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出版者:

作者:吴祥忠

出品人:

页数:130

译者:

出版时间:2009-4

价格:38.00元

装帧:

isbn号码:9787122045072

丛书系列:

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• 景观设计
• 园林景观
• 环境设计
• 城市规划
• 景观建筑
• 绿化工程
• 室外设计
• 景观规划
• 园艺
• 生态景观

《自然絮语：山水画中的东方意境》 前言 在中国传统文化的长河中，山水画占据着举足轻重的地位。它并非仅仅是对自然景物的客观描摹，更是承载着画家深沉的情感、哲学的思考以及对人生与宇宙的独特体悟。本书《自然絮语：山水画中的东方意境》旨在深入探索中国山水画的艺术精髓，揭示其背后蕴含的东方哲学思想、审美情趣以及文化精神。我们将从多个维度剖析山水画的形成、发展、表现手法及其在不同历史时期的独特风格，力求呈现一幅全面而深刻的山水画精神图景。 第一章：山水画的滥觞与早期探索 山水画的萌芽可以追溯到魏晋南北朝时期。尽管当时的书画尚处于初步发展阶段，但对自然景物的描绘已悄然兴起。我们将在这一章中回顾山水画的早期痕迹，例如在墓室壁画、青瓷器纹饰中发现的自然元素。我们将探讨此时期人们如何初步认识和表现自然，以及这些早期尝试如何为后来的山水画奠定基础。 史前与早期工艺中的自然意象：从陶器上的纹饰到玉器上的雕刻，探讨早期人类对自然形态的初步认知和艺术化表现。 汉代画像石中的山林描绘：分析汉代画像石中出现的与山水相关的图像，如狩猎场景、神话传说中的山川表现，以及这些图像所反映的当时人们对自然环境的理解。 魏晋风度与山水初步的艺术化：探讨魏晋时期士人阶层对自然的向往与寄情，以及这种情怀如何在绘画中初步显现，例如顾恺之《洛神赋图》中的背景处理。 第二章：五代宋初：山水画的独立与成熟 五代和宋朝是中国山水画发展的黄金时期。这一时期，山水画从依附于人物画、花鸟画的附属地位，逐渐发展成为一门独立的画科，并取得了前所未有的艺术成就。本章将重点介绍这一时期的山水画大家及其代表作品，如荆浩、关仝、范宽、李成、郭熙等。我们将深入分析他们作品中所展现出的宏大构图、精妙笔墨以及对自然山川的深刻体悟。 “山水画”概念的形成：追溯“山水画”作为独立画科的形成过程，探讨士人阶层对自然艺术价值的认知提升。 北宋山水画的宏伟气象： 荆浩与关仝的“全景山水”：分析荆浩《山水诀》中对山水画创作原则的论述，以及其作品《观山》、《雪景山水》对全景式构图的开创性意义。重点解读关仝作品的雄浑与苍劲。 范宽的“山峦巍峨”：深入剖析范宽《溪山行旅图》、《雪景山行图》等作品，解读其“雨点皴”的独特技法，以及作品中所展现的崇高与壮丽感，揭示其“搜尽奇峰打动稿”的创作理念。 李成的“平远”与“高远”：探讨李成如何将北方的山峦丘壑描绘得气象万千，分析其“寒林”的独特风格，以及作品《读碑窠石图》等所体现的空灵与萧瑟之美。 郭熙的“山水意境”：重点阐述郭熙《林泉高致》中的山水画论，分析其“三远”理论，以及作品《早春图》、《窠石平远图》中如何通过笔墨表现自然的变化与神韵，如“卷舒”、“明晦”等。 南宋山水画的“小景”与“边角”： 马远、夏圭的“边角之景”：分析南宋山水画在构图上的创新，即“马一角”、“夏半边”的风格，探讨其如何通过对画面的取舍，营造出更加写意、留白的艺术效果，如马远《踏歌图》、夏圭《溪山清远图》。 对自然细节的关注：探讨南宋画家对山水细节，如水纹、树木、石块等描绘的精细化，以及这种精细化如何服务于整体的意境营造。 第三章：元明清：文人山水与时代变迁 元、明、清时期，山水画的发展呈现出新的特点。文人画的兴盛对山水画产生了深远影响，山水画逐渐成为文人抒发情怀、寄托性灵的重要载体。同时，不同时代的历史变迁也体现在山水画的风格演变之中。本章将重点关注元代赵孟頫倡导的“复古”思潮，明代沈周、文徵明的“吴门画派”，以及清代“四王”的“摹古”与“新安画派”的“逸笔”。 元代文人山水的新气象： 赵孟頫的“古意”与“雅趣”：分析赵孟頫提倡“石田山水”的理念，及其如何通过继承唐宋遗韵，融入文人雅士的审美情趣，创造出高古淡雅的风格。解读其《水村图》、《幽涧冷泉图》等作品。 黄公望的“富春山居”：深入解读黄公望《富春山居图》的艺术价值，分析其勾皴结合的笔法，以及作品所传递出的悠远、宁静的隐逸情怀。 其他元代名家：简要介绍王蒙、倪瓒等在山水画领域的探索与贡献。 明代山水画的多元发展： 吴门画派的“雅逸”：重点介绍沈周、文徵明、唐寅、仇英等吴门四家，分析他们继承前代传统，融合文人画特点，形成各自独特的风格，如沈周的“粗服乱头”，文徵明的“秀润”，唐寅的“劲健”，仇英的“工致”。 浙派与院体的影响：简要提及戴进、吴伟等浙派画家，以及明代院体山水画的特点，探讨其与文人山水的异同。 清代山水画的守成与创新： “四王”的“摹古”与“程式化”：分析王时敏、王鉴、王翬、王原祁四家在继承元四家、明代大家传统方面的成就，以及他们如何形成程式化的笔墨语言。解读王翬《仿董源夏山图》等作品。 “四僧”的“奇逸”与“个性”：重点解读八大山人、石涛在山水画领域的革新，分析他们如何突破传统程式，以极具个性的笔墨表现内心的孤寂与不羁，如八大山人的“疏朗奇峭”，石涛的“笔墨恣意”。 新安画派的“黄山派”：介绍渐江、汪之瑞、查士标等新安画派画家，分析他们对黄山山水情景的独特描绘，以及其作品所体现出的清逸、孤傲之气。 第四章：山水画的意境营造与哲学思想 中国山水画的魅力远不止于技法层面，更在于其背后蕴含的深厚意境与哲学思想。本章将深入探讨山水画如何通过笔墨、构图、色彩等手段，营造出空灵、悠远、静谧、壮阔等多种意境，并解析这些意境与中国传统哲学，如道家“天人合一”、儒家“仁者乐山”、佛教“色即是空”等思想之间的紧密联系。 “笔墨”的语言与精神： 皴法与勾勒：解析不同皴法（如披麻皴、雨点皴、斧劈皴）的形成原因及其所表现的物质感与空间感。 用墨的浓淡干湿：探讨墨色的变化如何表现山川的层次、光影与氛围。 线条的韵律与力量：分析线条在勾勒山石、树木、云水中的表现力，以及其所传达的情感。 “构图”的奥秘与象征： “三远”理论的实践：再次审视郭熙“三远”理论在实际作品中的运用，如高远、深远、平远所带来的视觉感受与空间延展。 留白与意象：分析画面中留白的艺术处理，探讨其如何引导观者进入想象空间，形成“计白当黑”的艺术效果。 景物的选择与象征意义：例如，松树象征坚韧，竹子象征高洁，梅花象征傲骨，云雾象征神秘与变化，瀑布象征生生不息。 “意境”的传达与情感共鸣： “气韵生动”的追求：探讨张彦远“六法”中的“气韵生动”在山水画中的体现，以及如何通过山水画传递出画家内心世界的感受。 “胸有成竹”的创作观：理解画家在创作前对自然山川的深入观察、体验与消化，以及这种内在的积淀如何转化为笔下的意境。 “天人合一”的哲学观照：解析山水画如何体现道家“顺应自然”、“道法自然”的思想，将人的情感与宇宙的宏大融为一体。 “隐逸”与“出世”情怀：探讨山水画作为文人表达隐逸情怀、寄托理想的重要方式，以及其中所蕴含的超脱世俗的精神追求。 第五章：山水画的审美特征与文化传承 本章将总结中国山水画独特的审美特征，如崇尚自然、追求意境、注重写意、强调笔墨韵味等，并探讨其在当代社会中的文化价值与传承意义。 “简”与“繁”的辩证：分析中国山水画如何在寥寥数笔中勾勒出万千气象，以及如何在繁复的细节中保持画面的整体气韵。 “静”与“动”的和谐：探讨山水画如何通过静态的山石、树木，以及流动的云水、飞瀑，营造出动静结合的画面效果。 “客观”与“主观”的融合：理解山水画并非单纯的客观写实，而是画家主观情感与客观景物的高度融合。 山水画在现代社会中的价值： 精神寄托与心灵慰藉：在快节奏的现代生活中，山水画如何提供一片宁静的空间，让观者得以放松身心，获得精神的滋养。 文化认同与民族精神的体现：山水画作为中国传统文化的重要载体，如何帮助我们认识和传承民族精神。 当代艺术的启示：探讨山水画的写意精神、笔墨语言等对当代艺术创作的借鉴意义。 传承与创新： 对传统笔墨技法的学习与理解：强调深入学习经典作品，掌握传统技法的重要性。 时代精神的融入：探讨如何在继承传统的基础上，融入当代人的审美情趣与生活体验，创作出具有时代精神的山水画。 结语 《自然絮语：山水画中的东方意境》旨在带领读者走进中国山水画的丰富世界，感受其独特的艺术魅力与深厚的文化底蕴。我们希望通过本书的深入探讨，让读者不仅能够欣赏到山水画的视觉之美，更能体悟其中蕴含的东方哲学智慧与人文精神，从而更深刻地理解人与自然、个体与宇宙之间的关系。这不仅仅是一次艺术的鉴赏之旅，更是一次关于生命、关于心灵的探索。

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我是一名城市规划专业的学生，在寻找一本能有效连接宏观规划与微观设计的桥梁性书籍时，发现了这本《景观设计》。这本书最让我感到惊喜的是它对“叙事性景观”的精彩剖析。作者并没有将景观视为孤立的视觉对象，而是将其视为承载地方记忆、讲述历史故事的载体。书中对不同文化背景下的纪念性景观和公共艺术介入的分析尤为精妙，它阐释了如何通过特定的空间序列、材质对比甚至光影变化，潜移默化地影响参观者的情绪和对场地的理解。这种注重“体验”和“意义建构”的视角，极大地拓宽了我对城市公共空间复杂性的认识。例如，书中分析了一个老工业遗址改造项目，它如何巧妙地保留了工业遗存的“伤痕”，并将其转化为叙事元素，而非简单地夷为平地重建。这让我意识到，优秀的设计是在尊重过去的基础上，面向未来进行对话。这本书提供的不仅仅是设计技巧，更是一种深刻的文化责任感。

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坦白说，我本来对这类“专业教材”型的书籍抱有很高的戒备心，总担心会充斥着晦涩难懂的术语和枯燥的理论，但《景观设计》这本书的编排方式简直太对我的胃口了。它采用了“问题—分析—方案—反思”的结构，每一个章节都像在带领读者经历一个完整的项目设计过程。我尤其欣赏作者对于“场地分析”这一环节的重视，他们花了好几页篇幅去讲解如何运用多种感官去体验场地，比如风的流向、土壤的质地、历史的沉淀感，这些都是教科书里通常一笔带过的内容。书中穿插的大量手绘草图和概念图，不仅直观易懂，更重要的是，它们展示了一种设计思维的演化路径，而不是简单地给出最终成品。这对于我们这些刚入门的设计爱好者来说，无疑是最好的引导。我感觉自己不是在阅读一本工具书，而是在跟随一位经验丰富的大师进行一对一的指导。每次读完一个案例，我都会合上书，在脑海中模拟一遍如果是我来设计，我会如何处理那些复杂的限制条件。这本书的价值，在于它教会了我们如何“提问”而非仅仅“回答”设计难题。

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这本《景观设计》简直是打开了我对城市空间认知的一扇新大门！我原本以为景观设计无非就是种花栽树，顶多是些漂亮的公园规划，但这本书彻底颠覆了我的固有印象。它深入浅出地探讨了如何将生态学原理与人文关怀巧妙地融合在一起，那种对场地精神的挖掘，简直令人拍案叫绝。书中详细阐述了不同气候带下的植被选择与配置策略，让我明白了为什么有些地方的花草长得好，而另一些地方却总是病恹恹的。更让我印象深刻的是关于“可停留性”的分析，作者用大量的图例和案例说明了，一个成功的景观绝不仅仅是视觉上的享受，更重要的是它能否激发人们的互动与停留欲望。比如，如何通过高差变化引导人流，如何利用水景营造微气候，每一个设计决策背后都有着严谨的逻辑支撑。读完第一部分，我立刻产生了去观察我身边社区公共空间的冲动，试图用书中学到的知识去解构那些看似随意却处处透露着设计智慧的角落。这本书的文字功底也十分扎实，那种充满激情又严谨细致的叙述方式，让人在学习专业知识的同时，也享受了一场思维的盛宴。

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这本书对“可持续性”的探讨深度，远远超出了我此前接触到的任何景观读物。它没有停留在简单地提倡使用本地材料或节约用水这种基础层面，而是深入到了材料的生命周期评估（LCA）以及后期的维护管理成本考量。让我感到震撼的是其中关于“韧性景观”的章节，面对日益频繁的极端天气事件，作者提出了一系列前瞻性的设计策略，比如如何利用低洼地带构建海绵系统，如何设计能够适应季节性淹没的植被群落等。这些内容让我意识到，现代景观设计已经不再是单纯的美化工程，它肩负着维护城市生态安全的重要责任。书中引用的数据和图表都非常详实有力，清晰地论证了生态效益与经济效益之间的正相关性。对于关注环境议题的读者来说，这本书提供了大量切实可行且具有前瞻性的解决方案，它不仅仅是指导我们如何“做设计”，更是指引我们如何“负责任地设计”。读罢全书，我感觉自己对“环境友好型”设计有了更深刻的、基于科学的理解，而不是停留在口号层面。

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我一直认为，最好的设计书籍是那些能激发批判性思考的书籍，而《景观设计》无疑做到了这一点。书中对当前景观设计行业中存在的“过度装饰化”和“同质化”倾向进行了毫不留情的批判。作者挑战了那些一味追求“网红”打卡点、忽略功能和场域特性的浮躁设计风气，并提出了回归本质的设计哲学：即“少即是多”的克制美学。这种对行业现状的深刻反思，让这本书显得格外真诚和宝贵。在关于材料选择和构造细节的讨论中，作者强调了工艺的纯粹性，主张用最少的材料、最简洁的构造方式，来达到最持久的视觉效果和最好的使用体验。书中对“细节决定成败”的论述，细致到每一条缝隙的处理、每一块铺装的边缘收口，这种对工艺精神的推崇，在当下快节奏的设计实践中显得尤为珍贵。读完后，我立刻开始审视自己以往的设计稿，试图剔除那些冗余的、仅仅为了“好看”而存在的设计元素，追求一种更加沉静、持久的美感。

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