爵士鼓入门与提高 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:孟宪德

出品人:

页数:121

译者:

出版时间:2009-5

价格:16.00元

装帧:

isbn号码:9787509402009

丛书系列:

图书标签:

• 鼓
• 爵士鼓
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音乐理论精要：从基础到高级的和声与配器指南 本书将带您深入探索西方音乐理论的宏伟殿堂，系统梳理和声学、对位法、曲式结构以及管弦乐队配器的核心原理与实践技巧。本书旨在为有志于深入理解音乐语言、提升创作和编曲能力的学习者提供一套严谨而实用的知识框架，侧重于理论的逻辑推导与古典音乐实践中的应用范例。 第一部分：基础乐理与音高系统 本部分为所有深入学习的基石。我们将首先回顾西方十二平均律的物理基础与历史演变，清晰界定音高、半音、全音的概念。重点阐述五线谱、固定唱名法和首调唱名法之间的转换与应用场景。 音程的结构与分析： 详细解析各类音程（大小、增减、纯）的构成、听觉特征及在和弦内部的定位。包含音程的转位规则及其对和声色彩的影响。 调性体系的构建： 深入讲解大调与小调的结构，包括自然、和声与旋律小调的差异。着重分析调号与升降记号的实际标记规则，并介绍调式（如教会调式）的起源及其在不同时期音乐中的独特音响效果。 节奏与节拍的精确控制： 区分节拍、拍子与节奏的层次关系。详尽解析复拍子与变化拍子的记谱与演奏要求，并通过经典乐曲片段解析复杂节奏型在不同乐器上的实现技巧。 第二部分：和声学的深度解析与实践 和声学是音乐的骨架。本部分将以功能和声为核心，逐步引导读者掌握三和弦、七和弦的构建、连接与转位，最终触及更复杂的色彩和弦。 三和弦与功能和声基础： 严格按照功能（主、属、下属）划分三和弦，详细讲解和弦的连接规则，包括平行五八度、平行八度等传统禁忌的成因及现代处理方式。 七和弦的色彩变化： 深入分析大小七和弦、属七和弦、减七和弦以及增三和弦的特性与解决倾向。着重探讨属七和弦在导向非关系大小调时的转调功能。 非和弦音与和声的延伸： 探讨经过音、倚音、预减音、持续音等非和弦音（外音）在旋律线条中的织体作用。讲解和弦外音如何丰富和声的细腻层次。 调式和声与色彩扩展： 引入借用和弦（如拿波里六和弦、德国六和弦、法国六和弦）的结构分析及其在浪漫主义音乐中的情感张力构建。探讨全音音阶、十二音体系的和声应用雏形。 第三部分：对位法原理与复调织体 对位法是音乐的骨骼结构，它关乎旋律线条的独立性与相互交织的艺术。本书将以巴赫的对位范例为蓝本，讲解严格对位法的基本原则。 两条旋律的和谐共存： 详细阐述两种旋律进行时，音程关系的变化规则（包括不同音级与不同速度下的制约）。 对位法的种类与实践： 集中精力讲解严格对位法中的“等值对位”与“自由对位”。深入分析两声部、三声部和四声部赋格的写作结构，从主题的呈示、进入到中段的展开与终结。 卡农的结构分析： 以不同音程、不同时值的卡农为例，剖析其模仿的技巧与技巧的运用，理解模唱（Stretto）在增强紧张感中的作用。 第四部分：曲式结构与音乐形式分析 理解音乐的宏大蓝图，需要掌握其组织规律。本部分专注于经典音乐形式的内部构造与演变。 单乐章形式的骨架： 深入剖析呈示部、展开部和再现部的功能性划分。着重分析奏鸣曲式的调性冲突、主题的变形与处理。 复乐章的布局： 详解奏鸣曲式（Allegro）、慢板乐章（Adagio/Andante）以及回旋曲式（Rondo）的典型结构。对比奏鸣曲式与奏鸣曲快板（Sonata-Allegro）的区别与联系。 主题的展开与变化： 探讨变奏曲（Variation）的写作技巧，包括分解、移调、增值、减值等手法，分析如何保持主题的“可识别性”同时实现结构上的创新。 第五部分：管弦乐队配器法与音色设计 本部分侧重于将理论知识转化为实际的听觉效果，探讨不同乐器群的音域、性能及色彩搭配。 管弦乐家族的性能剖析： 针对木管组（长笛、双簧管、单簧管、巴松管）、铜管组（圆号、小号、长号、大号）、提琴组及打击乐组，详细列出其有效音域、演奏技巧（如拨弦、弱音器、颤音）及其在不同力度下的音色特点。 和声的织体布局： 讲解如何根据和声的复杂程度和所需的情感强度，合理分配声部，避免声部拥挤或空洞。分析复调织体与主调织体在配器上的选择差异。 对比与平衡的艺术： 探讨乐器组之间的音量平衡（Dynamics Balance）技巧，如何利用乐器间的音色对比来突出主题或营造特定氛围，例如如何使用弱音木管来烘托强音的铜管。 本书的编写风格严谨，论证清晰，力求在避免使用过于口语化的表达的同时，确保理论概念的准确传达。书中案例均取自巴赫、莫扎特、贝多芬等作曲大师的经典作品，旨在培养读者“用耳朵听理论，用头脑写音乐”的能力。 本书不涉及任何关于现代流行音乐（如摇滚、布鲁斯、电子乐）的鼓、贝斯、吉他等乐器的演奏技巧或编配方法。 它是一部专注于传统西方音乐体系的深度理论教材。

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这本鼓书简直是为我量身定做的！我一直对爵士鼓那种充满律动的节奏感心生向往，但面对市面上那些厚厚的技术手册总是望而却步。这本书的编排非常巧妙，它没有一上来就堆砌那些复杂的五线谱和艰涩的术语，而是用一种非常亲和的方式引导我进入音乐的世界。开篇的几个章节，着重讲解了如何正确地持棒和坐姿，这些看似基础的细节，却直接决定了后续练习的效率和手腕的健康。作者似乎深谙初学者的痛点，总能在关键的地方插入一些“过来人”的经验之谈，比如关于如何克服紧张感，如何让自己的身体跟随音乐自然律动，而不是机械地敲击。我特别喜欢它对“感觉”的强调，书中提到，技术是为音乐服务的，而不是相反。通过一些简单的节奏型练习，我很快就能体会到“Groove”的含义，那种踏实而又自由的击打感，让人沉醉。而且，书中配的音频示例质量非常高，清晰地分辨出底鼓、军鼓和嗵鼓的声音，这对于建立正确的听觉记忆至关重要。这本书让我觉得，学习爵士鼓不再是一项枯燥的训练，而是一场充满乐趣的探索之旅。我感觉自己不再是那个只会“咚哒”乱敲的门外汉，而是正在用鼓点与世界对话的新手。

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这本书给我最大的启发，在于它对于“即兴创作”和“音乐性表达”的引导，完全超越了单纯的技术操练范畴。我一直觉得爵士鼓的即兴部分玄而又玄，仿佛是少数天才才能掌握的领域。但作者在这里展示了一种系统性的思维路径。他并没有直接教你“弹什么音符”，而是教你“如何思考”。例如，通过分析巴萨诺瓦（Bossa Nova）的节奏基石，作者引导我们理解如何在固定的低音模式上，进行高音区的“对话”和“回应”。书中包含了一些非常有趣的“主题变奏”练习，要求你在演奏一个简单四小节旋律时，必须在接下来的四个小节中，用鼓点来对这个旋律进行“模仿”、“反转”或“延伸”。这种训练极大地激活了我对节奏的想象力。更重要的是，它强调了“聆听”的重要性。书中明确指出，优秀的鼓手首先是优秀的听众。在描述如何与贝斯手进行“锁定”练习时，作者的语言充满了画面感，仿佛能听到两位乐手之间那种默契的眼神交流和节奏的无缝对接。这本书让我明白，真正的鼓艺，是将机械运动转化为有意义的对话，这本书就是那本教你如何进行有效“对话”的指南。

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坦白说，我买这本书纯粹是因为封面设计很抓人，本以为它会是那种华而不实、内容空泛的“快速入门”读物。然而，真正阅读后，我发现它最大的价值在于对“器材认知”和“音色调整”的深入讲解，这部分内容在很多入门书中是被严重忽略的。书中花了大量的篇幅介绍不同材质的鼓皮、镲片的厚度和金属成分对外在声音的决定性影响。这对我这种开始考虑升级设备，但又对各种参数一头雾水的新手来说，简直是雪中送炭。它不只是告诉你“你需要一个好的军鼓”，而是告诉你“你需要一个在C调共振范围内、拥有清晰中频反馈的军鼓，以便在小场地演出时能穿透其他乐器的声音”。此外，关于麦克风拾音的基础知识也被浅显地介绍了一下，虽然不深，但足以让我明白为什么录音棚里的鼓听起来和我在地下室里听起来差别那么大。它让我从一个纯粹的演奏者，开始思考如何成为一个“声音塑造者”。这本书的实用性体现在方方面面，甚至连如何调整脚踏板的松紧度以匹配不同速度的演奏，都有详细的图解和力学分析。这绝对是一本值得收藏的参考书，因为它提供的知识是持久且面向未来的。

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我必须承认，最初购买这本书是冲着它声称的“高效练习法”去的。作为一名白天需要全职工作，晚上才能抽出时间练习的业余爱好者，时间管理对我来说至关重要。这本书的“时间利用最大化”章节确实没有让我失望。它提供了一套完整的“碎片化练习”方案，精确到“如果你只有十五分钟，应该如何分配到持棒、脚部、以及右手独立训练上”。这种对时间的尊重和科学的分配建议，是我在其他教材中从未见过的细致。书中引入了一种“高强度间歇训练法”的节奏练习，要求在极短的时间内以120%的专注度完成一个基础节奏的循环，然后立即切换到下一个，模拟实战中的快速反应能力。而且，它非常注重“练习的质量而非数量”。作者反复强调，疲劳状态下的重复练习只会固化错误，因此书中提供了清晰的“何时休息”和“如何判断自己是否有效吸收”的标准。读完这本书后，我不再盲目地一遍又一遍重复那些已经掌握的节奏，而是将精力集中在那些让我感到“别扭”的连接点上。这本书真正教会我的是如何聪明地练习，而不是拼命地练习，对于时间紧张的成年学习者来说，这简直是无价之宝。

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我接触打击乐已经有一段时间了，自认为对基本的节奏模式和一些常用鼓组的配合有了一定的了解，但总感觉自己的演奏在“深度”和“变化”上有所欠缺，尤其是在处理更复杂的切分音和印尼民间节奏融合时，常常感到力不从心。因此，我抱着试试看的心态翻开了这本“进阶”教材。让我惊喜的是，这本书并非简单地重复基础知识，而是深入到了节奏的“骨骼”层面。它用一种非常结构化的方式，拆解了许多世界级鼓手标志性的演奏片段，并展示了如何将这些片段融入到自己的演奏中，而不是简单地模仿。其中关于“多面性”的探讨非常精彩，作者似乎在引导我们思考“如果把这个重音放在不同的镲片上会产生什么效果？”这种问题。书中对不同音乐风格中鼓手角色的分析也极为到位，比如在放克（Funk）中如何运用Ghost Notes来增加律动的微妙性，以及在拉丁爵士中如何利用Timbales的音色进行呼应。对于已经有基础的学习者来说，这本书就像是一个高明的“陪练”，它精准地指出了我知识体系中的薄弱环节，并提供了切实可行的训练方法，比如针对性地提高左右手的独立性训练的进阶变体。读完关于鼓刷（Brushes）运用的章节后，我甚至开始重新审视自己对“轻柔”和“力量”的理解，收获远超预期。

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