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出版者:科普

作者:晶辰创作室

出品人:

页数:122

译者:

出版时间:2009-1

价格:25.00元

装帧:

isbn号码:9787110068762

丛书系列:

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《Pixel Craft: 像素艺术的数字构建指南》 本书并非一本关于如何操作特定软件制作动态视频的教程。相反，《Pixel Craft》是一次深入探索像素艺术的数字构建之旅。我们将抛开那些瞬息万变的流媒体格式，潜心研究构成像素艺术的根基——像素本身，以及如何通过像素的巧妙组合，创造出富有表现力的静态图像。 第一部分：像素的语言——理解与驾驭 像素的本质： 我们将从最基础的层面出发，解构像素的构成——色彩、分辨率、网格。理解为什么“少即是多”在像素艺术中如此关键，以及如何通过限制调色板来增强视觉冲击力。 色彩的艺术： 探索像素艺术中色彩的哲学。我们将学习如何选择和谐的配色方案，如何运用色彩来营造氛围、表现光影和材质，甚至如何利用色彩的对比度来引导观众的视线。书中会提供大量案例，分析不同色彩搭配的效果。 网格的秩序： 深入研究像素网格的运用。我们将学习如何在不同的网格系统中进行创作，如何利用网格的约束来塑造清晰的轮廓和流畅的线条，以及如何打破网格的常规，创造出独特的视觉效果。 线条与形状： 重点讲解像素线条的绘制技巧。从最简单的直线、曲线，到更复杂的锯齿处理、防锯齿（anti-aliasing）的像素化表现，我们将学习如何用像素笔触勾勒出富有生命力的形态，以及如何避免因像素的粗糙感而产生的视觉不适。 体积与光影的像素化演绎： 探讨如何在二维像素画布上表现三维的体积感和真实的光影效果。我们将学习如何通过像素的明暗变化、色彩的渐变来塑造物体的轮廓，如何模拟不同光源下的阴影投射，以及如何通过像素化的“高光”和“阴影”来增强画面的层次感。 第二部分：像素的构筑——从概念到成品 概念的具象化： 学习如何将抽象的概念和想法转化为具体的像素图像。我们将探讨从草图到像素稿的转化过程，如何进行构图和布局，以及如何捕捉并定格一个瞬间的动态美。 材质的像素化表现： 深入研究如何用像素来模拟各种不同的材质，如金属、布料、木材、皮肤等。我们将学习如何通过像素的纹理、色彩和细节来区分不同材质的视觉特征。 角色与生物的设计： 专辟章节指导如何绘制富有灵魂的像素角色和生物。我们将从基础的骨骼结构、比例入手，学习如何通过像素的细节来传达角色的情感、性格和动作。 场景与环境的构建： 学习如何构建引人入胜的像素场景。我们将探讨如何通过前景、中景、远景的像素处理来营造空间深度，如何通过细节的填充来丰富环境的层次，以及如何利用像素的色彩和光影来烘托场景的氛围。 细节的力量： 强调像素艺术中细节的重要性。我们将学习如何通过微小的像素点缀来提升画面的精致度和可信度，如何运用“瑕疵”和“肌理”来增加画面的真实感。 第三部分：像素的生命——静态图像的动态解读 动态暗示的叙事： 尽管本书专注于静态图像，但我们将深入探讨如何通过静态的像素画来“暗示”运动和动态。学习如何通过姿态、眼神、背景细节、甚至是物体之间的微小联系来引导观众的想象，让他们“看到”正在发生的动作。 “定格”的美学： 探讨如何捕捉一个瞬间的最佳视角和情感表达。学习如何在有限的像素空间内，创造出充满故事感的“定格”画面。 像素的微观世界： 鼓励读者从微观的视角审视像素艺术。我们将引导读者去观察现实世界中不同材质的光泽、纹理，以及它们在不同光照下的细微变化，并将这些观察转化为像素的语言。 像素作为一种艺术形式： 探讨像素艺术的历史渊源、发展脉络，以及其在当代艺术和设计中的地位。我们将鼓励读者将像素艺术视为一种独立且富有魅力的艺术表达方式。 《Pixel Craft》不是一本告诉您“如何做”的书，它是一次引导您“如何思考”的探索。它将赋予您一套观察世界、理解视觉元素的新视角，并教会您如何用像素的语言，将这些洞察转化为一个个令人难忘的、充满生命力的静态数字艺术作品。本书的重点在于培养您独立思考和创造的能力，让您能够触类旁通，将所学知识灵活运用到您自己的创意项目中。

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这本书的装帧设计实在太让人眼前一亮了，封面采用了一种磨砂质感的深蓝色调，中央的烫金字体“数字创意魔法”在光线下微微闪烁，散发着一种专业又不失亲和力的气息。我原本以为这会是一本枯燥的技术手册，但翻开第一页，那种精美的排版和大量的插图立刻打消了我的顾虑。作者在内容组织上显然下了很大功夫，脉络清晰，从最基础的软件界面介绍开始，逐步深入到复杂的交互设计理念。特别是关于“色彩心理学在动画叙事中的应用”这一章节，用大量的对比案例说明了不同色盘如何影响观众情绪，这种理论与实践结合的方式，远超我预期的技术指导范畴。它更像是一本引导视觉思维的艺术教程，而不是单纯的软件操作指南。我特别欣赏它对“非线性叙事结构在短片中的运用”的探讨，这部分内容即便是资深的行业人士也未必能如此精辟地阐述清楚。书中还附带了一个在线资源库的链接，里面包含了大量的素材模板和最新的软件插件教程，这极大地拓展了学习的广度和深度。总而言之，这本书不仅教会我“如何做”，更重要的是教会我“为什么这么做”，极大地激发了我对多媒体创作的热情。

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这本书的排版和设计风格简直是现代极简主义的典范，每一页的留白都恰到好处，阅读起来非常舒适，长时间盯着屏幕也感到眼睛没有那么疲劳。我尤其喜欢作者在关键概念旁边设置的“思考陷阱”小专栏，这些小陷阱往往是一些新手最容易犯的逻辑错误或技术误区。比如，它会特别指出，很多初学者倾向于在关键帧之间使用默认的匀速运动，而这本书则强调了如何精细调整曲线编辑器中的贝塞尔手柄来创造更富生命力的“缓入缓出”效果，并配有动画对比图，视觉冲击力极强。更值得称赞的是，它对跨平台发布和优化方面的讲解非常到位，详细列出了针对网页端、移动端和传统视频输出的不同导出设置要求和文件大小的权衡策略，这是很多只关注创作本身的书籍会忽略的关键商业环节。这本书的实用主义精神，体现在了每一个细节之中。

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这本书的理论深度绝对是超乎预期的，它完全颠覆了我对“制作动画”仅停留在画图和做动效的认知。作者似乎有意将此书定位为一部媒介理论的入门读物。其中关于“动态设计中的信息密度控制”那一节，简直是哲学思辨的味道。它探讨了信息过载时代，动画如何在极短的时间内有效传递复杂信息而不引起观众认知疲劳的问题。书中引用了大量的格式塔心理学原理来佐证其观点，比如“共同命运原则”在角色运动轨迹设计中的应用，这个视角非常新颖。它让我意识到，好的动画不仅仅是视觉上的愉悦，更是一场与观众心智的深度博弈。阅读过程中，我常常需要停下来，结合自己过去的观看经验去反思，那些我过去觉得“很酷”的动画桥段，究竟在心理学层面是如何起作用的。这本书像一剂强心针，将我的学习目标从“学会软件”提升到了“理解媒介”。

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说实话，这本书的实操性强到让人有点喘不过气，但恰恰是这种“手把手”的教学方式，让我这个零基础的门外汉硬是啃下来了不少硬骨头。它不是那种含糊其辞地告诉你“你只需要设置关键帧”的教科书，而是详细到了每一个滑块、每一个属性面板的具体数值建议，并且配有高分辨率的截图，连鼠标指针悬停时的提示文字都标注得清清楚楚。比如，关于声音设计的章节，作者竟然详细分析了五种不同材质的物体碰撞声是如何通过EQ处理来模拟出真实感的，甚至还提到了如何利用环境音效来烘托角色内心的焦虑情绪，这一点在市面上大多数同类书籍中是绝无仅有的深度。我尝试着跟着书中的一个“制作一个三秒钟失重效果”的实战项目，光是粒子发射器的参数调整就花了我一下午，但最终成品的效果让我无比震撼。这本书的价值在于，它把那些看似高不可攀的专业技巧，用一种极度拆解和流程化的方式呈现出来，让人每完成一个小节，都能获得巨大的成就感。

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我是在一个技术交流论坛上看到有人推荐这本书的，当时抱着试试看的心态买的，结果发现它的内容更新速度和前沿性是其最大的亮点。书中不仅仅涵盖了经典的动画原理，还花了大篇幅讨论了诸如“实时渲染技术在二维动画预演中的潜力”以及“AI辅助生成动画草图的伦理边界”等极具未来感的话题。我尤其欣赏作者在介绍新技术时所保持的审慎态度，他没有盲目推崇，而是深入分析了这些新兴技术可能带来的局限性和创造力扼杀的风险。例如，在讲解使用脚本自动化批量处理时，作者反复强调了“保持人为干预的必要性”，以确保作品的“灵魂”不被机器所取代。这本书的内容似乎是与时俱进的，它不仅仅是一本教程，更像是一个持续迭代的学习资源，它成功地为读者构建了一个面向未来动画产业的知识框架。

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