。

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这本书的叙事节奏把握得非常精准，它成功地避免了西方艺术史叙事中常见的、那种线性的、以“主义”和“运动”为驱动的僵硬框架。相反，作者似乎更热衷于探讨“连续性”中的“断裂点”。例如，在讨论明治维新对传统艺术的冲击时，作者并没有直接宣告“传统艺术的衰亡”，而是细致地描述了那些试图在西式学院派教学体系中保留本土技艺的匠人们所经历的挣扎与妥协。他对“日本画”（Nihonga）这一概念的界定尤其精妙，它不是一个静态的风格标签，而是一场持续不断的、身份认同的文化政治博弈。这种对复杂性的尊重和对多元声音的包容，使得阅读过程充满了一种探索的乐趣，你感觉自己不是在被动接受既定事实，而是在与历史的迷雾进行一场充满智慧的交锋。

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坦白讲，我对这本书的插图质量感到非常满意，这对于一本视觉艺术史著作来说至关重要。我翻阅过不少同类书籍，常常因为插图模糊不清或色彩失真而倍感挫败，但这次的体验截然不同。书中对重要作品的选取，不仅涵盖了那些教科书式的经典，更引入了大量相对冷门但极具研究价值的文物照片，这无疑体现了作者深厚的田野调查功底。特别是关于桃山时期城郭建筑的彩绘屏风部分的图像呈现，其细节的锐度和色彩的还原度令人称奇。我记得有一幅描绘大阪城攻防战的屏风，通过高清的局部放大图，我甚至能辨认出画师在描绘硝烟弥漫时所采用的颜料颗粒感。此外，书后附带的图版索引和注释系统也做得极为考究，每一个图录条目都提供了详尽的出处、尺寸、材质以及简短的流传史，这种严谨的态度让我在撰写自己的学习笔记时，拥有了一个极其可靠的参考源。

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我必须指出，本书在论述的深度上，尤其是在涉及近现代艺术的转向时，展现出了惊人的批判性思维。作者并没有简单地套用“现代化”的公式来解释日本艺术在20世纪的变迁，而是巧妙地引入了全球语境下的媒介理论来分析战后日本摄影和装置艺术的兴起。特别是关于战后“物派”运动的论述，作者的解读超越了以往着重于“材料的在场性”的传统分析，进一步挖掘了其背后对战后消费主义和物质泛滥的反思。他将这些艺术家的创作，置于日本社会在战后重建过程中对“意义”与“物质”的深刻焦虑之中进行考察，这种理论上的穿透力，使得那些看似极简的作品焕发出了新的活力。总而言之，这是一本能够激发深度思考的书，它不仅提供了知识，更重要的是，它提供了一种观察和理解日本艺术的、充满辩证精神的方法论。

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这部关于日本艺术史的著作，着实让我这个初涉此领域的读者感到既兴奋又有些许不知所措。它的开篇并没有急于跳入宏大的历史叙事，而是选择了一条非常细腻的切入点，从一尊早期佛教造像的残件入手，引导我们去思考“物”与“时间”的关系。作者对于材料质地的描摹简直是令人拍案叫绝，仿佛能透过文字触摸到那历经千年的木料的温润与斑驳，以及覆盖其上的漆层在不同光线下折射出的微妙色泽。这种专注于微观细节的叙述方式，使得原本可能枯燥的年代考证变得生动起来。更让我印象深刻的是，作者并未将这些艺术品孤立地看待，而是巧妙地将其置于当时的社会结构和信仰体系之中进行解读。例如，他对奈良时代贵族阶层审美偏好的探讨，就不仅仅停留在“华丽”二字上，而是深入分析了这种“华丽”背后所蕴含的政治意图和对异域文化的吸收与消化过程。读到这一部分时，我甚至忍不住停下来，在脑海中重构了一幅幅平安京的宫廷生活图景，想象着那些丝织品上的纹样是如何与寺庙中的壁画相互呼应的。全书的行文流畅，学术性与可读性找到了一个绝佳的平衡点，即使是像我这样对日本艺术史了解不深的读者，也能跟随作者的思路，逐步建立起一个关于日本古代艺术发展的清晰框架。

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这本书最让我感到震撼的是其对“侘寂”美学在江户时代艺术中的演变所进行的深入剖析。不同于以往一些介绍性读物将“侘寂”简单地归结为对残缺和朴素的偏爱，作者提供了一种更为复杂和动态的视角。他通过对比茶道大师千利休的早期实践与后期思想的微妙转变，展示了这种美学如何在政治动荡和文化革新中不断被重新诠释和“武器化”。特别是作者对文人画（Bunjinga）中那些看似随意的笔触进行的技术分析，让我对水墨晕染的层次有了全新的认识。他用极具说服力的语言论证了，那些看似漫不经心的留白，实则是画家与宣纸之间经过深思熟虑的对话，是一种对“未完成性”的哲学拥抱。我尤其欣赏作者在处理不同艺术媒介时的那种跨界思维，他竟然能将浮世绘的商业传播模式与当时的版画技术发展紧密联系起来，论证了大众审美的兴起如何反过来影响了精英艺术的创作方向，这种宏观的交叉分析，极大地拓宽了我对“日本艺术史”这一概念的理解边界。

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