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页数:262

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出版时间:2009-3

价格:23.00元

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isbn号码:9787800008177

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《色彩的秘密：走进印刷世界的魔幻之旅》 在信息爆炸的时代，书籍、海报、包装，乃至我们日常生活中随处可见的印刷品，都在无声地诉说着一个个故事，传递着一个个观念。而这一切的根源，都离不开那门古老而又充满活力的艺术——印刷。在这本《色彩的秘密：走进印刷世界的魔幻之旅》中，我们将一同揭开印刷世界的神秘面纱，探索那些将二维平面转化为生动色彩的奥秘。 本书并非一本枯燥的技术手册，而是一次充满趣味的探索之旅。我们将从最基础的“颜色”讲起，但并非停留在“红橙黄绿青蓝紫”的童年认知。我们会深入到色彩的科学本质，了解光与色的互动，探讨三原色（红、绿、蓝——RGB）在光线混合中的作用，以及印刷领域更常用的减色三原色（青、品红、黄——CMY）以及黑色（K）在色彩还原中的重要性。我们会解构色彩模型，理解CMYK是如何通过油墨的叠加来模拟出我们所见到的万紫千红。你将了解到，为什么同样的图片在屏幕上看起来鲜艳夺目，而在印刷品上却可能略显暗淡，这并非印刷技术的不足，而是色彩模型转换的必然。 接下来，我们将目光投向印刷的“骨架”——印前处理。这是将设计师的创意转化为可印刷文件的关键步骤。我们会详细介绍图像的数字化过程，包括扫描和数码相机成像的原理，以及这些数字化图像是如何被编辑和调整的。你将了解到分辨率（DPI）的重要性，为何低分辨率的图片会导致印刷品模糊不清。我们会探讨色彩空间的转换，例如从RGB到CMYK的转换，以及在这个过程中可能出现的色彩损失和如何通过专业软件进行校正。 然后，我们将深入探究排版与布局的艺术。书籍、杂志、海报，它们的阅读体验和视觉冲击力，很大程度上取决于精巧的排版。我们会讨论字体设计的哲学，不同字体的性格与应用场景，为何衬线体在长篇阅读时更显舒适，而无衬线体则更具现代感和冲击力。我们将学习网格系统的运用，如何通过规则的网格来组织页面元素，确保信息传递的清晰度和视觉的和谐感。你将了解到留白的艺术，它并非浪费空间，而是为了突出重点、引导视线、提升整体的呼吸感。我们会分享字号、行距、字间距的黄金比例，以及如何根据内容和目标受众来调整这些参数，以达到最佳的阅读效果。 步入印刷工艺的核心，我们将逐一剖析各种印刷技术。你将了解到，并非所有的印刷品都采用同一种方式“印”出来。我们会从活字印刷的古老智慧开始，追溯其发展脉络，虽然它已逐渐被淘汰，但其原理依然是印刷史上的重要里程碑。接着，我们将重点介绍现代印刷的主流技术，包括： 胶印：本书虽然不直接介绍胶印的细枝末节，但我们会强调其在现代印刷领域的核心地位。我们将从宏观角度理解胶印的原理，它如何通过“油水不相溶”的物理化学原理，将图像信息转移到橡皮布上，再通过橡皮布间接印刷到纸张上。我们会讨论胶印的优势，如色彩还原度高、印刷速度快、成本效益显著，使其成为书籍、杂志、宣传册等大规模印刷的首选。我们将提及胶印的适应性，它能够处理各种纸张和油墨，满足不同印刷品的需求。 凹版印刷：我们将了解凹版印刷如何通过网穴中储存的油墨进行印刷，其特点是印刷品色彩饱满、层次丰富，常用于高档画册、货币、邮票等。 柔性版印刷：这种技术以其柔韧的印刷版材，广泛应用于包装印刷、标签印刷等领域，尤其适合在各种不平整的表面进行印刷。 数字印刷：我们将介绍数字印刷的颠覆性，它无需制版，可以直接从数字文件进行印刷，尤其适合小批量、个性化和按需印刷的特点，例如照片书、定制化宣传品等。 在介绍各种印刷工艺的同时，我们会强调油墨的特性。油墨并非简单的“颜料”，它包含着颜料、连接料、填料和助剂等多种成分，不同的油墨配方决定了印刷品的色彩表现、耐光性、耐磨性、附着力等关键指标。我们会讨论不同类型油墨的特点，例如水性油墨、溶剂型油墨、UV固化油墨等，以及它们在不同印刷工艺和应用场景下的选择。 了解了印刷工艺，我们自然会想到印刷材料——纸张。纸张的种类繁多，性能各异，选择合适的纸张对印刷品的最终效果至关重要。我们将深入探讨纸张的组成、结构和各种物理性能，如克重（厚度）、白度、平滑度、吸墨性、不透明度等。你将了解到，为什么有些纸张适合大幅面印刷，而有些纸张则更适合精细的图文印刷。我们会介绍常见的纸张类型，如铜版纸、哑粉纸、道林纸、特种纸等，并讲解它们各自的优缺点以及适用的印刷品类型。 当然，再精湛的印刷工艺也离不开后道加工的锦上添花。为了提升印刷品的附加值和使用体验，各种后道工艺应运而生。本书将介绍一些常见的后道加工技术，例如： 装订：从简单的骑马钉、胶装，到复杂的精装，我们将探讨不同装订方式的优缺点以及它们的适用场景。 表面处理：覆膜（亮膜、哑膜）、烫金、UV上光、压凹凸等工艺，它们不仅能提升印刷品的美观度，更能增加其耐用性和触感，赋予印刷品独特的质感。 模切：通过特定的模具进行裁切，可以制作出各种异形印刷品，如贺卡、立体包装等。 在全书的探索过程中，我们始终贯穿一个核心理念：印刷是一门艺术，也是一门科学。它需要创意的灵感，也需要严谨的技术支撑。从色彩的感知到油墨的流动，从纸张的纤维到装订的精度，每一个环节都凝聚着人类的智慧和对美的追求。 《色彩的秘密：走进印刷世界的魔幻之旅》将帮助你理解印刷品的诞生过程，培养你对印刷品更深刻的欣赏能力。无论你是一位艺术创作者、设计师、出版从业者，还是仅仅对身边那些色彩斑斓的世界充满好奇，这本书都将为你打开一扇通往印刷奇妙世界的大门。你将不再仅仅是印刷品的消费者，更能成为理解和欣赏印刷艺术的行家。让我们一同踏上这场色彩的魔幻之旅，去发现印刷背后那些令人惊叹的秘密！

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我最近迷上了电影制作，特别是美术指导和布景设计方面的工作，所以偶然翻到了这本《世界电影美学史：从默片到数字时代》。坦白说，这本书的厚度让我有点望而生畏，但一旦沉浸其中，那种跨越世纪的视觉盛宴简直让人欲罢不能。它没有停留在简单罗列导演名字和作品的层面，而是像一位深谙历史脉络的学者，将不同历史时期、不同地域的电影风格与当时的社会思潮、技术发展紧密联系起来。比如，它对表现主义在德国电影中的应用分析得极为透彻，那些扭曲的线条、夸张的阴影，如何映射了战后民众的焦虑与不安，读完简直让人脊背发凉。更让我惊叹的是，作者对色彩理论在电影中的运用有独到的见解，从早期黑白片的层次感，到特吕弗时代对高饱和度的偏爱，再到当代数字调色中对“电影感”的再定义，梳理得清晰明了。这本书的学术性很高，引用了大量的第一手资料和评论家的观点，对我们理解电影的“形式”是如何服务于“内容”起到了关键的指导作用。它让我明白，一部伟大的电影，其画面本身就是一种无需言语的深刻表达。

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我一直对外语学习中的“语境化”问题感到头疼，死记硬背的单词和语法规则在实际交流中总显得格格不入。这本《跨文化交际中的语言符号学》简直是一剂猛药，它彻底颠覆了我对“语言学习”的传统认知。它不是一本教你背单词或练口语的书，而是从符号学的角度，探讨语言作为一种文化载体是如何构建意义的。书中最引人入胜的是关于“非语言符号”的章节，例如不同文化中手势、眼神接触甚至是沉默所携带的信息量，往往比口头语言更丰富、更具杀伤力。作者举了许多有趣的案例，比如在某些亚洲文化中，直接拒绝会被视为失礼，因此人们会发展出一套复杂的、充满缓冲语气的表达方式来传达“不”这个信息。这本书让我意识到，学习一门外语，真正的挑战不是发音是否标准，而是能否理解这套符号系统背后所承载的社会潜规则和思维模式。它教会我如何像一个符号侦探一样去观察和解读他人的言行，这对于提升我的国际商务沟通能力有着立竿见影的效果。

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说实话，我对古典音乐一直心存敬畏，总觉得那是一片高深的学术禁区，直到我拿到了这本《巴洛克音乐的结构与情感表达》。这本书的叙事方式非常巧妙，它没有直接去啃那些复杂的对位法或赋格曲结构，而是从一个非常人性化的角度切入：巴洛克时期的作曲家是如何将他们最强烈的情感，如悲痛、狂喜、沉思，编码进音乐的符号中的。作者用极其生动的笔触，描绘了维瓦尔第的“四季”中每一段乐章所对应的自然景象和内心波动，让人不再觉得那些复杂的器乐独奏只是音符的堆砌，而是一场场精心编排的内心独白。我尤其喜欢它对“巴赫的逻辑之美”的解析，书中通过拆解几段著名的赋格，展示了主题如何在不同的声部中交织、模仿、发展，就像一场精密运转的宇宙系统。读完这本书，再去听任何一部巴洛克作品，耳朵里仿佛多了一层“翻译器”，能立刻捕捉到旋律线条背后的情感张力和结构逻辑。它极大地降低了我对古典音乐的心理门槛，让我从一个单纯的听众，变成了一个能品味其中匠心的鉴赏者。

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我对室内设计一直抱有极大的热情，但总觉得自己的设计风格过于零碎，缺乏系统性和连贯性。这本《光与空间的哲学：现代建筑照明设计解析》彻底帮我找到了方向感。它没有停留在教你如何选择灯具的“款式”上，而是深入探讨了光线本身作为一种“建筑材料”的潜力。作者将物理学中的光学原理，巧妙地转化为了美学设计语言。我以前只知道“硬光”和“柔光”的区别，但这本书详细解释了如何通过控制光线的“色温”、“显色指数（CRI）”和“投射角度”，来塑造空间的情绪和层次感。书中对“间接照明”和“重点照明”的结合应用分析得尤其精辟，特别是如何利用光影的对比来引导视线，凸显材质的肌理感。印象最深的是关于“自然光引入”的章节，作者强调，最好的照明设计是让使用者感觉不到照明的存在，光线仿佛是从建筑结构本身“渗”出来的。读完后，我重新审视了我家客厅的灯光布局，立刻发现了许多过去只关注了功能性、而忽略了空间体验上的失误，并开始着手进行改造。这本书是理论与实践结合得非常完美的一本专业读物。

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这本《现代摄影的艺术与技术》简直是为我这种对光影有着莫名执着的人量身定做的。我一直困惑于为什么有些照片就是能抓住瞬间的灵魂，而我拍出来的却总是平淡无奇。这本书没有过多地纠缠那些晦涩的理论公式，而是用非常直观的案例和深入浅出的语言，把我从一个只会按快门的新手，带到了一个能主动思考“如何用光”的层面。尤其让我印象深刻的是关于“曝光三角”的章节，作者没有简单地给出定义，而是通过一系列对比实验，让我真切体会到光圈、快门速度和ISO这三者之间微妙的制衡与博弈。我记得书里提到一个观点：最好的光线不是自然界中最亮的光，而是最能表现主体情绪的光。这句话像一把钥匙，一下子打开了我对摄影的理解。我开始留意清晨和黄昏那些转瞬即逝的“魔术时刻”，尝试用慢快门定格水流的丝滑质感，而不是一味追求清晰锐利。这本书的排版和图片质量也极其考究，每一张示例图都像是精心挑选的教学范本，光影的过渡、色彩的平衡，都值得反复揣摩。它不仅仅是一本技术手册，更像一位经验丰富的前辈，耐心地在你耳边分享他多年来积累的拍摄心得，让人读完后立刻就想拿起相机去实践。

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