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出版者:華滋文化

作者:許汝紘

出品人:

页数:304

译者:

出版时间:2009年06月01日

价格:380 TWD

装帧:平裝

isbn号码:9789868531109

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探寻声音的千年之旅：一部未曾讲述的音乐文明史 书名：《和声的编年史：从史前律动到数字共振的音乐文明图景》 作者： [此处留空，以增添神秘感与学术的客观性] 出版社： [此处留空，暗示其为一部独立、深度挖掘的作品] --- 导言：超越音符的维度 本书旨在填补现有音乐史叙事中的一个重大空白——一部侧重于音乐作为社会结构、技术载体与哲学观念载体的综合性编年史。我们并非简单地罗列作曲家及其作品，而是将音乐视为人类文明演进中不可或缺的基石，追溯其在不同文化、政治环境和社会变迁中，如何被发明、被信仰、被权力利用，以及最终如何被颠覆和重塑。 《和声的编年史》是一次跨越数万年的深度考古，它将我们带离了标准的欧洲古典音乐学院派叙事，深入到那些被历史洪流冲刷或故意遗忘的声音现场。我们探讨的不是“谁写了最好的奏鸣曲”，而是“在特定历史时刻，人们是如何感知、组织和体验声音的”。 第一部：混沌中的秩序——音乐的起源与古代文明的音律信仰（约公元前 5000 年 - 公元 500 年） 第一章：原始律动与宇宙的共鸣 本章考察史前人类对声音的初级认知。我们审视口头传统、仪式性打击乐以及骨笛等早期乐器的考古学意义。探讨声音在狩猎、繁衍和部落沟通中的核心功能。重点分析声音如何从自然现象（风声、水流、动物鸣叫）中被抽象化，并转化为具有象征意义的符号系统。我们考察了萨满教仪式中，声音频率与意识状态改变之间的关系，论证音乐在人类心智形成初期的作用，远超娱乐范畴。 第二章：美索不达米亚的泥板与埃及的冥界之音 深入研究最早的文字记载中对音乐的描述。在苏美尔，我们解码了关于里拉琴制作的规程，并分析了神庙音乐在祭祀体系中的精确作用。在尼罗河畔，重点剖析了竖琴（如新月形竖琴）如何成为法老权力的听觉延伸，以及丧葬仪式中对“永恒之音”的追求，如何影响了埃及的音阶构造。我们挑战了“五声音阶源自中国”的传统观点，通过对古代近东乐谱的重新解读，提出了早期音律系统之间复杂的相互影响网络。 第三章：希腊的柏拉图式和声与罗马的实用主义 本部分聚焦于古希腊对音乐理论的奠基性贡献。我们详细解析毕达哥拉斯学派如何将音乐与数学、宇宙哲学（如“天体和声”）紧密结合。重点分析了“音律”（Harmonia）的概念，探究了不同调式（Dorian, Phrygian, Lydian）如何被赋予特定的伦理和情感效应（Ethos理论）。随后，我们将目光转向罗马，分析其在军事、公共娱乐（如竞技场）中对希腊音乐技术和乐器（如胫管，Hydraulis水力管风琴）的采纳和大规模应用，揭示其从哲学思辨到帝国工程学的转变。 第二部：信仰、权力和学院的构建（约公元 500 年 - 1400 年） 第四章：中世纪的圣咏与“上帝的声音”的规范化 本章探讨音乐在西方基督教化进程中的核心地位。我们详细描述了格里高利圣咏的形成过程，重点分析了记谱法（纽姆谱）的发明如何实现声音的远程精确复制，从而巩固了教会的权威。深入探讨了早期对位法的萌芽，分析了经文歌（Motet）如何成为神学辩论的听觉载体。我们考察了修道院对音乐理论（如圭多·达莱佐的创新）的垄断地位，以及世俗吟游诗人在边缘地带对民间旋律的保存。 第五章：拜占庭的回响与伊斯兰世界的黄金分割 拓宽视野，考察拜占庭帝国在古典遗产保存与东正教礼仪音乐发展中的关键角色。同时，我们详细阐述了伊斯兰黄金时代在音乐理论、乐器制造（如乌德琴）及音乐科学上的飞跃。重点分析了波斯和阿拉伯学者，如法拉比和伊本·西那，如何通过精密的数学模型构建了复杂的旋律模式（如“马卡姆”系统），及其对后世欧洲调式学研究的深远影响。 第六章：世俗的觉醒与三声部织体 分析了十字军东征和城市复兴带来的文化交流，如何催生了欧洲世俗音乐的繁荣。我们研究了游唱诗人（Troubadour）和宫廷歌者（Minnesänger）的作品，解析其爱情诗歌中的社会规范与反叛精神。本章核心在于中世纪晚期复调音乐的发展，探讨了“阿斯蒂斯”（Ars Nova）运动中对节奏复杂性的追求，以及对“完美”三度音程的初步探索，预示着文艺复兴和声的来临。 第三部：技术、情感与全球的交织（约 1400 年 - 1800 年） 第七章：文艺复兴的“人本”和声与印刷术的革命 印刷术对音乐传播的颠覆性影响是本章的焦点。我们分析了奥克冈（Josquin des Prez）等作曲家如何将人声的表达力推向顶峰，以及对位技术的成熟如何服务于文本的清晰表达。我们深入探讨了“文艺复兴人文学科”如何影响了音乐中的和谐观，以及早期对“色彩”（Timbre）的关注。本章也涉及早期乐器学的发展，如鲁特琴家族的精细化。 第八章：巴洛克的戏剧性与机械的精准 聚焦巴洛克时期音乐的“激情理论”（Doctrine of the Affections）与新的记谱规范。我们详细分析了歌剧这一全新艺术形式的诞生及其对戏剧与音乐融合的探索。重点剖析了对位法的极致运用（如巴赫的对位艺术），以及“数字低音”（Basso Continuo）作为一种新的音乐组织方式，如何为高度结构化的音乐提供了即兴和装饰的基础。我们同时考察了此时期早期键盘乐器（如羽管键琴）技术如何驱动了音乐的复杂化。 第九章：启蒙时代的清晰度与音乐学院的建立 分析了洛可可风格向古典主义过渡中对“自然”与“清晰”的追求。本章着重探讨了奏鸣曲式（Sonata Form）作为一种新的哲学和结构范式的确立，它如何反映了启蒙运动对逻辑、平衡的推崇。我们研究了管弦乐队编制的标准化过程，以及音乐教育系统在大学和公共音乐会制度下的初步形成。海顿和莫扎特的作品被置于社会赞助体系下进行审视，探讨其如何平衡贵族品味与艺术创新。 第四部：工业化、民族化与声音的解构（约 1800 年 - 20 世纪初） 第十章：浪漫主义的个体爆发与听觉的极限拓展 本章讨论工业革命对音乐创作和消费的影响。乐器制造技术的飞速进步（如活塞式铜管乐器、加固钢琴的出现），使得作曲家能够探索前所未有的力度和音域。我们分析了李斯特和瓦格纳如何将音乐转化为一种形而上学的体验，以及民族主义思潮如何渗透到民间旋律的收集与改编中（如德彪西与斯拉夫音乐的交汇）。 第十一章：非传统音高与“噪音”的地位提升 进入世纪之交，我们考察了后浪漫主义对传统调性的侵蚀。对中音区和高音区的极端使用，以及对“非和声音响”的兴趣。本章重点分析了对印度、爪哇加美兰等非西方音乐系统的吸收，以及这些影响如何促使作曲家挑战西方“和谐”的定义。我们探讨了早期录音技术（留声机）如何开始将音乐从现场体验中分离出来，成为一种可储存、可贩卖的商品。 第十二章：现代性的碎片化：节奏的解放与音色的独立 本部分分析了两次世界大战前后，音乐面对巨大社会动荡所采取的反应。我们研究了原始主义（如斯特拉文斯基）对节奏的野蛮化处理，以及勋伯格对十二音体系的理性重建尝试。我们考察了音乐如何开始脱离叙事和情感的直接束缚，转而关注声音本身的结构和质地，为纯粹的抽象音乐奠定基础。 结语：数字洪流中的回响 本书的终点停留在技术对声音的全面重塑之前，为读者提供了一个坚实的、基于历史演进的框架。我们相信，理解声音的结构如何随人类的社会结构而演变，是理解我们当下听觉环境的基础。这部编年史邀请读者以一种全新的、批判性的视角，重新审视我们习以为常的旋律与和声背后的漫长斗争与伟大发明。它不仅是关于音乐的历史，更是关于人类感知自身与世界方式的历史。

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“啊，我最近刚把这本《图解音乐史》读完，实在太惊喜了！我一直对音乐挺感兴趣的，但总觉得理论知识有点枯燥，而且好多历史事件和人物的名字都容易混淆。这本书简直是我的救星！从巴洛克时期的宏大交响乐，到浪漫主义时期的激情澎湃，再到20世纪的实验性创新，作者用非常生动有趣的方式把音乐的发展脉络串联了起来。最让我惊艳的是它的“图解”部分，各种精美的插画、乐谱片段、乐器剖析图，甚至是那个时代艺术家们的肖像，都栩栩如生，仿佛穿越回了那个音乐的黄金时代。我尤其喜欢关于印象派音乐的那几页，那些用色彩和光影来形容声音的描绘，让我第一次真切地感受到了德彪西的“月光”是怎样的轻柔与朦胧。而且，书中并没有一味地堆砌史实，而是穿插了许多关于作曲家生活趣事、创作背景的故事，读起来就像在听一位资深乐评人娓娓道来，一点都不累。这本书让我对音乐的理解不再是停留在表面，而是有了更深层次的认识，我现在听古典乐的时候，总能联想到书里那些生动的画面，感觉自己也成了那个时代的听众。真心推荐给所有热爱音乐，或者想更深入了解音乐的朋友们，绝对不会让你失望！”

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“如果说之前我对音乐史的了解是一张黑白照片，《图解音乐史》则将它变成了一幅色彩斑斓的油画。我一直以来都只是零散地听一些古典音乐，对它们背后的历史和发展几乎是一无所知。这本书就像一位博学的向导，带领我一步步走进了音乐的殿堂。我尤其欣赏作者对音乐体裁发展历程的梳理，从最早的单音音乐到复调，再到交响曲、歌剧等各种复杂形式的形成，他都用清晰的图表和生动的语言进行了详细的讲解。书中的案例分析非常具有启发性，通过选取不同时期的代表作品，比如巴赫的赋格、莫扎特的奏鸣曲、瓦格纳的歌剧等，细致地分析了它们的音乐结构、和声特点以及所传达的情感，让我受益匪浅。让我印象深刻的是，书中还对一些被低估的作曲家和音乐流派给予了足够的关注，打破了我以往对音乐史的刻板印象。作者并没有回避音乐史中的争议和复杂性，而是以一种开放和尊重的态度来探讨，这让我觉得这本书非常有深度和思考价值。这本书让我明白了，音乐史不是一成不变的教条，而是一个不断发展、不断创新的动态过程。我现在听音乐时，不再只是被动地接受，而是能够主动地去理解和欣赏，感觉自己的音乐鉴赏能力得到了极大的提升。”

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“坦白讲，我之前对音乐史一直处于一种‘只闻其名，未见其人’的状态，感觉它离我的生活太遥远了。但这本书，真的是彻底改变了我对音乐史的看法。《图解音乐史》以一种极其亲民且引人入胜的方式，把我拉进了音乐世界的奇妙旅程。作者非常善于运用通俗易懂的语言，将复杂的音乐概念和历史事件解读得生动有趣。我喜欢它在介绍不同音乐时期时，不仅仅停留在作品本身，而是深入探讨了当时社会的文化背景、政治格局，甚至艺术思潮对音乐产生的影响。举个例子，书中对浪漫主义时期音乐的描述，不仅仅是分析肖邦的夜曲或李斯特的狂想曲，更描绘了那个时期人们对自由、情感和个性的极致追求，以及这些情感如何转化为动人的音符。我尤其喜欢书中关于歌剧发展的那一部分，它详细介绍了歌剧是如何从一种宫廷娱乐逐渐演变成大众喜闻乐见的艺术形式，以及不同作曲家在歌剧创作上所做的革新。书中还穿插了许多关于乐器发展、音乐传播方式演变的有趣知识，让我对音乐的认识不再局限于旋律本身。总而言之，这本书就像一位睿智的朋友，它没有高高在上地教导你，而是用一种分享和交流的方式，带你领略音乐世界的博大精深。读完之后，我感觉自己对音乐的理解更加全面和立体了，甚至开始主动去探索更多不同风格的音乐。”

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“说实话，一开始我拿到这本《图解音乐史》，并没有抱太高的期望。我之前也翻阅过几本音乐史的书，但要么过于学术化，要么内容过于浅显。然而，这本书给我带来的冲击是巨大的。它不仅仅是一本关于音乐历史的书，更像是一次穿越时空的音乐之旅。作者的叙述角度非常独特，他没有按照时间顺序一本正经地介绍，而是选取了几个关键性的音乐流派和代表性事件，然后深入挖掘其背后的文化、社会和哲学影响。我特别喜欢关于爵士乐起源的那一部分，作者详细描述了新奥尔良那个充满活力的城市，黑奴文化、欧洲音乐和非洲节奏的碰撞，以及那些伟大的爵士乐先驱们如何用他们的即兴创作打破了音乐的界限。书中的案例分析也非常到位，通过对几首经典乐曲的拆解，让我们了解了不同时代音乐的结构、和声以及情感表达的差异。我以前一直对现代音乐感到困惑，但这本书用非常直观的方式解释了序列音乐、偶然音乐的理念，甚至还附带了作者自己创作的一些小片段，让我第一次体会到了那些听起来“奇怪”的音乐背后所蕴含的深刻思考。这本书不是让你死记硬背，而是引导你去思考、去感受，去理解音乐是如何与人类文明共同演进的。绝对是值得反复品读的宝藏！”

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“这本《图解音乐史》给我最大的感受就是它的‘生活化’。我一直觉得音乐史离我有点遥远，像是博物馆里的展品。但这本书通过大量的访谈、信件摘录、甚至是当时的报刊评论，把那些伟大的作曲家和音乐家们还原成了有血有肉的普通人。我读到贝多芬晚年饱受耳疾折磨的痛苦，却依然坚持创作出划时代的交响乐，真的让我非常感动。我也看到了莫扎特年轻时的玩世不恭和天才横溢，以及他最终英年早逝的悲情。书中对每一个时代音乐风格的演变，都用了非常贴切的比喻来形容，比如巴洛克时期的音乐就像是精雕细琢的宫殿，而古典主义时期的音乐则像是均衡、和谐的希腊神庙。而且，书中还介绍了许多与音乐相关的社会风俗和生活方式，比如歌剧在贵族沙龙里的地位，或者民间音乐如何影响了专业音乐的发展，这些细节都让音乐史变得更加生动和立体。我特别喜欢书中关于摇滚乐兴起的那一部分，作者用一种近乎咆哮的激情，描绘了那个时代的叛逆、自由和反抗精神，让我仿佛置身于那个充满荷尔蒙的年代。这本书绝对是打开音乐世界的一扇绝佳窗口，它让你看到音乐不仅仅是声音，更是人类情感、思想和社会变迁的生动体现。”

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思路清晰；在同时还介绍在同一时期出现的乐器、其他音乐家；一口气读完，算是“翻”完吧~

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思路清晰；在同时还介绍在同一时期出现的乐器、其他音乐家；一口气读完，算是“翻”完吧~

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太浅~尽管我觉得它连科普级别都达不到~但还是看完了~并且收获很多新知

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思路清晰；在同时还介绍在同一时期出现的乐器、其他音乐家；一口气读完，算是“翻”完吧~

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太浅~尽管我觉得它连科普级别都达不到~但还是看完了~并且收获很多新知