美术基础

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出版者:
作者:吴忠正 编
出品人:
页数:169
译者:
出版时间:2009-1
价格:32.00元
装帧:
isbn号码:9787040249712
丛书系列:
图书标签:
  • 美术基础
  • 绘画
  • 素描
  • 色彩
  • 构图
  • 透视
  • 线条
  • 造型
  • 艺术入门
  • 设计
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具体描述

《美术基础(第2版)》力求通过美术基础训练,强化学生们对美术基本造型形态及色彩表现的认识。内容上着重进行二维平面形态训练、三维空间训练与结构训练,强调针对多媒体及相关专业的特点进行速写训练、想象训练,强化学生对三维空间形态的认识,提高学生的形象表现力与创造力。系统地进行了色彩的专业训练,培养对色彩敏锐的感受能力和审美情趣,为多媒体作品的设计与制作奠定美术基础。《美术基础(第2版)》还配有助学课件光盘,制作精良,信息量大,适合多媒体及相关专业学生和美术爱好者使用。

历史长河中的色彩与形体:西方古典雕塑艺术精粹 一部追溯人类审美源头的深度探索之旅 本书并非专注于绘画技巧或色彩理论的入门指导,而是带领读者深入沉浸于人类文明史上,特别是古希腊、古罗马以及文艺复兴时期,雕塑艺术所承载的哲学思考、社会结构与极致的审美追求之中。我们不教授如何“画出”一个形体,而是探讨“形体本身如何成为思想的载体”。 第一部分:神性与人性的交织——古希腊雕塑的黄金时代 本章从爱琴文明的早期遗迹开始,逐步过渡到古风时期的僵硬与程式化,最终聚焦于古典盛期(公元前5世纪中叶至前4世纪)米隆、菲狄亚斯和波留克列特斯所确立的艺术规范。我们将重点分析“黄金比例”在人体雕塑中的应用,探究“对比例”这一概念如何从数学抽象演变为对理想化人性的完美表达。 “平衡的张力”: 详细剖析波留克列特斯《荷枪者》(Doryphoros)中“对位法”(Contrapposto)的革命性意义。这种看似放松却蕴含内在动能的站姿,如何打破了早期雕塑的静态模式,赋予了石像以生命感和内在的心理张力?我们不仅会观察其外形,更会解读其背后蕴含的城邦公民的自信与和谐观念。 神祇的现世化: 探讨菲狄亚斯在帕特农神庙群像中所展现的诸神形象。宙斯如何从一个抽象的威严概念,转化为具有感官吸引力、同时又无可置疑拥有至高权力的人形存在?重点解析浮雕中衣褶的处理技法——“湿衣褶”的运用,如何使大理石展现出丝绸般的柔软与身体的内在轮廓,这是一种对物质限制的极致超越。 从理想至情感的过渡: 深入晚期古典时期(普拉克西特列斯、斯科帕斯)的风格转向。当城邦的集体主义精神减弱,个体的情感和私密性开始浮现时,雕塑的面部表情和姿态是如何体现出忧郁、沉思和柔和的(如《克尼多斯的阿佛洛狄忒》),标志着艺术审美从宏大叙事向个体心理世界的拓宽。 第二部分:权力、复制与实用主义——罗马雕塑的继承与革新 罗马人并非凭空创造,他们是希腊艺术的伟大吸收者和传播者,但他们的雕塑却带着鲜明的实用主义烙印。本章旨在区分希腊原作与罗马复制品之间的细微差别,并考察罗马雕塑如何服务于政治宣传和帝国荣耀。 肖像的真实性: 研究罗马共和时期肖像雕塑中极致的“写实主义”(Verism)。为何元老院阶层追求如此毫不留情的刻画,即使是皱纹、秃顶和面部瑕疵也被保留?这反映了罗马人对家族传承、德行(Virtus)以及历史记忆的独特重视。 帝国的纪念碑: 分析奥古斯都时代的“理想化肖像”如何与早期的写实主义形成对照。例如,对《奥古斯都像》中对神性和永恒统治的强调,以及盔甲上复杂的神话浮雕所承担的政治叙事功能。 从圆形到纪念碑: 考察罗马的纪念性雕塑(如图拉真纪功柱),它们如何将线性叙事和军事行动转化为宏大的、可供行走的视觉编年史。雕塑不再仅仅是静止的崇拜对象,而是动态的历史记录工具。 第三部分:重生的光辉——文艺复兴的回归与重塑 中世纪的宗教艺术将焦点从人体物质性转向精神象征,文艺复兴的雕塑家们肩负着重新发现和超越古典传统的使命。本章聚焦于佛罗伦萨和罗马的巨匠们如何融合了科学解剖学、人文主义哲学与古代技艺。 多纳泰罗的心理深度: 深入分析多纳泰罗(Donatello)的作品,尤其是他对青铜和泥土媒介的探索。他的《大卫》(青铜版)如何以其青春的脆弱感和胜利后的沉思,重新定义了“英雄”的形象?我们关注他如何将古典的裸体形式与哥特式晚期敏感的内心世界相结合。 米开朗基罗的“未完成”与“内在的挣扎”: 核心部分将探讨米开朗基罗对大理石的“解放”过程。他坚信雕像的形态已经存在于大理石内部,艺术家只需将其“移除多余的”。分析《垂死的奴隶》和《摩西》中那股喷薄而出的、近乎痛苦的力量感,这反映了文艺复兴盛期(High Renaissance)对人类潜能的极端肯定与自我实现过程中必然伴随的挣扎。 巴洛克的回响与动势: 简要介绍贝尼尼(Bernini)如何彻底颠覆了文艺复兴的宁静。通过《阿波罗与达芙妮》或《圣特蕾莎的狂喜》,观察光线、动态捕捉、材质的对比(坚硬的石头表现出柔软的皮肤、飘动的衣物和空气的流动)如何将雕塑推向戏剧性的高潮,使其成为空间中一个无法忽视的、瞬间的事件。 结语:永恒的形式与流变的意义 本书最终旨在提供一个框架,让读者能够超越对“美丑”的简单判断,理解雕塑作为一种跨越千年的人类表达形式,其形式语言(比例、姿态、材质选择)是如何与特定时代的核心价值观、宗教信仰和社会权力结构紧密相连的。通过对这些石与铜的凝视,我们得以触及人类文明最深层的审美渴望。

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