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出版者:人民音乐出版社

作者:Vincent Persichetti

出品人:

页数:284

译者:刘烈武

出版时间:1989-8

价格:4.00元

装帧:平装

isbn号码:9787103002711

丛书系列:

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《二十世纪回响：音乐语言的革新与演进》 一部关于二十世纪音乐理论与实践的深度探索，钩沉音乐大师们的创新之声，解读时代浪潮如何重塑旋律、和声与形式。 二十世纪，一个风起云涌、颠覆传统的时代，在音乐领域也掀起了前所未有的巨浪。当古典主义的藩篱逐渐瓦解，印象派的色彩弥漫开来，序列主义的精密计算崭露头角，电子音乐的奇幻声音充斥耳畔，二十世纪的音乐不再是熟悉的旋律与和谐的简单延续，而是一场关于音乐本质、表达方式与社会功能的深刻革命。本书《二十世纪回响：音乐语言的革新与演进》并非是一部枯燥乏味的理论堆砌，而是试图以一种鲜活、深入的方式，带领读者走进那个波澜壮阔的音乐年代，去倾听那些敢于打破常规、探索未知的音乐家的心声，去理解他们是如何在时代的洪流中，用全新的音符与结构，勾勒出那个时代的精神面貌与哲学思考。 本书将聚焦于二十世纪音乐中最具代表性的几大发展脉络，并从音乐语言的视角出发，细致剖析其内在的演变逻辑。我们不会仅仅罗列主义的名称，更会深入探究其背后的思想根源、创作动机以及对听者感官的挑战与启迪。 第一部分：告别调性——新调性、无调性与十二音体系的黎明 二十世纪音乐的开端，伴随着对传统调性体系的质疑与突破。本书将首先回溯调性音乐的辉煌，审视其内在的局限性，并引出二十世纪初期的“新调性”运动。从德彪西以色彩与氛围取代传统功能和声的印象派，到勋伯格、韦伯恩、贝尔格三位“第二维也纳乐派”作曲家对无调性音乐的探索，再到勋伯格集大成的十二音技法（Dodecaphony）的建立，我们将看到音乐如何挣脱了长久以来以固定主音为中心的束缚，进入一个更加自由、更加多元化的音响空间。 我们会详细解析十二音技法并非简单的“不使用调性”，而是基于一套严谨的音高组织原则，旨在实现音高上的绝对平等，避免任何音高或音程的倾向性，从而创造出全新的听觉体验。本书将通过具体的乐曲片段分析，例如勋伯格的《月下的皮埃罗》中的“说话式演唱”（Sprechgesang）与不协和音程的应用，贝尔格的歌剧《沃采克》中如何巧妙地将无调性音乐与表现主义的心理刻画相结合，以及韦伯恩如何将十二音技法推向极致的简洁与精炼，来展现这一革命性理论在实践中的巨大潜能。我们将探讨十二音体系如何挑战了听觉的习惯，迫使听者重新认识“和谐”与“不和谐”的界限，并揭示其背后深刻的哲学思考，例如对个体解放、秩序重构的追求。 第二部分：结构与声音的实验——序列主义、电子音乐与媒介的拓展 随着十二音技法的确立，一部分作曲家在对音乐结构进行精细化控制的道路上越走越远，由此催生了“序列主义音乐”（Serialism）。本书将深入探讨早期序列主义，特别是梅西安（Olivier Messiaen）的节奏序列与音高序列的结合，以及他门下学生如布列兹（Pierre Bou//////////////z）和施托克豪森（Karlheinz Stockhausen）如何将序列主义的概念从音高扩展到节奏、力度、音色等所有音乐元素，试图构建一种“整体序列”。我们将分析布列兹作品中严谨的结构设计与超强的能量感，施托克豪森早期作品中对音高、时值、力度等元素进行数学化排列的复杂性，以及这一流派对音乐创作的控制欲与理性精神的体现。 与此同时，电子技术的发展为音乐创作打开了全新的大门。本书将详细介绍“电子音乐”（Electronic Music）的兴起，从早期磁带音乐（Musique concrète）中对现实声音进行采样、变形与重组，到早期合成器（Synthesizer）的出现，作曲家们不再局限于传统乐器的音响，而是能够创造出前所未有的声音色彩与纹理。我们将追溯法国的舍菲尔（Pierre Schaeffer）、泰耶（Pierre Henry）与德国的施托克豪森等先驱者，他们是如何通过对声音的“解构”与“建构”，打破了“音乐”与“非音乐”的界限，并探索了声音作为独立美学对象的可能性。本书将讨论电子音乐如何拓展了音乐的表现力，带来了全新的听觉维度，并引发了关于“创作”与“技术”关系的深刻思考。 第三部分：新古典主义与复兴——对传统的再思考与融合 并非所有二十世纪的作曲家都选择了激进的革命。本书也将审视另一股重要的力量——“新古典主义”（Neoclassicism）。在经历了浪漫主义的滥觞与现代音乐的种种实验之后，一些作曲家开始将目光投向巴洛克与古典主义时期的音乐风格与形式，但并非简单的模仿，而是以现代的音乐语言与审美观念对其进行重新诠释与融合。斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）后期的新古典主义时期作品，如《 C大调交响曲》便是典型代表。 我们将分析新古典主义如何通过借鉴过去的形式（如奏鸣曲式、赋格等）来寻求音乐的清晰性、秩序感与普适性，同时又在和声、配器等方面融入了现代的元素，从而创造出一种既熟悉又陌生的独特风格。我们将探讨新古典主义作曲家们对传统技法的“戏仿”与“解构”，以及他们如何通过这种方式来反思现代性对音乐带来的冲击，并试图在混乱中寻找一种新的秩序与平衡。本书将重点分析一些代表性作品，揭示新古典主义如何成为连接过去与现在的一座重要桥梁。 第四部分：音色、空间与无限的可能性——后序列主义、简约主义及其他探索 随着二十世纪的深入，音乐的探索方向变得更加多元化。本书将继续追踪音乐语言的演进，介绍“后序列主义”（Post-serialism）的出现，以及一些作曲家如何从整体序列的严谨控制中解放出来，更加关注音色、空间感以及即兴创作的可能性。克塞纳基斯（Iannis Xenakis）将数学、建筑学与音乐相结合，创造出令人震撼的“随机音乐”与“概率音乐”，本书将探讨其作品中的宏大结构与声音密度。 同时，本书将深入剖析“简约主义”（Minimalism）的崛起。阿洛伊·西蒙森（La Monte Young）、泰利·赖利（Terry Riley）、史蒂夫·赖希（Steve Reich）与菲利普·格拉斯（Philip Glass）等先驱者，如何通过重复的动机、缓慢的节奏变化与静态的音响，创造出一种不同于以往任何音乐的体验。我们将分析简约主义的创作手法，如“阶段过程”（Phasing）、“叠加”（Layering）等，以及其对听觉感知的挑战——如何在这种看似简单的音乐中发现丰富性与内省的空间。本书将探讨简约主义如何以其独特的魅力，影响了后来的电影配乐、流行音乐乃至当代艺术。 此外，本书还将触及一些边缘但同样重要的音乐探索，例如以乔治·利盖蒂（György Ligeti）为代表的“微 theonal music”对音色与音群的精妙处理，以及一些模糊了作曲家与演奏者界限的“开放形式”音乐。 结语：回响于当下的二十世纪音乐 《二十世纪回响：音乐语言的革新与演进》的最终目的，是让读者理解二十世纪的音乐并非是少数精英的晦涩实验，而是对人类情感、理性与生存状态的深刻映照。这些革新性的音乐语言，无论是以十二音技法的逻辑秩序，还是以电子音乐的奇幻音色，抑或是简约主义的内省节奏，都在以不同的方式挑战着我们固有的听觉模式，拓展着我们对音乐可能性的认知。 本书希望通过严谨的学术梳理，生动的案例分析，以及对音乐背后思想的深入解读，帮助读者建立起对二十世纪音乐的宏观认知，并能够更自信地去聆听、去理解、去感受那些曾经令人困惑，却又充满魅力的二十世纪音乐。它所产生的深远影响，至今仍在影响着当下的音乐创作，并必将持续回响在未来的音乐长河之中。本书是一次诚挚的邀请，邀请您一同踏入这场关于音乐语言的伟大革命，去倾听二十世纪那丰富而深刻的回响。

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这本书的学术气息浓厚到让人有些喘不过气。它不是那种可以放松地在沙发上翻阅的书籍，我发现我必须时刻准备着笔和纸，随时记录下那些突然跳出来的专业术语，比如“等比划分”、“音分序列的周期性回归”等等。我尝试着在夜深人静的时候阅读，试图沉浸在那种纯粹的智力挑战中，但很多时候，我不得不停下来，因为我发现自己的大脑已经处理不过来了，那些抽象的符号和复杂的图示在我的脑海里互相纠缠，形成一团难以解开的线球。如果说，大部分音乐理论书籍是教你如何“弹奏”出美妙的声音，那么《二十世纪和声》更像是在教你如何“设计”一个复杂的音乐机械装置。作者对每一个音程、每一个和弦的构成元素都进行了近乎偏执的解剖，仿佛要探究每一个音符在宇宙中的精确位置。我从中读到了一种强烈的“反感冒性”——作者似乎在刻意避开任何容易被大众接受的旋律性或节奏性元素，他用尽一切方法，确保读者理解到，在二十世纪的某些领域，音乐的审美标准已经彻底转向了智力构建的维度。对于一个只是想提升一下自己音乐鉴赏水平的普通爱好者来说，这本书的门槛高得有些令人望而却步，它更像是为那些准备献身于音乐理论研究的学者准备的“圣经”，而不是一本普及读物。

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这本《二十世纪和声》的书，拿到手里沉甸甸的，光是封面设计就透着一股子深邃和复杂性，那种黑白分明的几何图形，仿佛在暗示着里面探讨的音乐理论绝非等闲之辈。我本以为会读到一些关于德彪西或者拉威尔那些印象派大师的和声技法解析，毕竟“二十世纪”这个时间跨度足够广，总该有些耳熟能详的案例吧。然而，一翻开扉页，迎接我的是密密麻麻的十二音体系的图表和严谨到近乎冷酷的数学推导。我不得不承认，我的音乐理论功底在面对这些阿诺德·勋伯格的追随者们构建的全新音高组织结构时，显得苍白无力。书中对于“不协和音程”的重新定义和系统分类，简直像是在推翻我过去二十年听音乐建立起来的所有“好听”的直觉。读到关于序列的横向与纵向展开那几章时，我感觉自己不是在看音乐书籍，而是在攻克一门高等代数的分支。作者显然是一位极度推崇结构主义的学者，他似乎对旋律和情感的表层流动不感兴趣，他更热衷于挖掘隐藏在音符背后的骨架和逻辑。我尝试着跟着书中的指示，去分析一些我从未听过的作曲家——比如里盖蒂早期的作品——试图用书中的工具去“解码”那些听起来像“噪音”的声音。那过程是煎熬的，它要求你摒弃所有对传统美学的依赖，强迫你的耳朵去接受一种全新的、基于逻辑而非感官愉悦的听觉体验。这本书更像是一部学术专著，它为你打开了一扇通往现代音乐“实验室”的大门，但门票是你的耐心和对现有音乐范式的彻底颠覆意愿。它没有提供任何轻松的聆听指南，它提供的是一套让你重新学习如何“看”声音的工具箱，而且工具箱里的工具都异常锋利和专业。

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说实话，这本书的排版和装帧给我一种非常“老派”的感觉，厚厚的纸张，略微泛黄的内页，让人联想到那种七八十年代图书馆里那种需要戴着白手套才能翻阅的学术典籍。我最初是抱着一种“挑战自我”的心态买下的，我以为它会像某些介绍前卫艺术的书籍那样，用一些华丽的辞藻来包装那些晦涩的概念，让我可以半懂不懂地在咖啡馆里假装自己看完了。但《二十世纪和声》完全不是那么回事。它几乎没有采用任何叙事性的语言，每一页都像是一份严谨的实验报告，数据翔实，论证步步为营。我印象最深的是关于“集群和声”的章节，作者竟然用物理学的波函数来类比声音的密度和张力，这让我这个对物理学一窍不通的音乐爱好者感到极其困惑。我试着将书中所说的理论应用到我喜欢的鲍勃·迪伦的歌词上——纯粹是出于一种荒谬的好奇心——结果发现完全格格不入，这让我意识到这本书的适用范围极其狭窄，它只服务于那些在严格的学院体系内进行创作和研究的作曲家。它毫不留情地将所有流行音乐或者甚至大部分浪漫主义晚期以后的音乐，都排除在了它所构建的“和声学”殿堂之外。阅读它，更像是在攀登一座理论的高峰，山顶的空气稀薄，风景也只对少数能适应高海拔的人开放。我常常在阅读中途停下来，去查阅那些我从未听说过的作曲家的名字，然后发现他们的大部分作品都是为室内乐或特定编制的电子音乐而作。这本书，更像是一份通往小众音乐宇宙的密码本，而不是一本大众的音乐欣赏指南。

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这本书的语言风格，可以说是一种极端的、去情绪化的专业术语的堆砌。作者的行文风格犹如一位经验丰富的外科医生，冷静、精确，没有丝毫多余的感情色彩。当你读到他对某个和声结构的描述时，你不会感觉到任何关于“悲伤”或“快乐”的暗示，有的只是对音程关系、密度分布和张力释放点的客观描述。我特别注意到，作者在讨论到某些突破性的和声概念时，很少使用“创新”、“伟大”这类形容词，而是用“必然的逻辑推演”、“系统内建的扩展”来代替，这充分体现了他对音乐结构内在规律的绝对信仰。这种写作态度，使得整本书读起来像是一份详尽的说明书，而不是一本富有激情的音乐评论。例如，在讲解如何处理“微音程”时，书中给出了几种不同的计算方法，每种方法都有其对应的历史背景和哲学支撑，但作者从未明确告诉读者“哪一种方法更好听”，这才是最让我感到震撼和困惑的地方。它强迫读者自己去寻找听觉上的锚点，而不是被动地接受作者的审美导向。总而言之，阅读《二十世纪和声》是一次彻底的、智力上的“去魅”过程，它剥离了音乐中的所有浪漫外衣，只留下冰冷的、坚硬的结构骨架，让你不得不重新审视你对“音乐”二字的全部定义。

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这本书的作者显然对西方古典音乐的演变史有一个极其精微的把握，但他的叙事重点完全偏离了我们通常理解的历史脉络。我期待的是从瓦格纳的《特里斯坦与伊索尔德》开始，和声如何一步步走向瓦解的故事，那是一个充满戏剧性和浪漫色彩的崩塌过程。然而，这位作者似乎更关心的是“如何重建”而非“如何批判”。他花费了大量篇幅去探讨某些鲜为人知的作曲家群体，比如那些在两次世界大战期间流亡美国的实验音乐家，他们如何在外力的作用下，将欧洲的十二音体系与美国本土的爵士和声片段进行了一种近乎化学反应般的融合。这种融合的结果，在书中被描绘成一种全新的、充满张力的“非功能性”和声结构。阅读这些段落时，我仿佛置身于一个巨大的历史熔炉旁，看着那些音符材料被高温重塑。但这种重塑的过程是如此的冰冷和理性，缺乏了那种人性的温度。我甚至觉得，这本书的价值更多地体现在它对那些被主流音乐史忽略的“异端”思想的梳理上，它像一个专业的文物修复师，仔细地将那些破碎的、不被主流认可的理论碎片拼接起来，还原出它们最初的形态。它没有试图让你爱上这些音乐，而是让你理解这些音乐是如何“必须”以这种形式存在。这本书给我的最大感受是：音乐的逻辑性，可以到达何种令人敬畏的、几乎是哲学的深度。

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