MIDI for Musicians

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出版者:Music Sales America
作者:Craig Anderton
出品人:
页数:105
译者:
出版时间:1995
价格:USD 19.95
装帧:Paperback
isbn号码:9780825610509
丛书系列:
图书标签:
  • MIDI
  • 音乐制作
  • 音乐技术
  • 作曲
  • 编曲
  • 电子音乐
  • 音乐软件
  • 键盘乐器
  • 数字音频工作站
  • DAW
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具体描述

音乐制作的蓝图:数字音频工作站与编曲实践 书籍名称:数字音频工作站与编曲实践 书籍简介 本书旨在为音乐爱好者、初学者以及希望深入理解现代音乐制作流程的专业人士,提供一套全面且实用的指南。我们不谈论特定的硬件接口协议,而是将焦点完全放在数字音频工作站(DAW)的核心功能、工作流程优化、声音设计原理以及高阶编曲技巧上。本书的结构设计旨在引导读者从最基础的软件界面认知,逐步过渡到能够独立完成商业级音乐制作的独立创作人。 --- 第一部分:数字音频工作站(DAW)的生态与基础构建 本部分是构建现代音乐工作室的基石。我们将探讨不同主流DAW的哲学差异,它们在界面设计、性能优化和工作流程上的侧重点,帮助读者选择最适合自己创作习惯的平台。 第一章:DAW环境的初识与配置 1.1 软件平台的选择与评估标准: 详细对比不同主流DAW在MIDI处理能力、音频录制精度、插件兼容性和社区支持方面的优劣。重点分析不同平台对实时性能的需求和优化策略。 1.2 界面布局与工作空间定制: 深入讲解DAW中关键窗口(如项目视图、混音台、浏览器、编辑器)的功能与交互逻辑。教授如何根据项目需求(如作曲、混音、母带)定制高效的工作区布局,最大化屏幕空间利用率。 1.3 系统性能优化与延迟管理: 探讨操作系统层面对音频处理的影响。如何正确配置音频接口驱动(如ASIO、Core Audio),理解缓冲区大小设置对延迟和CPU负载的权衡。教授识别和解决常见系统冲突的技巧,确保流畅的创作体验。 第二章:项目管理与会话设置的艺术 2.1 标准化项目结构: 建立一套高效的项目文件命名、素材归档和备份策略。如何利用DAW的项目模板功能,预设轨道分组、总线路由和常用效果链,以加速新项目的启动。 2.2 时间基准与同步机制: 深入解析歌曲的速度(Tempo)、拍号(Time Signature)与节拍(Bar/Beat)的概念在DAW中的体现。讲解如何精确设置项目起始点,并理解内部时钟与外部设备同步(如SMPTE/MTC)的基本原理,确保多设备环境下的精确对齐。 2.3 轨道类型与层级分类: 详细区分音频轨道、乐器轨道(虚拟乐器实例)、自动化轨道、控制轨道和辅助发送轨道的用途。建立清晰的轨道命名和颜色编码系统,以应对复杂编曲中的“轨道迷宫”问题。 --- 第二部分:虚拟乐器、采音与声音的数字化表达 本部分专注于如何利用DAW内部或第三方虚拟乐器,以及处理真实录音素材,构建音乐的骨架。 第三章:合成器原理与虚拟乐器(VSTi)的深度应用 3.1 声音合成的基础模型: 讲解减法合成、加法合成、波表合成和频率调制(FM)合成的核心概念。不再局限于预设音色,而是教授如何从零开始构建基础波形(正弦波、方波、锯齿波)并理解包络(ADSR)和调制源(LFO)对音色塑形的关键作用。 3.2 采样器与回放引擎: 深入分析现代采样器的工作原理,包括多采样(Multisampling)、循环(Looping)和映射(Keymapping)。探讨如何通过巧妙的采样编辑,赋予静态采样以生命力。 3.3 自动化与参数调制: 掌握DAW中自动化(Automation)的录制、编辑和精确控制方法。学习将LFO或包络跟随器连接到合成器参数,创造出动态变化的音色纹理,而非一成不变的静态声音。 第四章:音频素材的捕获与编辑 4.1 高质量录音的前置准备: 讲解麦克风拾音的基本原理(指向性、频率响应),以及如何根据音源特性选择合适的输入增益电平,避免数字削波(Clipping)。 4.2 非破坏性音频编辑技术: 掌握DAW中音频剪辑的基本操作,如时间拉伸(Time Stretching)、变调(Pitch Shifting)和音频片段的精准对齐。重点介绍如何使用“弹性音频”(Elastic Audio)工具,在不改变音高的情况下,对鼓组或人声进行节奏校正。 4.3 循环与片段化编排: 讨论如何高效利用DAW的循环功能(Looping)创建律动基础。讲解如何将一段复杂的录音素材切割、重组,用于构建更具变化性的节奏型或旋律片段。 --- 第三部分:节奏、和声与动态的编排逻辑 本部分聚焦于音乐的结构性元素——鼓组、低音线、旋律线,以及如何将它们有机地组织起来。 第五章:精确的节奏构建与量化艺术 5.1 步进音序器(Step Sequencer)的效率: 讲解如何使用DAW内置的钢琴卷帘(Piano Roll)或步进音序器,快速创建复杂且多层次的打击乐模式。讨论如何利用力度(Velocity)和微小的时间偏移(Groove/Swing)来模拟人类演奏的自然感。 5.2 鼓组层级的精细化处理: 区分底鼓(Kick)、军鼓(Snare)和镲片(Cymbal)在混音中的频率位置。教授如何通过多轨道技术(如多层采样叠加)来构建富有冲击力的鼓组声音,避免“糊成一团”的现象。 5.3 律动模板与微调: 介绍如何创建或导入摇摆(Swing)和律动模板(Groove Templates),并应用到MIDI或音频素材上,使整体节奏听起来更具风格化和人性化。 第六章:和声进行与旋律设计 6.1 钢琴卷帘的高级应用: 超越基础音符输入的层面,探讨如何利用钢琴卷帘进行复杂的和弦构架和声部控制。重点讲解和弦扩展(如9th, 11th, Sus和弦)在数字环境中的快速输入方法。 6.2 旋律的动机发展: 教授如何从一个核心音乐动机(Motif)出发,通过移位、镜像、节奏变化等手法,发展出完整且连贯的旋律线,避免“写不出下一句”的困境。 6.3 低音线的角色与设计: 探讨低音线在支撑和声框架中的功能。教授如何设计与鼓组紧密配合的低音律动,以及如何利用合成器技巧(如滤波器扫描)为低音线添加动态变化,使其在混音中保持清晰的轮廓。 --- 第四部分:混音、空间与效果处理的深度雕琢 这是将所有独立元素融合成一个统一、专业级作品的关键阶段。本书将深入探究效果器的本质和应用场景。 第七章:效果器的精确定位与运用 7.1 动态处理的基石:均衡器(EQ)与压缩器(Compressor): 详细解析线性相位与非线性相位EQ的区别。深入讲解压缩器的各个参数(Threshold, Ratio, Attack, Release)对瞬态的控制,并提供针对人声、鼓组和贝斯等不同乐器的标准处理链示例。 7.2 空间营造:混响(Reverb)与延迟(Delay): 区分串行处理与并行处理(Aux Send/Return)对空间效果的影响。探讨不同混响类型(板式、厅堂、弹簧)如何塑造音乐的物理环境,并教授使用延迟作为节奏增强工具的方法。 7.3 创造性效果应用:失真、镶边与调制: 讲解如何使用失真(Distortion)和过载(Overdrive)来增加乐器的“侵略性”或温暖感。探索镶边(Flanger)和颤音(Chorus)等调制效果器,用于为背景音轨增加运动感和宽度。 第八章:混音的平衡与最终呈现 8.1 电平、声像与分组: 教授如何建立清晰的混音总线(Bus Routing)结构,并利用声像(Panning)技术在立体声场中为每个乐器分配明确的位置,避免频率冲突。 8.2 混音的“手术刀”技术: 探讨如何在复杂的编曲中,利用动态EQ和侧链压缩(Sidechain Compression)技术,确保关键元素(如人声或底鼓)在任何时候都能穿透混音,获得必要的“呼吸空间”。 8.3 监听环境与客观评估: 讲解如何建立一个相对中立的监听环境,理解绝对响度与相对电平的重要性。教授使用峰值表(Peak Meter)和响度表(Loudness Meter)进行最终质量检查的规范。 结语: 本书提供的不仅是工具的操作指南,更是一套系统化的音乐思维框架。通过对DAW内部机制的透彻理解和对声音设计的实践探索,读者将能够自信地将脑海中的音乐构想,转化为清晰、有力且富有感染力的数字成品。

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读后感

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《MIDI for Musicians》这本书,真的让我对 MIDI 的理解上升到了一个新的高度。之前我总觉得 MIDI 就是按键、音符、力度这些零散的概念,直到读了这本书,我才意识到 MIDI 背后是一个完整的音乐“语言系统”。作者就像一位博学的音乐学家,将 MIDI 的语法、词汇、句法都清晰地呈现在我眼前。我特别喜欢书中关于“MIDI 性能控制”的章节,它详细讲解了各种 CC(Continuous Controller)的用途,以及如何利用这些控制器来模拟真实的演奏表情。我以前总是对力度控制感到困惑,不知道为什么同一力度下弹出的音符会有不同的表现,这本书让我明白了,力度只是其中一个维度,还有如表情、弯音、颤音等多种参数共同作用,才能创造出丰富的音乐细节。书中的“MIDI 数据流的逻辑”讲解,也让我对 MIDI 的工作原理有了更深入的理解,我甚至能想象出 MIDI 数据在电脑中穿梭的场景。这本书不仅仅教会了我 MIDI 的“如何做”,更让我理解了 MIDI 的“为什么”以及“如何做得更音乐化”。

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我一直以来都在寻找一本能够真正帮助我“理解”MIDI 的书籍,而《MIDI for Musicians》做到了这一点。它没有停留在简单的“如何连接”和“如何录制”,而是深入到 MIDI 信号的本质,让我明白“为什么”要这样做,以及“如何”做得更好。我尤其欣赏书中关于“MIDI 信号的优化”和“提高 MIDI 演奏的自然感”的章节。作者详细讲解了如何通过调整音符的起始时间、力度曲线、表情控制的细微变化,来让电脑生成的音乐听起来更具人情味,更接近真实乐器的演奏。我之前总觉得我的 MIDI 演奏听起来像机器人,但按照书中的技巧进行调整后,我的音乐明显变得更加生动和富有表现力了。书中的许多“高级技巧”章节,例如如何使用 MIDI 延迟、MIDI 滤波来控制音乐的动态和节奏,都给我带来了很多新的灵感。我感觉这本书不仅仅是一本入门教材,更是一本可以伴随我不断成长、不断深化的进阶指南。

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我必须承认,一开始我对 MIDI 的认知仅仅停留在“能让电脑弹奏乐器”的层面,甚至觉得它离我这个使用传统乐器的人非常遥远。然而,《MIDI for Musicians》彻底颠覆了我的看法。这本书真正做到了“为音乐家而写”,它不仅仅是关于 MIDI 协议的说明,更是关于如何利用 MIDI 来提升音乐表达和创作效率的艺术。书中对控制器、音序器、合成器之间如何协同工作的详细分析,让我明白了 MIDI 在现代音乐制作流程中的核心地位。我特别欣赏作者对各种 MIDI 控制器(如键盘、打击垫、风琴控制器)的功能和应用场景的深入探讨,这些内容对我选择和使用自己的设备提供了极大的帮助。更重要的是,书中关于“MIDI 信号的逻辑”和“数据流的理解”部分,运用了许多音乐化的语言和类比,让我能从音乐本身的逻辑去理解 MIDI,而不是从纯粹的技术角度。例如,作者将 MIDI 的通道比作乐队中的不同乐器组,将 CC(Continuous Controller)比作乐手的演奏技巧,这种方式让复杂的概念变得直观易懂。我发现这本书不仅教会了我 MIDI 的“是什么”和“怎么做”,更重要的是,它让我理解了 MIDI 的“为什么”,为什么它在音乐创作中如此重要,以及如何运用它来更好地表达自己的音乐想法。

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《MIDI for Musicians》这本书对于我这个音乐爱好者来说,简直是“及时雨”。我一直对如何利用科技来创作音乐感到好奇,而 MIDI 正是这个领域的关键。这本书没有落入俗套,而是从音乐创作的实际需求出发,来讲解 MIDI 的相关知识。我非常喜欢书中关于“MIDI 灵活性”的探讨,它详细阐述了 MIDI 如何让音乐创作变得更加灵活和可控,例如如何轻松修改音符、调整音色、甚至改变音乐的速度和调性,而这些操作在传统音乐创作中是难以想象的。书中提供的“MIDI 工作流程优化”的建议,也极大地帮助我提高了创作效率。我学会了如何使用 MIDI 模板、如何进行 MIDI 路由设置、以及如何利用 MIDI 快捷键来简化操作。我感觉这本书不仅仅是传授知识,更是在培养我成为一个更高效、更有创意的音乐创作者。我甚至觉得,这本书读完之后,我不仅仅是学会了 MIDI,更是掌握了一种全新的音乐创作思维方式,让我能够更自由地表达我的音乐想法。

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这本书就像是为我这个“MIDI小白”打开了一扇通往音乐技术世界的大门。我一直觉得 MIDI 这个词听起来就很高深莫测,感觉是那些专业的音乐制作人才能掌握的技术。《MIDI for Musicians》完全打破了我的这种刻板印象。作者从 MIDI 的历史讲起,追溯了它如何从一个技术概念演变成如今音乐创作不可或缺的一部分,这个过程本身就很有趣,也让我对 MIDI 产生了浓厚的兴趣。我特别喜欢书中关于“MIDI 消息”的讲解,它将音符的开始、结束、力度、弯音等信息拆解成一个个具体的 MIDI 事件,并用清晰的图表和文字进行说明。我感觉自己就像在学习一种新的音乐语言,通过理解这些“词汇”,我能够更准确地“读懂”和“书写”电脑音乐。而且,书中提供的许多实践建议,例如如何设置 MIDI 路由、如何使用 MIDI 映射来简化工作流程,都非常实用。我按照书中的步骤,成功地将我的 MIDI 键盘连接到了我的电脑,并能够通过它来控制各种软件合成器,这种成就感是无法言喻的。这本书让我觉得,MIDI 并没有我想象的那么遥不可及,它是一个非常有用的工具,只要用心去学习,人人都可以掌握。

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作为一名对编曲和音乐制作充满热情的学生,《MIDI for Musicians》无疑是我近期遇到的最宝贵的学习资源。我一直对如何将我的音乐想法从脑海中转化为实际的音频输出感到困惑,而 MIDI 正是连接这两者的桥梁。这本书不仅详细解释了 MIDI 的技术规范,更重要的是,它深入剖析了 MIDI 在音乐创作中的实际应用。我非常喜欢书中关于“MIDI 音乐表达”的章节,它详细讲解了如何利用力度、表情、音高弯音、颤音等 MIDI 控制信息来赋予音乐生命力,让原本机械的音符听起来更像是由真人演奏。我之前总觉得我的电脑音乐听起来“死气沉沉”,看完这一章后,我恍然大悟,原来是忽略了这些细微的表情控制。书中提供的各种 MIDI 效果器(如琶音器、和弦生成器、节奏生成器)的介绍和使用方法,也极大地拓展了我的创作思路。我学会了如何利用这些工具来快速生成富有创意的音乐片段,极大地提高了我的创作效率。这本书让我看到了 MIDI 在音乐创作中不仅仅是“演奏”的工具,更是“表达”和“创新”的强大助手。

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《MIDI for Musicians》这本书的写作风格非常独特,它不像一般的技术书籍那样枯燥乏味,而是充满了音乐的灵动感。作者以一种非常个人化和充满激情的口吻,分享了他对 MIDI 的理解和运用经验。我特别欣赏书中那些关于“MIDI 哲学”的探讨,例如 MIDI 如何改变了音乐的创作模式、如何促进了音乐的协作等等。这些宏观的视角让我对 MIDI 有了更深层次的认识,也让我更加热爱音乐创作这件事。在具体的技术层面,本书的讲解也十分到位。我之前对 MIDI 的一些概念,比如“系统独占信息”或者“MIDI 时间码”一直感到很模糊,但这本书通过生动的比喻和实例,让我一下子就明白了它们的作用和重要性。我甚至觉得,作者在写作的时候,脑海中始终回响着美妙的音乐,所以才能将如此复杂的技术讲解得如此富有感染力。这本书不仅是一本技术指南,更像是一位经验丰富的音乐家在分享他最宝贵的创作秘诀,读起来非常有启发性。

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我可以毫不夸张地说,《MIDI for Musicians》这本书是我音乐道路上的一盏明灯。我一直对数字音乐创作充满向往,但又常常被各种技术名词和复杂的软件界面所困扰。这本书以一种非常平易近人的方式,将 MIDI 这个核心技术呈现在我面前。作者并没有回避技术细节,而是用一种循序渐进的方式,将复杂的概念拆解开来,并且用非常贴切的比喻来帮助理解。我尤其欣赏书中关于“MIDI 文件的结构”和“MIDI 轨道管理”的讲解。它让我明白了一个 MIDI 文件不仅仅是一串简单的音符信息,它包含了多样的轨道、通道、以及各种控制信息,而这些信息是如何协同工作,最终呈现出动听的音乐。书中的“MIDI 故障排除”章节也救了我很多次,当我遇到一些连接问题或者数据不正常的情况时,总能在这里找到解决的思路。这本书让我觉得,MIDI 并不是一个遥不可及的技术,而是一个任何人都可以掌握的、能够极大地提升音乐创作效率和表现力的工具。

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在我看来,《MIDI for Musicians》这本书最大的亮点在于它对 MIDI 在音乐创作中的“思想性”的探讨。它不仅仅是教授技术,更重要的是引导读者去思考 MIDI 如何影响我们的创作理念和音乐表达方式。作者用充满智慧的语言,阐述了 MIDI 如何打破了传统乐器的限制,如何让更多的音乐人能够接触到专业的音乐制作工具,以及如何促进了音乐风格的融合和创新。我非常喜欢书中关于“MIDI 与采样”以及“MIDI 与虚拟乐器”的结合讲解,这让我明白了如何将 MIDI 的灵活性与现代音频技术的强大功能相结合,创造出无限的音乐可能性。书中提供的许多实际操作的“案例分析”也十分精彩,作者通过分析不同的音乐场景,展示了如何运用 MIDI 来解决实际创作中遇到的问题。我感觉自己不仅仅是在学习 MIDI,更是在学习一种全新的音乐创作思维模式。这本书让我对 MIDI 的看法发生了根本性的转变,它不再是一个冰冷的技术术语,而是一个充满创造力和可能性的音乐工具。

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这本书简直是为我量身定做的!作为一个对音乐充满热情,却又常常在技术层面感到有些吃力的人,我一直在寻找一本既能深入浅出地解释 MIDI 的核心概念,又能提供实际操作指导的书籍。《MIDI for Musicians》做到了这一点,而且做得非常出色。作者没有一开始就陷入晦涩难懂的技术术语,而是从 MIDI 的起源和它在音乐创作中的作用开始娓娓道来,就像一位经验丰富的老师,循循善诱地引导我认识这个强大的工具。我尤其喜欢其中对“事件”这一概念的讲解,它用生动形象的比喻,让我立刻明白了 MIDI 数据流是如何工作的,而不是死记硬背那些抽象的数字和代码。书中关于音符on/off、力度、表情控制等基础知识的阐述,清晰明了,我甚至觉得自己在阅读的时候,就能立刻联想到自己在DAW(数字音频工作站)中的操作。而且,作者并没有止步于理论,每一章都紧密结合了实际应用,提供了大量的范例和技巧,让我可以立刻将学到的知识运用到自己的音乐创作中。我发现自己在处理节奏、旋律、和声时,变得更加得心应手,也敢于尝试更复杂的编曲和混音技巧了。这本书不仅是知识的传授,更是激发我音乐创造力的催化剂。

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