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isbn号码:9780001056473

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《中华美学通鉴：从远古文明到当代思潮》 作者： 史文瀚 著 出版社： 九州艺术文库 出版时间： 2023年11月 --- 内容提要： 《中华美学通鉴：从远古文明到当代思潮》是一部宏大、系统且深入探讨中国审美哲学与艺术实践的通史性著作。全书共分为七卷，近百万字，旨在勾勒出中华民族三千年来的审美演变轨迹，揭示“美”在中国文化精神中的核心地位及其在不同历史阶段的物质载体与思想表达。本书不仅梳理了中国艺术史上的重要流派、代表人物与标志性作品，更着重于挖掘支撑这些艺术现象背后的哲学基础、社会结构与人文情怀。 本书的独特之处在于，它摒弃了单纯的艺术品罗列，而是将艺术视为一种文化基因的载体，深入剖析了“天人合一”“中和之美”“气韵生动”“意境深远”等中国特有美学范畴的形成、发展与当代转化。它是一次对中国传统文化精髓的深度美学勘探，也是对当代艺术创作与审美教育的理论回溯与前瞻。 --- 卷目纲要与核心内容详解： 本书结构严谨，脉络清晰，以下为七卷的详细内容概述： 第一卷：原始的律动与图腾的密码（远古至夏商周） 本卷聚焦于中华文明的审美源头，探讨史前人类如何从自然万物中提取秩序感与象征意义，构建最早的美学认知。 史前陶器与玉器中的几何秩序： 分析红山文化、良渚文化的玉琮、玉璧等礼器，探讨其造型中的宇宙观与等级秩序。重点解析几何纹饰如何从实用符号转化为宗教图腾。 青铜礼器的威严与音乐美学： 深入研究商周青铜器（如司母戊鼎、毛公鼎）的狞厉之美与庄重之美。探讨“礼”与“乐”的互文关系，分析《礼记》中关于雅乐的理论，以及钟鼎上铭文的书法意味。 周代审美定型： 探讨周公制礼作乐对后世审美观念的奠基作用，提出“中正平和”的早期理想。 第二卷：诸子争鸣与文心初现（春秋战国至秦汉） 春秋战国时期思想的爆发，直接催生了对艺术本质的初步思辨。 百家争鸣中的艺术本体论： 追溯孔子对“仁”与“礼”在音乐（如《诗经》的教化作用）中的应用。对比道家（老庄）对“自然”、“虚静”的推崇，及其对后世山水画的潜在影响。 秦汉大一统的审美体现： 分析秦代兵马俑的写实主义精神与集体气势，以及汉代画像砖、帛画中世俗生活与神仙信仰的融合。重点分析汉赋中对壮阔景象的铺陈，如何体现帝国气象。 “气”的觉醒： 探讨早期医学、术数与艺术的交汇，为“气韵生动”的理论埋下伏笔。 第三卷：魏晋风度与士人精神的独立（魏晋南北朝） 这是一个美学观念从“服务政治”转向“个体表达”的关键转折点。 玄学思潮与“萧散之美”： 详细论述竹林七贤对传统价值观的反思，以及“魏晋风度”如何具体化为服饰、谈吐乃至艺术创作中的超然姿态。 书法艺术的独立宣言： 集中分析王羲之的“尽善尽美”与书法艺术的自觉。探讨笔法中如何体现个体的修养与情性，将线条提升到哲学高度。 山水画的萌芽： 顾恺之的“传神论”与“六法”的初步确立，解析中国画如何开始摆脱人物叙事的束缚，转向对自然精神的捕捉。 第四卷：盛世气象与文人画的成熟（隋唐五代） 本卷着重考察大唐气象如何塑造了雍容华贵、兼容并蓄的审美高峰，以及士人阶层如何确立了艺术的主流话语权。 唐代艺术的恢弘气度： 从敦煌壁画的色彩学与叙事张力，到唐三彩的世俗活力，展现盛唐对异域文化的吸纳与熔铸。分析诗歌（唐诗）中对声律、意境的极致追求。 “意在笔先”的理论构建： 深入探讨唐代对绘画“骨法用笔”的强调，以及阎立本、吴道子等大家在确立中国画笔墨规范上的贡献。 五代山水画的精微与气势： 董源、巨然的“平淡天真”与李成的“寒松写照”，分析北方山水的雄浑与江南山水的温润如何并存于同一时代。 第五卷：理学浸染与格物致知（宋代） 宋代是中国古典美学体系的集大成时期，本书将此定位于“理性与感性的精妙平衡”。 宋徽宗的审美集权： 分析宫廷艺术对写实技艺的推崇，如花鸟画中对物象的精准描摹。 理学背景下的“格物致知”： 探讨宋代理学（程朱）如何影响了艺术的“法度”观念，要求艺术家在技法中体现宇宙的内在逻辑。 文人画的兴盛与“论画”的专业化： 重点分析苏轼、米芾对“趣味”与“天真烂漫”的推崇，标志着艺术品评权从宫廷转向士大夫阶层。探讨宋瓷（如汝窑、定窑）的釉色之美，如何体现“内敛的完美”。 第六卷：士气、逸气与技艺的规范（元明清） 元代艺术家的精神流亡，催生了“文人画”的成熟；明清则在继承与反叛中完成了古典体系的最后一次高峰与转型。 元四家的“逸品”追求： 深入分析赵孟頫的复古精神，以及黄公望、倪瓒等人如何通过笔墨的简练与疏朗来表达对元代政治环境的疏离与高洁的士人情操。 明代的程式化与地域流派： 探讨吴门画派（沈周、文徵明）对宋元传统的继承与规范化，以及董其昌对“南北宗论”的提出，对后世的深远影响。 清代对“性灵”的回归与技法的僵化： 分析“四王”对古人笔墨的集大成式模仿与总结，以及扬州画派的世俗化倾向，探讨过度强调笔墨规范对创新带来的制约。 第七卷：近现代的冲击与传统的再发现（近现代至今） 本卷直面西方美学体系的涌入，探讨中国艺术如何在动荡中寻找新的安身立命之所。 “西学东渐”与艺术教育的革新： 分析十九世纪末至民国初年，油画、素描等写实技法对中国传统造型观念的冲击与融合。探讨林风眠、徐悲鸿等人在中西艺术对话中的探索。 革命叙事与时代主题： 分析新中国成立后，美术如何承担起社会动员和历史记录的重任，以及社会主义现实主义与民间艺术的结合。 当代艺术的身份认同与全球视野： 探讨改革开放后，中国当代艺术在全球语境下的自我定位。反思传统美学元素在抽象表现、装置艺术中的“隐性继承”，以及对本土文化身份的持续追问。 --- 本书价值定位： 《中华美学通鉴》不仅是艺术史研究的权威参考书，更是一部面向广大学者、文化爱好者乃至艺术教育工作者的思想指南。它强调美学观念的连贯性，展现了中国美学从对“物”的敬畏，到对“意”的追求，再到对“性灵”的张扬的内在逻辑。阅读本书，读者将获得理解中国艺术的深度视角，超越简单的鉴赏层面，直抵中华民族精神世界的审美核心。

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这本书给我的感觉非常“活”。它不像一些传统的教科书那样死气沉沉，而是充满了生命力。比如，在讲到“光影的秘密”时，它并没有直接给出理论，而是通过孩子们在阳光下玩耍的情景，让他们自己去发现光影的变化，然后引导他们用绘画的方式记录下来。这种“从生活中来，到艺术中去”的教学理念，让孩子们觉得学习美术是一件既有趣又贴近自己的事情。我注意到书中还有一些鼓励合作的艺术项目，比如一起完成一幅大壁画，这不仅能锻炼孩子们的团队协作能力，还能让他们学会倾听和分享，这在当今社会是非常宝贵的品质。整本书的版式设计也很赏心悦目，色彩搭配和谐，文字大小适中，图片清晰，让阅读过程成为一种享受。

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这是一本让我眼前一亮的美术教材！翻开书页，首先被那些充满童趣和想象力的插图吸引了。它不仅仅是简单的图画，更像是一扇扇通往孩子们内心世界的窗口。我尤其喜欢其中关于“色彩的魔法”这一章节，它用非常生动的方式解释了如何调配出不同的颜色，甚至还鼓励孩子们去观察生活中的色彩，比如花朵的绽放、天空的变化，将抽象的美术概念与现实生活紧密联系起来。书中提供的实践活动也非常有趣，比如用废旧物品制作小动物，这不仅锻炼了孩子们的动手能力，更培养了他们的环保意识和创造力。最重要的是，它并没有设定条条框框，而是鼓励孩子们自由表达，去探索属于自己的艺术语言。读着读着，我仿佛看到了孩子们在课堂上专注的神情，还有他们完成作品后那份自豪的笑容。这套教材似乎在悄悄地播撒艺术的种子，让孩子们在玩乐中感受美的力量，并在心中种下一片自由翱翔的想象乐园。

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阅读过程中，我惊喜地发现这本书的设计非常巧妙，它不仅仅是一本教材，更像是一本游戏书，充满了互动性和趣味性。书中设计了许多引导性的问题，鼓励孩子们观察周围的世界，比如“你看到过哪些有趣的形状？”，“你能用自己的方式画出风的样子吗？”。这些问题看似简单，却能有效地激发孩子们的思考和想象力。我尤其喜欢它在“立体世界的构筑”这一部分，通过简单易懂的步骤，教孩子们如何用纸张和剪刀搭建出立体的模型，这既锻炼了孩子们的空间想象能力，也让他们体会到了三维空间的乐趣。整本书的语言风格非常亲切，像是和一位熟悉的朋友在聊天，没有生硬的术语，只有充满鼓励和引导的词句，让孩子们在轻松愉快的氛围中学习。

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我一直认为，艺术教育的最终目的是培养孩子的观察力、创造力和审美能力。这本书在这一点上做得非常出色。它没有局限于传统的绘画技法，而是拓宽了美术的边界，让孩子们接触到雕塑、拼贴、手工等多种艺术形式。例如，在“变废为宝的奇思妙想”这一章节，它引导孩子们收集生活中的废弃物，然后发挥想象力，将它们变成独一无二的艺术品。这种寓教于乐的方式，不仅让孩子们学会了如何废物利用，更重要的是培养了他们发现美、创造美的能力。书中还穿插了一些关于不同文化艺术的介绍，虽然简单，但能够让孩子们初步了解世界的多样性，开阔视野。整体而言，这是一本非常具有启发性的美术教材，它真正做到了“授人以渔”，让孩子们在快乐中学习，在创造中成长。

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作为一名长期关注儿童教育的家长，我深知早期艺术启蒙对于孩子成长的重要性。这本美术教材给我留下了深刻的印象，它的编排逻辑清晰，内容由浅入深，非常适合三年级上学期的学生。我特别欣赏其中对“线条的律动”的讲解，通过引导孩子们观察自然界中的线条，如树枝的蜿蜒、河流的起伏，再到引导他们用不同的笔触去描绘，让线条不再是枯燥的笔画，而是充满了生命力和情感的表达。书中还穿插了许多大师的经典作品，虽然篇幅不长，但选取都非常有代表性，并配以简短易懂的介绍，让孩子们在欣赏艺术的同时，也能感受到不同时代、不同风格的艺术魅力。我觉得最难能可贵的是，它鼓励孩子去“看”，去“感受”，去“表达”，而不是一味地模仿。这种潜移默化的引导，能够真正激发孩子们内在的艺术潜能，让他们爱上绘画，爱上创造。

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