Form in Music (2nd Edition) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Prentice Hall

作者:Wallace Berry

出品人:

页数:464

译者:

出版时间:1985-10-11

价格:USD 92.40

装帧:Hardcover

isbn号码:9780133292855

丛书系列:

图书标签:

• 曲式
• 音乐形式
• 音乐理论
• 音乐分析
• 作曲
• 和声
• 对位
• 音乐结构
• 古典音乐
• 20世纪音乐
• 音乐史

音乐中的形式：结构、分析与理解 (第二版) 本书旨在为音乐学习者、爱好者以及专业人士提供一个全面、深入且富有洞察力的框架，用以理解音乐作品的结构与组织方式。我们超越了传统的“曲式”标签，深入探讨音乐形式作为一种动态的、由作曲家意图和听众感知共同塑造的构建过程。 本书特色与核心内容： 第一部分：形式的基石——音乐语言与组织原则 本部分奠定了理解音乐形式所需的理论基础，侧重于元素如何相互作用以构建宏大结构。 第一章：音乐的“语法”——动机、乐句与段落 动机的生命周期： 深入分析音乐动机（Motif）的构建、变形（如移位、增值、减值、倒影）及其在音乐叙事中的功能。探讨动机如何成为组织主题和段落的细胞结构。 乐句的呼吸与平衡： 剖析乐句（Phrase）的构建，包括“提问-回答”（Antecedent-Consequent）模式的本质。考察乐汇（Cadence）作为结构锚点和方向指示器的作用。 段落的逻辑： 探讨如何通过材料的重复、对比和发展形成基本的音乐段落（Section）。分析常见段落类型（如连接句、过渡句）在连接主要形式元素中的作用。 第二章：调性与和声作为形式的驱动力 调性的层次结构： 将调性理解为一种形式工具，而非孤立的和声现象。探讨主调、属调、下属调之间的功能关系如何支撑乐章的宏大布局。 和声语言对形式的塑造： 考察不同历史时期中，和声复杂性如何影响段落划分和高潮点的设置。深入分析“色彩和声”在模糊或强化形式边界上的双重角色。 调性色彩与情感张力： 分析大调与小调在形式内部的交替如何服务于叙事弧线，包括如何运用关系小调或远关系调来制造结构上的戏剧性转折。 第三章：节奏、节拍与时间的掌控 节拍的潜流： 探讨固有的节拍感如何为音乐提供内在的动力，以及作曲家如何通过对节拍的微妙偏离（如切分、错位）来创造形式上的趣味性或紧张感。 节奏模式的统一性： 分析重复的节奏型如何充当非旋律性的粘合剂，将分散的音乐材料组织成一个连贯的整体。 时间感知的可塑性： 讨论如何通过变化节奏密度（Pacing）来影响听众对段落长度和乐章速度的感知，从而服务于整体形式的需要。 第二部分：经典结构的原型与变体 本部分聚焦于历史长河中形成的主要音乐结构范式，分析其核心逻辑和适应性。 第四章：二部与三部曲式——二元对立与循环往复 A-B-A 结构的核心原理： 深入探讨三部曲式（Ternary Form）中“陈述-对比-再现”的心理学基础。分析三部曲式在不同体裁（如器乐小品、咏叹调）中的灵活性。 二部曲式的功能： 剖析二部曲式（Binary Form）作为舞蹈音乐和奏鸣曲早期雏形的演变路径。侧重于“模进式二部曲式”中，A段向关系调的必然导向以及B段的回归策略。 混合与扩展： 研究如何通过添加尾声（Coda）或引入中间插部（Trio）来扩展基础的三部结构，例如在“复三部曲式”（Da Capo Aria）中的应用。 第五章：回旋曲式——主题的回归与游走 Rondo 范式的本质： 定义回旋曲式（Rondo Form）中“固定主题”（Refrain, R）与“插部”（Episode, E）的交替关系（如 A-B-A-C-A）。 结构的功能划分： 分析不同类型的回旋曲式（如五段式、七段式）在分配主题回归的侧重点上的差异。探讨插部材料的性质（是新材料还是旧材料的变体）如何影响整体的均衡性。 回旋曲式在协奏曲中的应用： 考察慢速回旋曲式在调性处理上的保守性，以及快速回旋曲式如何利用对比来增加戏剧张力。 第六章：奏鸣曲的宏伟蓝图——发展与统一 呈示部的结构辩证法： 细致解析呈示部（Exposition）中两个主题群（主部、副部）的性质差异、关系调的建立，以及过渡段在确立这两个“对立面”中的关键作用。 发展部的化学反应： 将发展部（Development）视为材料的熔炉，分析作曲家如何利用动机分解、调性游走、节奏压缩等手段，将呈示部的元素进行重新组合和冲突激化。 再现部的回归与调性解决： 探讨再现部（Recapitulation）如何通过“解决”呈示部中遗留的调性冲突来实现结构上的圆满。分析“主调再现”与“转调再现”在形式意义上的区别。 奏鸣曲式的变异： 考察奏鸣曲式在不同时期的扩展与简化，包括小奏鸣曲式、混合奏鸣曲式以及对传统的颠覆（如贝多芬后期作品中发展部与再现部的融合）。 第三部分：组合与延伸——大型音乐的组织策略 本部分转向分析多乐章作品和更复杂的组合形式，强调如何在更大尺度上保持逻辑连贯性。 第七章：套曲结构——乐章间的对话与平衡 交响曲与协奏曲的四乐章框架： 分析传统四乐章结构（快-慢-舞曲/谐谑曲-快）在速度、调性、曲式上的内在逻辑关联。探讨乐章间的情感流转。 组曲与舞曲的演变： 考察巴洛克组曲中舞曲类型的规范性（如帕凡舞曲、萨拉班德），以及古典主义时期组曲（如序曲、幻想曲）在形式选择上的自由化趋势。 室内乐的精妙对话： 聚焦于弦乐四重奏等体裁中，乐章之间如何通过共享材料或互补的情感基调来实现整体的统一性。 第八章：变奏曲——主题的深度挖掘 变奏的逻辑链条： 深入分析变奏曲（Variations）中，变奏与主题之间的连接方式。探讨“连续变奏”与“分段变奏”在结构密度上的差异。 变奏的维度： 区分不同类型的变奏手段：和声变奏（Harmonic Variation）、节奏变奏（Rhythmic Variation）、织体变奏（Textural Variation）以及旋律轮廓变奏。 主题与形式的融合： 分析巴赫、贝多芬、勃拉姆斯等作曲家如何通过在变奏群中嵌入小型曲式（如赋格、谐谑曲）来构建一个宏大的、具有内部发展性的单一结构。 第九章：赋格的精微构造——对位法的结构力量 复调思维与形式： 将赋格（Fugue）视为一种基于特定规则的“逻辑形式”。解析主体的呈示、应答（Answer）的精确性及其与调性的关系。 中段与终结段的组织： 考察中段（Middle Entry）如何实现调性的转换和材料的对比，以及最后“摊牌段”（Final Entry）如何通过紧凑的对位织体达到高潮。 赋格在晚期音乐中的渗透： 分析赋格元素如何被融入奏鸣曲式、变奏曲式，作为增强结构严密性和技术深度的手段。 第四部分：解析的视角与现代语境 本部分探讨分析音乐形式的工具和方法，并将其置于20世纪至今的音乐实践中进行审视。 第十章：分析的透镜——结构、功能与听觉感知 如何“听见”形式： 探讨听众如何通过预期、记忆和识别来感知音乐的结构起伏。强调“局部听觉”与“整体把握”之间的动态平衡。 图表与可视化： 介绍使用不同类型的图表（如和声进程图、动机分解图）来辅助结构分析的有效方法，强调图表是理解的工具而非目的本身。 功能性分析的局限： 讨论古典形式分析方法的优势与边界，尤其是在面对打破常规的作曲家（如马勒、斯特拉文斯基）作品时，如何调整分析框架。 第十一章：打破边界——现代与后调性形式 自由形式的逻辑： 分析20世纪初作曲家如何故意模糊或消除传统调性框架，以及他们如何用新的组织原则（如音色、动机片段的序列化）来替代调性对形式的约束。 复调与多层结构的复杂性： 考察极繁复乐派或序列音乐中，形式如何从单一的线性发展转变为多维度的、同时进行的结构层。 极简主义与循环形式： 分析极简主义（Minimalism）中，通过细微的相位移动和长时间的重复如何创造出一种“过程形式”（Process Form），以及它与传统变奏曲和回旋曲式的张力关系。 结论：形式的永恒主题 音乐形式是人类对“秩序”与“变化”的永恒探索。本书的最终目标是培养读者一种批判性的聆听能力——不仅是识别“这是奏鸣曲”，而是理解“作曲家为何选择用这种方式来组织这些材料来达成特定的艺术目的”。通过对历史范式的掌握和对现代实践的考察，读者将能够更深刻地欣赏音乐作品的精妙构建与无尽可能性。

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坦白说，这本书的阅读体验是渐进式的，需要耐心。刚开始翻阅时，可能会觉得信息密度过大，尤其是一些德语和拉丁语术语的引用，初学者可能会感到压力。但是，只要坚持读下去，你会发现作者的叙事脉络是极其有耐心的。他似乎预设了读者会遇到困难，并总是在关键时刻提供回顾和总结，帮助我们巩固刚刚学到的知识点。这本书最大的优点在于它的百科全书式的广度和深度兼备，它涵盖的音乐时期和曲式范围非常全面，从早期的复调到后来的序列化结构都有所涉及。它更像是一个知识的矿藏，每次挖掘都能带来新的发现，适合那些愿意投入时间进行深入钻研的音乐爱好者和专业人士。

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这本书简直是音乐理论的宝典！我花了整整一个夏天的时间来啃这本书，它对我理解和欣赏古典音乐起到了革命性的作用。作者对奏鸣曲式、赋格以及各种小型器乐曲式的梳理，逻辑清晰到令人惊叹。他不仅仅是罗列规则，更深入探讨了这些形式在不同历史时期是如何演变和被作曲家们重新诠释的。特别是他分析莫扎特和贝多芬作品时引用的那些生动的乐谱片段，让我仿佛站在了作曲家身边，亲眼见证了那些精妙结构是如何构建起来的。这本书的深度远远超出了我对一本“教材”的预期，它更像是一本深入的音乐史和分析学的融合体。对于任何想要从“听众”升级到“鉴赏家”的人来说，这本书都是不二之选，它为你提供了一套系统性的工具来解构音乐的骨架。

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这是一本极其严谨的参考书，它的价值在于其详尽的案例和精确的术语定义。作为一名正在攻读音乐学学位的学生，我发现这本书在处理乐章结构和主题发展这一块的内容，简直是教科书级别的典范。作者对不同流派（如浪漫主义晚期和新古典主义）在处理传统形式时的细微差别进行了细致入微的对比分析，这一点在我撰写论文时提供了巨大的帮助。书中提供的乐谱图示清晰明了，每一个标记、每一个和声功能转换都得到了充分的解释，确保了读者不会因为概念的抽象而迷失方向。我几乎把它当作工具书一样放在手边，随时需要查阅特定结构的详细划分时，它都能提供最可靠的依据。

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说实话，我对这本书的期望值本来不高，以为又是那种枯燥乏味的学术著作，但读完之后我完全被征服了。它的行文风格非常活泼，丝毫没有学术书籍的沉闷感。作者似乎非常擅长用通俗易懂的语言来解释极其复杂的概念，比如对位法和序列主义，他总能找到恰当的比喻来帮助读者理解。我特别欣赏它在探讨“模糊性”和“不确定性”在音乐形式中的作用时所展现出的哲学思辨。它没有试图把所有音乐都塞进僵硬的框架里，而是承认了创造力的无限性和对既定形式的突破。这种开放的态度让我在面对20世纪和当代音乐时，少了一些困惑，多了一些探索的乐趣。这本书让我意识到，音乐的形式美感与情感表达从来都不是互相排斥的。

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这本书的视角非常独特，它不仅仅关注“是什么”（What），更关注“为什么”（Why）。我最喜欢的部分是关于“功能”和“语境”的讨论。作者强调，任何音乐形式的生命力都来自于它在特定历史时期所承担的社会和情感功能。比如，同样是ABA结构，在巴洛克时期和在二十世纪的流行歌曲中，其内在的驱动力和听众的预期是完全不同的。这本书引导我跳出纯粹技术分析的窠臼，去思考音乐是如何与时代精神对话的。这种跨学科的思考方式，让我对音乐的理解更加立体和丰满。它不是在教你如何“写”出某种形式，而是在教你如何“理解”这种形式之所以存在的深层原因。

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