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出版者:

作者:Chris Weston

出品人:

页数:137

译者:张波

出版时间:2009-3

价格:35.00元

装帧:

isbn号码:9787115192257

丛书系列:

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古籍修复技艺：千年尘封的纸张重生术 一卷关于时间、耐心与匠心的传世之作，深入探索中国传统古籍的保护、修复与传承之道。 --- 第一章：沉睡的记忆——古籍的生命周期与历史印记 本书并非聚焦于光影捕捉的现代技术，而是将目光投向那些承载着人类文明重量的纸质载体——古籍。我们将从宏观角度审视古籍在历史长河中经历的“生死”考验。 1.1 纸张的“老化”哲学： 深入剖析不同历史时期（如麻纸、皮纸、宣纸、宋元古籍纸）的材质特性及其对酸、湿、光敏感度的差异。探讨环境湿度、温度波动、昆虫侵蚀（蠹蚀）以及微生物滋生（霉变）如何系统性地瓦解纸张的纤维结构。我们将呈现大量显微图像，展示纤维素链断裂的微观过程，以及墨迹和颜料在老化过程中的化学变化。 1.2 历史的创伤： 详细分类记录古籍在流传过程中遭受的各类物理性损伤。这包括不当装帧导致的“虫蛀孔洞”、“水渍洇散”、“火燎痕迹”、“折痕与撕裂”等。每一处伤痕，都是一部活生生的历史教科书。我们不仅描述损伤，更追溯其成因，例如清代宫廷档案的装订习惯，民国时期因战乱导致的简易修补方式等。 1.3 传统装帧的智慧与陷阱： 对比分析魏晋的“简牍”、“卷轴装”，唐宋的“经折装”、“蝴蝶装”，直至明清的“线装”及其演变。解释每种装帧形式背后的实用性考量（如防潮、便于翻阅、适应书写习惯），并指出其在现代保护上面临的挑战，例如蝴蝶装活页的散佚风险，或线装书脊的过度拉伸。 --- 第二章：修复的理念与伦理——“存真”与“可逆性”的哲学辩证 修复工作绝非简单的“修补”，而是一场与时间、与古人对话的严谨学术活动。本章着重讨论修复领域的核心价值体系。 2.1 修复的“三不”原则与“四性”要求： 系统阐述国际公认的古籍修复原则：不改变原貌、不增加新知、不掩盖历史信息（尽量不使用化学药剂）。并详述修复过程必须遵循的“科学性、可识别性、可逆性、兼容性”四大核心要求。 2.2 材料的“时间胶囊”： 修复材料的选择是修复成败的关键。本章将详尽对比传统植物胶（如皮胶、淀粉胶）与现代合成粘合剂（如羧甲基纤维素 CMC）的物理性能、酸碱度（pH值）以及长期稳定性。重点介绍传统植物纤维纸的配制方法，包括如何使用手工抄纸技术，模仿原书的纤维长度、厚度与色泽，以达到视觉与物理上的“隐形”对接。 2.3 留痕与可逆性： 深入探讨现代修复中关于“留痕”的伦理争议。何时应当在修复处留下清晰的标记以示后人，何时应力求“天衣无缝”？我们展示了如何使用极细的、可被特定溶剂溶解的修复胶水，确保数十年后，即使使用更先进的技术，后人仍能安全地去除本次修复痕迹，这是对历史文物的终极尊重。 --- 第三章：现场实操——从断骸到重生的十八般技艺 本章是全书的技术核心，以图文并茂的方式，详细拆解高级古籍修复的每一个关键步骤。 3.1 基础准备与清洁： 探讨无损清洁技术。如何使用定制的纤维毛刷、橡皮屑、以及专业的吸附材料，去除沉积于纸面的灰尘、霉斑和汗渍，而不伤害脆弱的纤维或墨迹。特别介绍“局部湿润处理”在去除陈年污渍时的精准控制技巧。 3.2 纤维的重塑与嵌补（补洞）： 详细介绍“洇渗法”和“叠洇法”在大型缺失部位的纸张重建技术。展示如何使用镊子和特制工具，将新的、经过处理的纸浆纤维，精准地填充到原书的破洞中，使其在干燥后与原书的厚度保持一致，并在光照下保持半透明度的一致性。 3.3 脊背的重建与重新装订： 针对线装书，我们剖析“打孔”、“穿线”的传统工艺。重点讲解如何修复或重制缺失的“书签线”（绊带），以及如何根据原书残存的物理证据，推断并复原原有的“包角”结构，确保修复后的书籍在翻阅时受力均匀，避免二次损伤。 3.4 缺失页的“同源替代”： 在原书残页无法挽救的情况下，如何寻找或复刻“同源”的替代性纸张，并用“影印技术”（非数码印刷，而是传统雕版或石版再现技术）模仿原书文字的墨色与版式，作为临时或永久性替代的严谨流程。 --- 第四章：保存环境与长久之道——让时间慢下来的科学管理 修复完成并非终点，科学的保存管理才是古籍永续的保障。 4.1 档案级存储环境的构建： 详细解析理想的温湿度标准（推荐恒定湿度45%～55%，温度18°C～22°C），以及如何使用惰性材料（如无酸纸、博物馆级聚酯薄膜）为古籍制作定制的内衬和外函套。 4.2 虫害与火灾的预防性干预： 探讨传统防虫药剂（如樟脑、印楝素）的优缺点与现代应用局限。重点介绍低温冷冻处理（如-20°C）作为无化学残留的杀虫消毒手段，及其操作的安全规范。同时，提供针对图书馆和私人藏家的火灾与洪水应急预案，以及抢救受损古籍的初步急救步骤。 4.3 数字化记录的意义： 阐述数字化技术作为“备份”而非“替代品”的价值。高质量的影像采集如何为未来的修复师提供无可替代的参考依据，以及如何通过三维扫描技术记录古籍的物理形态，作为其“身份证明”。 --- 结语：匠心不朽 本书旨在向读者展示，古籍修复是一门横跨历史学、化学、材料学与精细手工艺的综合学科。它要求修复师心怀敬畏，以纤毫之功，承载万钧之责，让那些沉睡的文字，能够安然跨越下一个世纪的门槛。 （本书不涉及数码影像处理、像素构建、感光元件或现代摄影理论的任何知识。）

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这本书的语言风格极其接地气，丝毫没有那种高高在上的学术腔调，读起来就像是跟一个身经百战的老炮儿在酒吧里聊天一样，幽默又实在。我特别喜欢它在讲解一些常见误区时的那种“吐槽”式的语气。比如，在谈论快门速度对运动模糊的影响时，作者不是直接给出标准值，而是用了一个非常生动的比喻：“当你试图用慢门捕捉一场摇滚演唱会的吉他手时，你得到的结果可能不是艺术，而是给观众做了一次眼睛按摩。”这种带着个人情感和生活阅历的表达，让那些原本冰冷的参数变得鲜活起来，也更容易被大脑记住。很多技术书籍读完就忘，但这本书里的一些“金句”和作者的“小故事”却能长久地留在脑海里，成为我以后按下快门前潜意识的提醒，这种亲切感是那些冰冷教材无法比拟的。

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这本书的排版和装帧简直是业界良心！打开书的那一刻我就被那种沉甸甸的质感给吸引住了，不是那种轻飘飘的廉价纸张，拿在手里非常有分量，感觉就像捧着一个知识的宝库。更不用说那些印刷的质量了，色彩的还原度高得惊人，即便是最细微的光影变化，在书中的样张上也能清晰地捕捉到，那种细节的层次感是很多摄影书籍望尘莫及的。我记得有一章专门讲后期处理的色彩校正，书里直接用了好几张对比强烈的照片作为案例，印刷出来的效果几乎和我在专业显示器上看到的毫无二致，这对于我们这些需要靠实体书来学习色彩理论和实际操作的爱好者来说，简直是太重要了。很多摄影书为了省成本，彩色插图都是糊弄了事，但这本书显然是下了血本的，从纸张的选择到墨水的应用，处处体现出对“视觉呈现”这份事业的尊重，拿在手里翻阅本身就是一种享受，完全不会有阅读疲劳感。

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这本书在处理“创意与灵感”的部分做得非常出色，这一点是很多纯技术手册完全缺失的。它没有将摄影仅仅定义为记录的工具，而是深入探讨了如何用光影构建情绪和叙事。其中有一个章节专门探讨了“负空间”的应用，作者没有止步于教你怎么构图，而是引导你去思考“留白”在画面中所承载的心理重量——是孤独？是期待？还是某种未尽的张力？他引用了大量不同门类艺术作品（包括一些绘画和电影截图）作为参考，极大地拓宽了我的审美边界。读完这一部分，我不再只是想着“我要把主体拍清晰”，而是开始思考“我希望观众看到这张照片时，内心会有什么样的波动”，这对于我从一个记录者转型为有自己想法的表达者，起到了至关重要的推手作用。

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最让我惊喜的是，这本书对于设备更新迭代的“超前性”处理方式。通常技术书籍都会陷入一个怪圈：要么为了追赶最新型号的相机，内容很快过时；要么为了追求永恒，内容又过于基础而缺乏新意。然而，这本书的作者似乎深谙此道，他几乎没有花篇幅去介绍某款特定相机的按键布局或者菜单设置。相反，他将重点放在了“摄影思维”和“光线本质”的探讨上，那些关于曝光三角形的底层逻辑、关于镜头焦段对透视关系的影响、关于色彩科学的原理，这些都是不会随着新款机身的发布而改变的“硬核知识”。这意味着，即便我明年换了全画幅或者上了新的微单系统，这本书的核心价值依然能够稳稳地指导我的创作方向，它提供的是一套可以指导未来十年摄影实践的底层逻辑，而非一套时效性强的操作指南。

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我对这本书的章节编排真是佩服得五体投地，它完全打破了我对传统摄影教材那种枯燥乏味、循序渐进的刻板印象。它不是那种先给你一堆晦涩难懂的理论公式，让你在第一章就被劝退的类型。相反，它更像是一位经验极其丰富的摄影大师，坐在你对面，非常自然地将复杂的概念拆解成一个个可以立即上手实践的小模块。比如，它讲到景深控制时，不是堆砌焦距和光圈的数学关系，而是直接给出一组不同光圈下拍摄的同一景物，让你直观感受到“虚化”是如何产生的，这种“先展示，后解释”的叙事手法，极大地提高了学习效率。我以前总是在“技术参数”和“艺术表达”之间找不到平衡点，这本书的结构设计巧妙地将两者融为一体，让你在掌握了如何操作相机后，立刻明白“为什么”要这么操作，真正做到了从“工具的使用者”向“创作者”的转变。

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我是在书店偶然翻到的，当时只有这一本了，觉得对自己很有帮助，能学到很多平时拍照时不注意的细节

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比作者同个系列的“用光篇”好多了

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必读

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我是在书店偶然翻到的，当时只有这一本了，觉得对自己很有帮助，能学到很多平时拍照时不注意的细节

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