Herzog and De Meuron pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Arquitectura Viva SL

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页数:0

译者:

出版时间:2007-08

价格:0

装帧:Paperback

isbn号码:9788461163915

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• Herzog_&_de_Meuron
• 建筑设计
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赫尔佐格与德梅隆：建筑的炼金术与感知之境 赫尔佐格与德梅隆，这个名字本身就如同一串充满魔力的音符，在世界建筑史的乐章中奏响着独特的旋律。它所代表的，不仅仅是两位才华横溢的建筑师——雅克·赫尔佐格（Jacques Herzog）与皮埃尔·德·梅隆（Pierre de Meuron）——的合作，更是一种对建筑本质的深刻探寻，一种将材料、空间、光影与人的感知巧妙融合，从而创造出触动人心的场所的独特能力。他们的作品，犹如精美的炼金术，将平凡的物质转化为非凡的体验，打破了人们对建筑既有形态的刻板印象，开启了通往感知新境的大门。 自上世纪八十年代初在瑞士巴塞尔创立事务所以来，赫尔佐格与德梅隆便以其大胆的创新和对细节的极致追求，迅速在全球建筑界崭露头角。他们没有遵循任何固定的风格流派，而是始终保持着一种开放、实验性的态度，从每一次挑战中汲取灵感，并将其转化为独一无二的建筑语言。他们的作品遍布全球，从瑞士的工业遗迹改造，到北京的奥运会主体育场，再到伦敦的泰特现代美术馆，每一个项目都仿佛一颗璀璨的宝石，闪耀着独特的智慧与艺术的光芒。 赫尔佐格与德梅隆的建筑，其核心的魅力在于他们对“感知”的精妙把握。他们深谙建筑不仅仅是提供遮蔽和功能的容器，更是塑造人们体验和情感的重要载体。因此，在设计过程中，他们投入了巨大的精力去理解和引导参观者或使用者如何与建筑发生互动，如何去感受空间的变化，如何去体验材质的温度，以及如何在不同的光影条件下产生不同的情绪。他们不追求宏大叙事式的视觉冲击，而是更倾向于营造一种微妙而深刻的体验，让人们在不经意间被建筑所打动。 这种对感知的关注，首先体现在他们对材料的“炼金术”般的运用上。赫尔佐格与德梅隆对材料的理解，远超一般的建筑师。他们并非仅仅将材料视为建造的工具，而是将其视为具有生命和情感的元素。他们会深入研究材料的物理特性，例如纹理、密度、透光性、反射性，甚至是在时间流逝中会发生的改变。然后，他们会以出人意料的方式组合和运用这些材料，创造出令人惊叹的效果。 以他们的标志性作品之一，北京的国家体育场“鸟巢”为例。这座宏伟的建筑，虽然以其独特的钢结构造型闻名于世，但更令人印象深刻的是其内部空间的处理。赫尔佐格与德梅隆巧妙地运用了不锈钢网和 ETFE 膜，创造出了一种既坚固又轻盈的视觉感受。阳光透过网格的缝隙洒入场馆，形成斑驳的光影，仿佛置身于一个巨大的、呼吸着的生命体之中。观众在其中，不仅能感受到体育赛事带来的激情，更能体会到一种与自然光影和谐共存的独特氛围。这种对材料的实验性运用，打破了人们对于传统体育场馆冰冷、单一的印象，赋予了其诗意的生命力。 再以伦敦的泰特现代美术馆为例。这座由旧发电厂改造而成的艺术殿堂，赫尔佐格与德梅隆保留了建筑原有的工业气质，却又注入了现代的艺术活力。他们巧妙地利用了原有的涡轮大厅，将其改造成一个巨大、开放的展览空间，为艺术家提供了无限的创作可能。而位于建筑侧翼的“堆肥塔”（The Blavatton Turbine Hall），则被巧妙地打造成一个垂直的通道，通过透明的玻璃幕墙，人们可以清晰地看到整个艺术殿堂的内部结构，感受到艺术与建筑之间的对话。在这里，材料不再是冰冷的砖石，而是承载着历史记忆和艺术灵魂的媒介。 他们的建筑对光影的运用，同样达到了出神入化的境界。赫尔佐格与德梅隆深知光是建筑的灵魂，是塑造空间情感的关键。他们不拘泥于自然光或人工光的单一模式，而是将两者有机地结合，创造出丰富多变的视觉体验。在他们的作品中，光线可以被引导、被过滤、被反射，从而赋予建筑以动态的生命。 例如，在瑞士的维特拉设计博物馆（Vitra Design Museum），他们利用倾斜的屋顶和巧妙设置的窗户，将柔和的自然光引入室内，营造出一种宁静而富有仪式感的氛围。而在一些更具实验性的项目中，他们甚至会主动设计光线的“不确定性”，让光影在不同的时间、不同的角度产生变化，从而激发观者的好奇心和探索欲。这种对光影的精妙控制，使得他们的建筑在白天和夜晚呈现出截然不同的魅力，如同拥有了变幻莫测的生命。 赫尔佐格与德梅隆的建筑，还在于其对“场所精神”的深刻理解和尊重。他们并非将建筑简单地“放置”在某个地点，而是努力去理解和回应当地的历史文脉、自然环境以及人文特质。他们的设计，总是能够与周遭的环境融为一体，又能在不经意间凸显出自身的独特性。他们相信，伟大的建筑不应该是一种傲慢的宣言，而更应该是一种与场所进行的智慧对话。 例如，在智利的科斯塔·卡瓦纳现代艺术博物馆（Museo de Arte Contemporáneo de Valdivia），他们以当地特有的火山岩作为主要建筑材料，使得建筑仿佛从土地中生长出来一般，与周围的自然景观和谐共生。而在德国的哈根施托克画廊（Hall Collection），他们巧妙地利用了建筑的坡地地形，将不同的功能空间嵌入其中，形成了一种既独立又相互关联的整体。这种对场所的尊重，使得他们的建筑不仅仅是独立的艺术品，更是场所精神的延伸和升华。 更重要的是，赫尔佐格与德梅隆的作品，始终充满了对“非预期的惊喜”的追求。他们不害怕挑战既有的建筑逻辑，而是敢于打破常规，在设计中注入一些意想不到的元素。这些惊喜，可能体现在材料的奇特组合，可能体现在空间的意外连接，也可能体现在光影的戏剧性变化。这些非预期的惊喜，能够有效地吸引观者的注意力，激发他们的探索欲望，并最终带来深刻的审美体验。 例如，在瑞士的欧委会法院（European Court of Human Rights）的扩建项目中，他们设计了一个巨大的、如同“翅膀”般的屋顶结构，打破了传统法院建筑的严肃刻板印象，赋予了其一种开放和包容的气质。而在法国的蒙佩利尔大学（University of Montpellier）的生物学实验室，他们设计了一个如同“血管”般的连接桥，将不同的建筑体块巧妙地联系起来，在满足功能需求的同时，也增添了建筑的趣味性和艺术性。 总而言之，赫尔佐格与德梅隆的建筑，是一场关于感知、材料、光影与场所的深刻对话。他们的作品，不仅仅是物质的建造，更是精神的体验。他们用非凡的智慧和艺术的直觉，将冰冷的建筑材料转化为能够触动人心的空间，将简单的功能需求升华为富有诗意的感知之旅。他们的建筑，是一种“炼金术”，将平凡的元素提炼出非凡的意义；也是一个“感知之境”，带领人们进入一个更深邃、更丰富的建筑体验世界。他们的作品，无时无刻不在提醒着我们，建筑的力量，不仅仅在于其形态的壮丽，更在于其能够唤醒我们内心深处的情感与想象。

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初读此书，最大的冲击来自于它对“表皮”（Skin）这一概念的重新定义。我原以为这会是一本侧重于结构和宏大叙事的著作，但出乎意料的是，它将大量的篇幅投入到建筑的“皮肤”——立面、围护结构乃至表层材料的处理上。这种精微到近乎偏执的关注，让我不禁思考，我们日常生活中对事物的感知，是不是很大程度上依赖于这种最外层的接触？书中的案例分析，特别是对光线穿透、材质衰变以及时间痕迹的处理，展现了一种近乎东方哲学的沉静美学。它没有过分张扬宏大的姿态，反而更像是在与环境进行一场持续的、低声的对话。我特别喜欢其中关于“半透明性”的讨论，那种介于可见与不可见之间的模糊地带，恰恰是建筑意境得以升华的关键。翻阅那些透视效果图和施工照片，我仿佛能闻到水泥初凝的气味，感受到不同气候下材料所呈现出的微妙变化。这本书挑战了许多传统建筑学的教条，它教会了我，有时候最深刻的表达，恰恰是通过最克制的手段来实现的。

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从一个纯粹的艺术鉴赏者的角度来看，这本书成功地将建筑艺术提升到了一个哲学思辨的层面。它探讨的远不止是“如何建造”的问题，而是“为什么建造”和“建造的意义何在”。书中穿插的一些简短的访谈片段，虽然寥寥数语，却掷地有声，直击核心。我尤其对他们如何处理“场所的记忆”这一议题产生了浓厚的兴趣。他们似乎总能找到一种方式，让新建的结构既能融入现有的历史肌理，又不失其自身的现代性宣言。这种游走在传承与革新之间的能力，是极为罕见的。书中的很多平面图，尤其是一些剖面图，被简化到只剩下最基础的几何形体，却能精准地传达出空间序列和流线关系，这本身就是一种高超的抽象能力。这本书让我开始重新审视那些我们习以为常的城市空间，思考我们是否只看到了表象，而错过了隐藏在结构背后的深层秩序与人文关怀。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，那种厚重而沉稳的手感，配合着封面那几乎要溢出纸面的摄影作品，瞬间就把我拉入了一个关于建筑美学和空间哲学的世界。我记得我是在一个阳光极好的午后翻开它的，光线透过窗户洒在那些精妙的图纸和模型照片上，每一个细节，无论是材料的纹理还是光影的过渡，都被捕捉得无比精准。这本书不仅仅是展示了几个著名的项目，它更像是一本建筑思想的编年史，记录了两位大师是如何看待“物质性”与“场所精神”之间的微妙平衡。我尤其欣赏其中对于材料实验的深入探讨，那些混凝土、玻璃和金属在他们手中仿佛获得了新的生命，不再是冰冷的构件，而是承载着叙事和情感的载体。阅读过程中，我常常会放下书本，闭上眼睛去想象站在他们设计的空间里，空气是如何流动的，声音是如何被吸收或反射的。这绝对不是一本快餐式的建筑读物，它需要时间和沉静的心绪去细嚼慢咽，每一次重读都会带来新的感悟，发现之前被忽略的细微之处，那种感觉就像是重新发现了一片熟悉的风景，却在不经意间领悟了其中更深层的地理构造。

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这本书的排版设计，说实话，简直是教科书级别的示范。每一个跨页的布局都经过了深思熟虑，图像和文字的留白处理得极为考究，让人在阅读过程中感到一种舒缓的节奏感。我留意到，不同时期的作品在呈现上有着明显的风格差异，早期的作品倾向于更具实验性和粗粝感，而后期则明显转向了对光线和体量关系的纯粹提炼。这使得整本书读起来像是一部流畅的交响乐，有起承转合，有高潮和低谷。更让我惊喜的是，它并没有过多地堆砌冗长的理论术语，而是通过大量高质量的现场照片和手稿，让建筑本身去“说话”。我甚至可以想象，这些照片的拍摄角度都是经过精心策划的，目的就是为了最大化地捕捉到建筑与特定时间点光影的互动。对于那些从事设计行业的人来说，这本书无疑是一份极佳的灵感源泉，它提醒我们，好的设计不仅仅关乎功能，更关乎如何用视觉语言讲述一个关于“存在”的故事。

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这本书的深度和广度，让我花了很长的时间才消化完。它更像是一份深入研究的档案集，而非一般的建筑画册。我欣赏它在透明度（Transparency）这一概念上的持续探索，不仅仅是物理上的透明，更是关于信息、功能与美学之间的相互渗透。书中展示的那些复杂的功能整合案例，是如何在保持视觉纯净度的同时，高效地解决了现实中的种种限制，这一点非常令人信服。不同于那些只展示最终完美成果的出版物，这本书很大方地展示了设计过程中遇到的挑战和妥协，这让整个过程显得真实而可信。我感觉自己不是在看别人的作品集，而是作为一名学徒，近距离观察两位大师如何进行他们的思维建构。每一次翻阅，都像是一堂大师课，关于如何将看似矛盾的元素——比如宏大与尺度感、新材料与传统工艺——巧妙地统一在一个清晰的语境之下。这是一本值得在书房里常备，随时翻阅，汲取智慧的宝藏。

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