美国卡通教程:如何画出富有个性的卡通形象

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出版者:上海人民美术出版社
作者:[美] 汤姆·班克罗夫特
出品人:
页数:160
译者:王毅
出版时间:2009-1-1
价格:39.00
装帧:平装
isbn号码:9787539159003
丛书系列:
图书标签:
  • 角色设计
  • 卡通
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具体描述

我们身边到处都有形象设计——故事片、连环画、电子游戏、网络、公司标志、儿童书籍的插图,以及其他许多地方。然而即使如此,在作为一位资深而杰出的动漫形象设计师的职业生涯中,汤姆·班克罗夫特有一个发现:他从未看到过一本专门谈动漫形象设计的书。所以,他写了这本《美国卡通教程:如何画出富有个性的卡通形象》。将自己的技艺和洞察与大家分享,启发和指导任何梦想去创造一个打斗英雄或僵尸形象的人。班克罗夫特还是一位讲授有方的老师,他在本书中以清晰扼要的语言讲解了大小、比例、传神身姿等动漫形象设计的要素。他揭示了这一行当的诀窍:怎样成功地创造栩栩如生的人、动物和怪兽形象,怎样处理动漫形象的姿势、色彩和风格。在本书中,他还带来了这个时代一些最伟大的动漫画家的作品和独特见解;并带领读者通过一系列有趣的作业来学习和练习,这些作业可以训练出这一专业领域的成功者。

跨越语言与文化的奇幻之旅:世界经典童话探秘 书籍名称: 探寻世界文学瑰宝:经典童话背后的文化密码与成长哲思 书籍简介: 本书并非一部简单的童话故事集,而是一次深入人类集体潜意识与文化遗产的宏大探险。我们不再满足于“从前有座城堡”的表象,而是要揭开那些流传千古的故事背后,所蕴含的复杂社会结构、深层心理动力以及跨越地域的道德教育体系。《探寻世界文学瑰宝:经典童话背后的文化密码与成长哲思》是一部结合了文学批评、人类学观察、心理分析以及艺术史的综合性著作,旨在为读者提供一个全新的视角去审视那些我们耳熟能详的“睡前故事”。 第一部分:格林童话的日耳曼灵魂——秩序、恐惧与现代性的萌芽 我们将聚焦于收集者雅各布·格林和威廉·格林兄弟的工作。他们的努力不仅仅是记录民间口头传说,更是在19世纪初的德意志邦国动荡时期,构建一种民族身份认同的文化工程。 森林的隐喻与社会秩序的投射: 在格林童话中,森林往往是危险、未知和考验的象征。我们将分析“小红帽”中的母权失落与父权回归的叙事张力,以及“汉塞尔与格蕾特”中对饥荒和遗弃的集体焦虑。这些故事如何反映了当时德国社会对工业化冲击下家庭结构不稳定的恐惧? 惩罚的艺术与道德的刚性: 格林童话中对反面角色的处理往往是残酷且直接的,如穿上烧红的鞋子跳舞。这种极端的惩罚机制,反映了启蒙运动后,欧洲文化试图建立的绝对道德边界。我们将对比不同版本的收录,探讨这些“黑暗”元素的筛选与保留过程,揭示其教育功能——即对社会规范的不可逾越性进行强化。 从民间口传到官方文本的演变: 本书将详细对比格林兄弟不同版本的修改,探讨他们在面对资产阶级家庭的审美要求时,是如何“净化”或“修饰”那些过于粗粝甚至具有异教色彩的原生叙事,从而将童话转化为一套适宜家庭阅读的道德读本。 第二部分:安徒生的孤独与丹麦的浪漫主义——个体情感的崛起 汉斯·克里斯蒂安·安徒生的作品标志着童话叙事重心从“集体教化”向“个体内心挣扎”的转移。他的故事充满了自传色彩、对社会阶层的敏感以及对不朽之美的追求。 “丑小鸭”:身份认同的社会学解读: 我们将解构“丑小鸭”的故事,分析其如何成为现代社会中关于“异类”、“边缘化”和“自我实现”的经典范本。这不仅仅是关于一只鸟的成长,更是关于一个敏感、才华横溢的艺术家如何在保守的社会结构中争取承认的痛苦历程。 悲剧美学的核心: 与格林童话的“大团圆”不同,安徒生的许多故事以悲剧收场,如《海的女儿》。这种对美好事物不可挽回的消逝的描绘,体现了19世纪浪漫主义文学对“永恒的遗憾”的迷恋,以及对无法融入主流社会的知识分子的同情。 宗教情怀与世俗欲望的交织: 安徒生的文字中时常闪耀着强烈的基督教救赎光芒,但同时又深深植根于对人间温暖和被爱的渴望。我们将探讨这种内在的矛盾如何塑造了他作品中独特而忧郁的基调。 第三部分:伊索寓言与东方智慧——实用主义的道德工程学 我们将把目光投向更古老的源头,探究那些以动物为主角、结构精炼的寓言文学,分析其在古代社会中作为快速、有效的道德传播工具的地位。 效率至上的叙事结构: 伊索寓言或《百喻经》等作品的特点在于其极度的简洁和明确的教训。它们不提供复杂的心理动机分析,而是直接展示行为与后果之间的逻辑链条。我们将研究这些寓言如何在缺乏印刷普及的时代,通过口头重复,实现对公民行为规范的精准塑造。 动物角色的符号学意义: 狐狸的狡猾、狮子的威严、蚂蚁的勤劳——这些动物形象并非随意选择,而是承载了数千年积累的文化符号。本书将系统梳理这些符号在不同文明中的指代变化,例如,在西方文学中象征“诱惑”的蛇,在东方某些文化中可能带有“智慧”的色彩。 第四部分:跨文化对话与当代重构——童话的后现代解构 最后,本书将审视经典童话在20世纪及21世纪的重塑过程,探讨它们如何被用于意识形态的批判、性别政治的探讨以及消费主义的包装。 女性主义视角的重访: 我们将剖析那些被传统解读为“被动等待救援”的女性角色(如白雪公主),在当代艺术和文学中如何被赋予能动性。对“王子”角色的祛魅,是当代童话改编的核心议题。 动画工业对原著的“甜蜜化”处理: 动画产业(特别是好莱坞)如何系统地过滤掉原著中的暴力、性和阶级批判元素,将复杂的人性冲突简化为“善恶对立”,以适应全球市场的需求。这种“甜蜜化”过程,对文化记忆产生了怎样的影响? 反类型叙事(Anti-Trope)的兴起: 探讨当代作家如何利用读者对经典桥段的熟悉感,进行颠覆性的创作,例如,灰姑娘在获得水晶鞋后并非幸福地嫁给王子,而是选择创业或投身政治运动。 总结: 《探寻世界文学瑰宝》旨在证明,童话并非是儿童的专属“糖衣”,而是人类社会集体经验的浓缩结晶。通过对这些文本进行多维度的深度剖析,读者将不仅重温故事的魅力,更能理解支撑我们文化结构和道德想象力的深层逻辑。这本书献给所有对故事背后的“为什么”抱有永恒好奇心的人。

作者简介

作为一位设计动漫形象的老手,汤姆·班克罗夫特在佛罗里达的迪斯尼动画公司工作了12年,参与了《救难小英雄》、《美女与野兽》、《狮子王》、《阿拉丁》、《波卡洪嗒断》、《花木兰》、《人猿泰山》、《亚特兰蒂斯》和《熊大哥》等经典动画片的创作。后来,他与自己艺术同仁罗伯·库莱创建了Funnypages公司,专门为迪斯尼、费希尔普里斯、Big Idea、EMI-CMG记录、DC连环画、哈斯布罗、汤姆·尼尔森、Scholastic以及其他客户从事儿童书籍、动漫形象设计、动画、电子游戏的开发工作和连环画创作。汤姆还出版了自己的连环画作品《对立力量》,曾获2005年鲁宾提名奖,并联合其他优秀连环画家创作了许多优秀作品。

目录信息

第1章 一位动漫形象设计尸整天都干什么?
两种动漫形象设计师
从什么地方开始
‘想象动漫形象
动漫形象的层级
第2章 开始设计动漫形象吧!
动漫形象设计的肉、土豆和蔬菜
形状
大小
变化
由基本形状开始
画狗!
第3章 创作吸引人的形象画稿
由一个圆开始——还是这一套?
把你的动漫形象变成三维
改进你的设计
第4章 画美女
比例
曲线与韵律
翘起
脸与眼
发型与服装
第5章 四条腿:一种完全不同的生物
选择动物形象的属性
解剖学的重要
可爱因素
第6章 注意动漫形象的年龄
婴儿
儿童
青少年
成人
老人
第7章 怪兽,异类,及其性格?
生物问题
解剖学
结合定型
给它们一只手掌
电子人
我还没有死
深化设计
多试各种好玩的东西
第8章 组合,分派角色
变化是生活的调料
需要两个
第9章 全都放到一起:身姿、色彩和风格
身姿与感觉
眼神
流动感
色彩与个性
其他角色的色彩
风格
· · · · · · (收起)

读后感

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用户评价

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我是在一个连续几周加班后,带着极度疲惫的心情开始阅读的,原本只是想找点轻松的东西来放松大脑。没想到这本书的叙事方式非常具有启发性,它不是那种枯燥的步骤分解,反而更像是一位经验丰富的前辈,坐在你身边,用一种近乎闲聊的方式,分享他多年积累下来的“行业黑话”和“反常识”经验。比如,它会非常坦诚地指出,很多初学者过于迷恋“完美对称”,反而扼杀了角色的独特性,并提供了一套通过故意“不对称”来增强角色辨识度的技巧。书中对“设计缺陷美学”的探讨尤其深刻,它认为一个伟大的卡通形象,往往存在一个可以被观众记住的、非标准的特征——可能是微小的比例失调,也可能是夸张化的物理限制。这种理念的转变,极大地解放了我的思维定势。读完后,我立刻回去重新审视自己过去的角色设计,发现很多我曾努力消除的“小错误”,其实正是角色魅力所在的关键点。这本书的价值不在于教你画得多像,而在于教你如何有意识地去“打破规则”,创造属于自己的视觉签名。

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这本书最让我感到惊喜的是它对“媒介适应性”的讨论,这一点在很多角色设计书中是被严重忽略的。它花了相当大的篇幅来探讨,同一个基础角色形象,在应用于二维动画、三维模型、乃至周边商品印刷时,其核心设计元素需要如何进行“弹性调整”。例如,它详细阐述了在小尺寸Logo中,哪些细节是可以牺牲的,哪些线条的粗细必须保持一致以确保识别度。书中提供了一套非常实用的“极简提纯流程”,旨在帮助设计师在保持角色灵魂不变的前提下,将复杂的设计简化到最精炼的符号状态。这种面向实际商业应用的视角,让这本书的实用价值瞬间提升了一个档次。它不仅仅关注如何“画得好”,更关注如何“设计得有效”。对于需要为IP进行多平台授权和维护的专业人士而言,这种前瞻性的指导简直是教科书级别的宝藏。它教你的不是如何画出最华丽的图,而是如何画出最“耐用”和“可识别”的图。

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坦白说,我一开始对这类教程是持怀疑态度的,因为很多市面上的教程都停留在肤浅的“线条勾勒”层面,看完后只能模仿,无法创新。然而,这本书的进阶部分,即关于“故事驱动的角色动态”的讲解,彻底颠覆了我的看法。它并没有直接教你画打斗动作,而是引导读者思考“这个角色为什么会做出这个动作?”。它提出了一个“动机-反应-后果”的模型来构建角色的连贯行为线。例如,书中有一个长篇幅的案例研究,分析了一个经典反派角色在不同情境下“叹气”的画法,从不屑的冷哼到绝望的深吸,每一种“叹气”都严格服务于角色的叙事弧光。这种对“表演性绘画”的强调,让我意识到,我们画的每一个笔触,都应该是在为角色的内心戏服务。它强迫读者跳出“画图”的思维定式,进入到“导演”和“编剧”的角色中去,真正做到让画面会说话。这种深层次的思维训练,是任何速成教程都无法给予的。

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这本书的纸张触感和印刷质量出乎意料地好,这对于一本讲授视觉艺术的书籍来说,是至关重要的体验。内页中引用的案例分析材料展示得非常清晰,即便是最微妙的线条变化,也能通过高质量的插图清晰地传达出来。我特别注意到,它在解析不同文化背景下的“可爱”与“怪诞”的接受度差异时,引用了大量跨国界的作品进行对比。这不仅仅是艺术技巧的传授,更是一种文化敏感度的培养。例如,它详细比较了日式Q版人物与美式皮克斯风格人物在“眼睛留白”上的处理差异,并解释了这种差异背后的文化心理学基础。对于致力于将自己的作品推向国际市场的独立创作者来说,这种宏观的视野是非常宝贵的。它教会我,好的卡通形象设计必须具备全球化的可译性,同时又要保留地域的文化根基。这种理论与实践深度结合的讲解方式,让这本书不仅仅是一本工具书,更是一本值得收藏的艺术评论集。

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这本书的装帧设计确实很吸引人,封面那几个卡通角色的神态活灵活现,色彩搭配得大胆又和谐,一看就知道是专业水准。我本来以为这只是一本普通的“照猫画虎”的教程,但翻开内页后发现,它更像是一本关于“如何思考”的艺术哲学启蒙。它没有直接告诉你眼睛应该画多大、嘴巴应该放在哪里,而是花费了大量的篇幅去探讨“情感的具象化表达”。比如,书中有一章专门分析了“紧张感”在卡通形象中的物理体现,通过解构骨骼结构和面部肌肉的微小变化,展示了如何让一个静态的线条图瞬间拥有生命力和情绪张力。这种深入到骨髓的剖析,对于那些已经掌握了基础素描技巧,但总觉得自己的角色“少了点灵魂”的创作者来说,简直是醍醐灌顶。我尤其喜欢它关于“肢体语言密码”的那部分,用非常形象的比喻解释了不同姿势背后所传递的潜意识信息,读起来既轻松又充满了顿悟的乐趣。它让我意识到,画卡通不只是画形,更是设计一个能与观众进行非语言交流的符号系统。

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可以得到一些经验,但讲的很浅,也并不系统,入门书籍。

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如何才能读到这书?

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很有启发的入门书

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