我们身边到处都有形象设计——故事片、连环画、电子游戏、网络、公司标志、儿童书籍的插图,以及其他许多地方。然而即使如此,在作为一位资深而杰出的动漫形象设计师的职业生涯中,汤姆·班克罗夫特有一个发现:他从未看到过一本专门谈动漫形象设计的书。所以,他写了这本《美国卡通教程:如何画出富有个性的卡通形象》。将自己的技艺和洞察与大家分享,启发和指导任何梦想去创造一个打斗英雄或僵尸形象的人。班克罗夫特还是一位讲授有方的老师,他在本书中以清晰扼要的语言讲解了大小、比例、传神身姿等动漫形象设计的要素。他揭示了这一行当的诀窍:怎样成功地创造栩栩如生的人、动物和怪兽形象,怎样处理动漫形象的姿势、色彩和风格。在本书中,他还带来了这个时代一些最伟大的动漫画家的作品和独特见解;并带领读者通过一系列有趣的作业来学习和练习,这些作业可以训练出这一专业领域的成功者。
作为一位设计动漫形象的老手,汤姆·班克罗夫特在佛罗里达的迪斯尼动画公司工作了12年,参与了《救难小英雄》、《美女与野兽》、《狮子王》、《阿拉丁》、《波卡洪嗒断》、《花木兰》、《人猿泰山》、《亚特兰蒂斯》和《熊大哥》等经典动画片的创作。后来,他与自己艺术同仁罗伯·库莱创建了Funnypages公司,专门为迪斯尼、费希尔普里斯、Big Idea、EMI-CMG记录、DC连环画、哈斯布罗、汤姆·尼尔森、Scholastic以及其他客户从事儿童书籍、动漫形象设计、动画、电子游戏的开发工作和连环画创作。汤姆还出版了自己的连环画作品《对立力量》,曾获2005年鲁宾提名奖,并联合其他优秀连环画家创作了许多优秀作品。
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我是在一个连续几周加班后,带着极度疲惫的心情开始阅读的,原本只是想找点轻松的东西来放松大脑。没想到这本书的叙事方式非常具有启发性,它不是那种枯燥的步骤分解,反而更像是一位经验丰富的前辈,坐在你身边,用一种近乎闲聊的方式,分享他多年积累下来的“行业黑话”和“反常识”经验。比如,它会非常坦诚地指出,很多初学者过于迷恋“完美对称”,反而扼杀了角色的独特性,并提供了一套通过故意“不对称”来增强角色辨识度的技巧。书中对“设计缺陷美学”的探讨尤其深刻,它认为一个伟大的卡通形象,往往存在一个可以被观众记住的、非标准的特征——可能是微小的比例失调,也可能是夸张化的物理限制。这种理念的转变,极大地解放了我的思维定势。读完后,我立刻回去重新审视自己过去的角色设计,发现很多我曾努力消除的“小错误”,其实正是角色魅力所在的关键点。这本书的价值不在于教你画得多像,而在于教你如何有意识地去“打破规则”,创造属于自己的视觉签名。
评分这本书最让我感到惊喜的是它对“媒介适应性”的讨论,这一点在很多角色设计书中是被严重忽略的。它花了相当大的篇幅来探讨,同一个基础角色形象,在应用于二维动画、三维模型、乃至周边商品印刷时,其核心设计元素需要如何进行“弹性调整”。例如,它详细阐述了在小尺寸Logo中,哪些细节是可以牺牲的,哪些线条的粗细必须保持一致以确保识别度。书中提供了一套非常实用的“极简提纯流程”,旨在帮助设计师在保持角色灵魂不变的前提下,将复杂的设计简化到最精炼的符号状态。这种面向实际商业应用的视角,让这本书的实用价值瞬间提升了一个档次。它不仅仅关注如何“画得好”,更关注如何“设计得有效”。对于需要为IP进行多平台授权和维护的专业人士而言,这种前瞻性的指导简直是教科书级别的宝藏。它教你的不是如何画出最华丽的图,而是如何画出最“耐用”和“可识别”的图。
评分坦白说,我一开始对这类教程是持怀疑态度的,因为很多市面上的教程都停留在肤浅的“线条勾勒”层面,看完后只能模仿,无法创新。然而,这本书的进阶部分,即关于“故事驱动的角色动态”的讲解,彻底颠覆了我的看法。它并没有直接教你画打斗动作,而是引导读者思考“这个角色为什么会做出这个动作?”。它提出了一个“动机-反应-后果”的模型来构建角色的连贯行为线。例如,书中有一个长篇幅的案例研究,分析了一个经典反派角色在不同情境下“叹气”的画法,从不屑的冷哼到绝望的深吸,每一种“叹气”都严格服务于角色的叙事弧光。这种对“表演性绘画”的强调,让我意识到,我们画的每一个笔触,都应该是在为角色的内心戏服务。它强迫读者跳出“画图”的思维定式,进入到“导演”和“编剧”的角色中去,真正做到让画面会说话。这种深层次的思维训练,是任何速成教程都无法给予的。
评分这本书的纸张触感和印刷质量出乎意料地好,这对于一本讲授视觉艺术的书籍来说,是至关重要的体验。内页中引用的案例分析材料展示得非常清晰,即便是最微妙的线条变化,也能通过高质量的插图清晰地传达出来。我特别注意到,它在解析不同文化背景下的“可爱”与“怪诞”的接受度差异时,引用了大量跨国界的作品进行对比。这不仅仅是艺术技巧的传授,更是一种文化敏感度的培养。例如,它详细比较了日式Q版人物与美式皮克斯风格人物在“眼睛留白”上的处理差异,并解释了这种差异背后的文化心理学基础。对于致力于将自己的作品推向国际市场的独立创作者来说,这种宏观的视野是非常宝贵的。它教会我,好的卡通形象设计必须具备全球化的可译性,同时又要保留地域的文化根基。这种理论与实践深度结合的讲解方式,让这本书不仅仅是一本工具书,更是一本值得收藏的艺术评论集。
评分这本书的装帧设计确实很吸引人,封面那几个卡通角色的神态活灵活现,色彩搭配得大胆又和谐,一看就知道是专业水准。我本来以为这只是一本普通的“照猫画虎”的教程,但翻开内页后发现,它更像是一本关于“如何思考”的艺术哲学启蒙。它没有直接告诉你眼睛应该画多大、嘴巴应该放在哪里,而是花费了大量的篇幅去探讨“情感的具象化表达”。比如,书中有一章专门分析了“紧张感”在卡通形象中的物理体现,通过解构骨骼结构和面部肌肉的微小变化,展示了如何让一个静态的线条图瞬间拥有生命力和情绪张力。这种深入到骨髓的剖析,对于那些已经掌握了基础素描技巧,但总觉得自己的角色“少了点灵魂”的创作者来说,简直是醍醐灌顶。我尤其喜欢它关于“肢体语言密码”的那部分,用非常形象的比喻解释了不同姿势背后所传递的潜意识信息,读起来既轻松又充满了顿悟的乐趣。它让我意识到,画卡通不只是画形,更是设计一个能与观众进行非语言交流的符号系统。
评分可以得到一些经验,但讲的很浅,也并不系统,入门书籍。
评分如何才能读到这书?
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评分很有启发的入门书
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