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出版者:四川省社会科学院出版社

作者:邓运佳

出品人:

页数:534

译者:

出版时间:1988.11

价格:4.5

装帧:精装

isbn号码:9787805241203

丛书系列:

图书标签:

• 川剧
• 戏曲
• 地方戏
• 中国戏曲
• 艺术
• 文化
• 表演艺术
• 四川
• 传统文化
• 戏曲艺术

《川剧艺术概论》是一部深入浅出的川剧艺术研究著作，旨在为广大川剧爱好者、艺术院校学生以及对中国戏曲感兴趣的读者提供一个全面了解川剧的窗口。本书并非对川剧流水账式的罗列，而是着力于梳理川剧艺术发展的脉络，剖析其独特的艺术魅力，并探讨其在当代社会中的价值与传承。 全书结构严谨，内容丰富，涵盖了川剧艺术的方方面面。 第一部分：川剧溯源与演变 本部分将带领读者穿越历史的长河，追溯川剧的起源。我们将从明清时期四川地区民间戏曲的萌芽讲起，详细阐述川剧作为一种独立剧种是如何在漫长的历史进程中，吸收融合了各地戏曲的精华，逐渐形成自身独特风格的。我们将重点梳理川剧在清代、民国以及新中国成立后不同历史时期的发展节点，分析每一次重要的变革对川剧艺术面貌产生的影响。同时，还会介绍一些历史上对川剧发展做出杰出贡献的重要剧目、表演艺术家以及理论家，让读者对川剧的“前世今生”有一个清晰的认识。 第二部分：川剧的声腔艺术 声腔是戏曲的灵魂，川剧的声腔艺术更是其最引人入胜的特色之一。本部分将深入剖析川剧的“三大声腔”——高腔、胡琴腔、弹戏，以及其衍生的其他声腔。我们将详细解读每种声腔的音乐特点，包括其音律、节奏、旋律以及伴奏乐器的运用。本书将不仅仅停留在音乐的描述，更会探讨不同声腔如何与不同的剧目、人物性格以及情节发展相结合，共同塑造出鲜活生动的舞台形象。我们将通过大量的实例分析，如经典剧目中的唱段，来具体展现川剧声腔的艺术表现力，让读者领略其婉转跌宕、高亢激昂或细腻温婉的无穷魅力。 第三部分：川剧的表演艺术 川剧的表演艺术集唱、念、做、打于一体，独具匠心。本部分将系统介绍川剧表演的程式化技巧，包括其独特的唱腔运用、身段塑造、表情刻画以及武打设计。我们将重点讲解川剧在塑造人物形象方面的精湛技艺，例如如何通过特定的程式化动作来表现人物的喜怒哀乐，如何运用眼神、面部表情来传达复杂的情感。此外，本书还将深入探讨川剧的“绝活”，特别是闻名遐迩的“变脸”、“吐火”、“扯面”等绝技的表演原理、训练方法以及在剧目中的运用，揭示这些绝技背后蕴含的深厚文化和精湛技艺。 第四部分：川剧的脸谱艺术 脸谱是川剧最具代表性的视觉符号之一，它以夸张变形的图案和色彩，象征着人物的性格、身份和命运。本部分将对川剧脸谱进行系统性的梳理和解读。我们将介绍不同颜色、线条、图案所蕴含的象征意义，以及它们如何组合形成各具特色的脸谱样式。本书将通过对经典剧目中重要角色的脸谱进行详细分析，来阐释脸谱在塑造人物、烘托气氛、推动剧情等方面的作用。读者将了解到，川剧脸谱不仅是一种化妆手段，更是一种高度浓缩的视觉语言，承载着丰富的文化信息和审美理念。 第五部分：川剧的服饰、道具与舞台 一个完整的戏曲艺术离不开服饰、道具和舞台的有机结合。本部分将对川剧的舞台呈现要素进行细致的阐述。我们将介绍川剧在服饰设计上的特色，包括不同时期、不同身份人物的服装样式、色彩搭配以及刺绣工艺，分析服饰如何与人物性格、故事情节相呼应。同时，还将探讨川剧道具的设计与运用，从象征性道具到写实性道具，及其在烘托场景、暗示人物内心世界等方面的功能。此外，本书还将简要介绍川剧舞台的构成，以及传统戏曲舞台的表演空间特性。 第六部分：经典川剧剧目鉴赏 理论与实践相结合，是深入理解一门艺术的最佳途径。本部分将精选若干具有代表性的川剧经典剧目，进行深入的鉴赏分析。我们将选取不同时期、不同风格的剧目，如《白蛇传》、《柳荫记》、《苏秦挂印》、《吕布与貂蝉》等，从剧本的文学价值、人物塑造、情节设置，到其在声腔、表演、脸谱、服饰等方面的集中体现，进行逐一剖析。通过对这些经典剧目的细致解读，读者将能够更直观地感受到川剧艺术的综合魅力，体会到其在不同时代所焕发出的生命力。 第七部分：川剧的传承与发展 在快速变化的当代社会，如何让古老的川剧艺术焕发新的生机，是每一个关心川剧的人所思考的问题。本部分将探讨川剧在当代的传承与发展。我们将分析当前川剧艺术所面临的机遇与挑战，例如人才培养、市场推广、创新改编等方面的问题。本书将关注那些在传承传统、融合创新方面做出积极探索的剧团和艺术家，分析他们的成功经验。同时，也会对川剧在现代传播媒介中的呈现，如影视改编、新媒体传播等进行一些思考。本书旨在激发读者对川剧未来发展的关注与思考，鼓励更多人参与到川剧的保护与传承中来。 《川剧艺术概论》并非枯燥的学术论文集，而是以生动翔实的文字，配合精美的图片，力求将川剧这朵巴蜀艺术奇葩的独特韵味展现在读者面前。本书的每一个章节都力求逻辑清晰，论述到位，语言通俗易懂，希望能成为所有热爱川剧、渴望了解川剧的读者的良师益友。

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这本书的价值，绝不仅仅停留在知识的罗列上，它更像是一本深度访谈录的汇编，充满了鲜活的“人味儿”。我特别喜欢其中穿插的那些对老一辈艺术家口述历史的记录。那些回忆片段，往往是书本上冰冷的理论所无法替代的。比如，一位老生的回忆中提到当年如何在简陋的戏台上，仅凭一盏煤油灯的光亮来揣摩对手戏演员的微小动作，这种对“当下”的专注和对技艺的极致追求，让人热血沸腾。这些故事，不仅仅是艺术史的补充，更是对川剧人坚韧精神的最好注脚。我甚至能想象到，当年那些艺人们为了一个绝妙的“变脸”技巧，付出了多少汗水和心血。这种“在场感”，让原本遥远的舞台艺术一下子变得触手可及，我仿佛能闻到舞台上的汗味和浓重的油彩味，感受到锣鼓喧天的震撼。它成功地将冰冷的“艺术”还原成了有血有肉的“人”的创造。

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购买这本书时，我其实是抱着一种“碰运气”的心态，因为市面上关于地方戏曲的读物质量参差不齐，很多要么是地方志式的平铺直叙，要么就是过度美化的赞歌。这本书的出现，完全颠覆了我的预期。它没有回避川剧发展过程中面临的挑战和争议，比如在现代传播中如何平衡“守旧”与“创新”的矛盾。作者用一种冷静且富有建设性的口吻，探讨了传统戏曲如何在当代语境下保持其生命力的问题，这体现了极高的学术担当和社会责任感。它不是一味地歌颂，而是提供了一种批判性思考的框架，鼓励读者去思考，我们究竟应该如何对待和传承这样一种具有活化石意义的文化瑰宝。读完后，我不仅对川剧的历史和技巧有了了解，更重要的是，我对它在未来命运的思考也变得更加成熟和复杂，这是一本真正能引发思考的书籍。

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这本书的装帧设计简直是一绝，封面那种烫金的纹路，在灯光下泛着低调又华丽的光泽，让人忍不住想立刻翻开它。我本来以为这会是一本厚重、说教意味很浓的学术专著，毕竟“艺术概论”这几个字摆在那里，总让人联想到枯燥的理论和密密麻麻的文字。然而，当我真正上手后，惊喜地发现它在视觉呈现上做了极大的努力。内页的纸张质感非常棒，摸起来很舒服，而且印刷色彩饱满而精准，特别是那些彩色插图，无论是对脸谱细节的捕捉，还是对戏服材质的还原，都达到了博物馆级别的清晰度。我特别留意了其中关于“生、旦、净、丑”四大行当服饰的对比章节，那些精美的剧照和解剖图，简直就像是一场视觉盛宴。作者显然对传统美学有着深刻的理解，排版布局疏密有致，既有留白让人喘息，又不失信息量的充实。对于初次接触这方面知识的读者来说，这种兼顾美观与易读性的设计，无疑是最好的敲门砖，它成功地消解了艺术入门的距离感，让人愿意沉下心来探索。

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我必须承认，我并非川剧领域的专家，对这门艺术的了解仅限于道听途说，或者偶尔在电视上瞥见的片段。因此，我在阅读这本书时，最看重的便是它是否能为我构建一个清晰、有逻辑的知识框架。这本书在这方面做得非常出色，它没有一上来就抛出那些晦涩难懂的专业术语，而是采取了一种循序渐进的叙事方式。它从川剧的历史源流讲起，像剥洋葱一样，一层层深入到表演体系、声腔特色乃至剧目结构。尤其让我印象深刻的是它对“丑角”表演的解析，不同于很多书籍仅仅将其视为插科打诨的角色，这本书深入探讨了川剧丑角如何通过形体、语言和夸张的表情，来完成对社会现象的深刻讽刺，这让我对这个行当的复杂性有了全新的认识。作者的文字笔触细腻，论述严谨，但又充满了对这门古老艺术的深情与敬意，读起来丝毫没有被学术名词绊住脚步的感觉，反而像是在听一位技艺精湛的老师傅娓娓道来，让人茅塞顿开，对川剧的整体面貌有了系统性的把握。

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老实说，我对“概论”类的书籍一向持谨慎态度，因为它们常常为了求全而导致深度不足，最终变成一本面面俱到的“大杂烩”。然而，这本书在广度上保持了足够的覆盖面，同时在某些关键点上又展现出了令人惊喜的锐度。例如，它对川剧声腔中“二度创作”的探讨，就远超了我之前读过的任何入门材料。它细致地分析了不同流派的唱腔如何在保持传统的基础上，融入了西南地区特有的市井韵味和地域特色，甚至提到了一些在现代录音中难以捕捉的、只在现场才能体会到的“气口”与“颤音”的细微处理。这种对表演细微差别的捕捉和分析，显示出作者深厚的专业功底和敏锐的艺术洞察力，绝非普通爱好者可以企及。它提供的分析工具，足够让一个有心人将这份兴趣转化为更深层次的鉴赏能力。

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