具体描述
《斯克里亚宾钢琴作品集2:前奏曲、诗曲》中包含了斯克里亚宾较小的钢琴作品，在此可以对他风格的发展有一个很好的了解。从深受肖邦影响的二十四首前奏曲（作品11）开始，到晚些时候的诗曲和舞曲（作品72和73），以及他在临终前完成的充满悲剧性色彩的前奏曲（作品74）。这个版本中的标记说明在谱子的附注处用括弧和较小的字号标注：这些说明没有遵循手稿或是第一版，而是参考了作曲家另外的说明，这些说明在《斯克里亚宾钢琴作品集》（参见“修订说明”）中被引用过。
指法和其他的演奏技巧提示均来自编者。粗看这些指法时，会觉得有些奇怪，但是事实证明它们很实用，这些标记同时还解释了必要的踏板使用方法和在肢体尽可能放松灵活的状态下，手臂和手必要的疾速滑奏和跳跃的技巧。这里有一些例子：作品32第一首第4、5小节的左手和第12小节的右手；第5、6小节表明了分句或停顿也能够影响到指法；第13小节的左手显现了编者的用心，在这小节开始时尽可能长时间地用手指去保持根音，以便于踏板能够晚些进入，从而不会使纯正的音质变得浑浊，绝不要使用5-5-2-1或5-4-1-5的指法；在作品11第五首第8小节中的左手，编者更偏爱1-2-3-1（代替了1-3-2-1），通过这样的指法就可以实现最大可能的放松和轻巧（让手略向左倾斜）；在第7小节中，右手拇指应该放在三连音的第2个八分音符C上，这样能够使全音符E和A保持到这小节第四拍换踏板的时候；在作品11第三首第13小节的左手中，c#音不用拇指弹，而用2指，这样便能够让手放松地从琴键上抽离，而E音也能够用在黑键之外的5指来弹奏。
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这位评论者显然对古典音乐，尤其是钢琴作品有着深厚的兴趣和独到的见解，虽然我无法得知他具体评价的那些作品是什么，但从字里行间流露出的情感和分析的深度，足可以勾勒出一个沉浸在音乐世界中的聆听者的形象。他似乎对那些探索人类灵魂深处、充满哲思的作品情有独钟。 第一段的文字，语气相当的激动和充满激情，像是一位刚刚聆听完一场震撼人心的音乐会后，迫不及待想要与人分享心得的乐迷。他着重强调了“瞬间的永恒感”和“超越技巧的表达”，这表明他关注的不仅仅是演奏的精准度，更是音乐所传达的精神内核。他提到那些“如同在极光下独舞的旋律片段”，用极具画面感的语言描绘了音乐如何触及他内心最敏感的部分。这种对音乐中“形而上学”层面的捕捉，让人感觉他是在聆听一位真正的艺术大师的内心独白，而非仅仅是一组乐谱的再现。他似乎非常欣赏那种打破传统结构、充满即兴与直觉色彩的表达方式，将音乐视为一种直抵本源的、近乎宗教体验的媒介。这种评价风格非常个人化，充满了感性的喷发，像是一篇乐评家的即兴札记，重点在于“被触动”而非“被分析”。
评分第三段的文字，则切换到了一种更为内省和感性的视角，带着一丝怀旧的色彩，仿佛这位读者在特定的人生阶段与这些音乐产生了共鸣。他描述了自己如何“在某个雨夜的咖啡馆里，首次完整地领略了那段著名的慢板乐章”，将听觉体验与具体的场景和心境紧密地联系起来。这种评价的特点是极度依赖“情境化记忆”，音乐不再是孤立的艺术品，而是成为了个体生命历程中的一个重要坐标点。他强调了音乐带来的那种“时间静止”的体验，以及在喧嚣世界中寻得一处安宁的慰藉。语言上更倾向于使用日常但富有诗意的表达，比如“指尖的颤抖似乎穿透了琴键的木质结构，直抵听者的心房”。这让读者感受到一种温暖的亲近感，仿佛他正在分享一个私密的、珍贵的发现。
评分最后这段评价，回归到一种宁静的、近乎冥想的状态，着重于演奏家与作曲家精神之间的“对话”。他似乎在评价一套非常出色的录音版本，并细致地描述了演奏者如何处理那些极其微小的动态变化和触键力度。他反复提到了“气息的控制”和“声音的颗粒感”，暗示了对演奏细节的极致关注。这段文字的结构松散而流畅，像是在讲述一个关于“如何倾听”的哲学命题。他认为，真正的欣赏，在于理解演奏者如何在尊重原作意图的同时，注入自己的生命理解，达到一种“合二为一”的境界。这种评价的落脚点在于“传承”与“诠释”的完美结合，表达了一种对艺术生命力持续流动的深刻体悟，是对演奏艺术本身的最高礼赞。
评分接下来的这段评价，风格骤然转向一种沉静、近乎学术的审视，仿佛一位资深的音乐评论家在进行细致的曲目分析。他开始深入探讨音乐的“和声语言的演变轨迹”，这表明他对作曲家创作生涯不同阶段的作品有着清晰的认知和比较。他使用的词汇，如“半音阶的游走”、“调性中心的模糊化”，都显示出他对音乐理论有着扎实的掌握。这段文字的节奏相对缓慢，更注重逻辑性和条理性，着眼于作品如何一步步地构建起一个复杂而精致的听觉迷宫。他可能是在对比不同作品之间在结构处理上的微妙差异，比如某部作品在发展部如何处理主题的变形，以及对特定调式色彩的偏爱。这种评价方式更倾向于“解构”音乐的构建过程，而非仅仅是享受最终的成品，体现了一种知性的、追求深度理解的聆听态度。
评分第四段的评价，风格突然变得简洁有力，甚至带有一丝“挑战性”，似乎这位读者在用一种近乎现代主义批评的锐利眼光来审视作品。他似乎在质疑某些被传统奉为圭臬的“美学标准”，转而赞扬那些“不和谐音程的果敢运用”和“节奏上的反传统切割”。他可能在讨论作品中那些令人不安、充满张力的瞬间，并认为正是这些“瑕疵”或“棱角”才构成了其真正的艺术价值。这段文字的节奏快速，句式结构紧凑，充满了对陈旧观念的冲击感。他可能是在寻找作品中那些具有前瞻性和实验性的元素，将作曲家视为一位无畏的先驱者，敢于在当时的环境下挑战听众的审美习惯。这是一种非常挑剔但又充满敬意的评价，着眼于音乐的“先锋性”。
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