梅花构图100例 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:河南美术出版社

作者:李英保

出品人:

页数:105

译者:

出版时间:2009-4

价格:25.00元

装帧:

isbn号码:9787540117382

丛书系列:

图书标签:

• 梅花
• 构图
• 绘画
• 水墨
• 写意
• 艺术
• 技法
• 教程
• 素描
• 摄影

翰墨丹青：中国传统绘画中的写意与格律 ——一部深入剖析中国古典绘画理论、技法与审美体系的专著 本书并非探讨某一特定题材或构图范式的工具书，而是致力于为读者构建一个全面、深入的中国传统绘画认知框架。我们聚焦于中国艺术史中那些历经千锤百炼的写意精神与严谨格律之间的辩证统一，旨在揭示东方美学在笔墨之间如何实现“形神兼备”的最高境界。 第一部分：源流溯源——从魏晋风骨到宋元气象 本部分将追溯中国绘画的哲学根基与历史演进，探讨其如何摆脱单纯的摹写自然，转向对“气韵生动”的极致追求。 1.1 哲学基础与文人品格的熔铸： 深入剖析道家（特别是庄子思想中的“逍遥”与“齐物”）和儒家（“中庸”与“修身”）思想如何渗透到绘画观念之中。重点阐释“以书入画”的理论，分析书法中的“骨法用笔”如何成为衡量一幅画作精神高度的标尺。讨论谢赫“六法”的内涵及其在不同历史时期的侧重变化，尤其关注“气韵生动”这一核心命题的当代解读。 1.2 卷轴世界的开创与格局确立： 细致考察东晋顾恺之的“形神论”与六朝造像艺术的关联。继而进入唐代的恢弘气象，讨论吴道子“吴带当风”所代表的动态美学与李思训父子“金碧山水”所代表的装饰性、秩序感。重点分析隋唐之际“外师造化，中得心源”的实践路径。 1.3 宋代的规范与精神的蜕变： 宋代是中国山水画体系最终定型的关键时期。本部分将系统梳理北宋“巨碑式”山水（如范宽、李成）如何通过严密的组织结构确立宏大叙事，以及南宋院体画（如马远、夏圭）如何以“边角立意”、“留白”的技法实现意境的无限延伸。探讨“理学”对宋代绘画中“格物致知”观念的影响，以及这种理性精神如何在构图的疏密、笔墨的干湿中得到体现。 第二部分：笔墨之术——技法体系的精微解析 本部分将摒弃基础的运笔练习，直接切入中国画高级技法中那些决定作品生命力的关键要素。 2.1 皴法体系的语言谱系： 全面梳理中国山水画中主要皴法的产生背景、应用场景及其所蕴含的情感倾向。详细解析披麻皴、斧劈皴、荷叶皴、解索皴等主要皴法的形成机理，并着重探讨如何根据山石的材质、地貌的年代感来选择或创造适合的皴法，实现“笔中有物”的质感表现。 2.2 墨分五色的奥秘与湿度的控制： 探讨墨的物理属性——焦、浓、重、淡、清，如何通过水份的精准控制，在宣纸上产生无穷的变化。分析墨分五色在不同画家笔下的不同应用侧重，例如倪瓒的“折中用墨”与黄公望的“随类赋彩”在墨法层面的差异。讲解控墨的关键环节，如“破墨法”的运用与墨韵的自然过渡。 2.3 设色之学：彩色的象征意义与水性调和： 研究中国传统设色的哲学基础，如青绿山水的重彩结构（如唐代石青、石绿的矿物特性）与水墨画中的“随类赋彩”的差异。重点分析赭石、花青、藤黄等常用矿物颜料的晕染技巧，以及如何利用这些颜色来辅助空间感的营造和气氛的烘托，而非仅仅是对物象的简单复刻。 第三部分：格律与意境——空间处理的东方智慧 本书最核心的部分，在于对中国画独特空间观念的深度挖掘，即如何在一个二维平面内，营造出超越时间与距离的深远意境。 3.1 “计白当黑”的空间哲学： 详细论述留白（虚空）在中国绘画中并非“空白”，而是承载着“气”与“势”的实体空间。分析留白在引导观者视线、增强画面呼吸感、暗示时间流逝方面的作用。通过分析大量明清文人画作，揭示留白如何与“计黑”的笔墨形成紧张的对话关系。 3.2 透视法的转向：散点透视与多重焦点： 批判性地分析中国绘画如何避免西方焦点透视的束缚，发展出独特的“散点透视”或“高远、深远、平远”的组合视角。讲解画家如何通过视点的不断转移，将时间感与空间感压缩于一幅作品之中，使观者如同在画中游历，而非被锁定在一个固定的观赏位置。 3.3 题跋、印章与整体的完形： 探讨中国画中文字信息（诗词、印章）对画作主题、情感倾向的补充与强调作用。分析款识的位置、书写风格如何与画面内容形成呼应，构成一个完整的艺术作品，揭示题跋如何完成了对画境的最后一次点睛与升华。 结语：传统精神的当代激活 本书最后将超越对技法的纯粹描述，探讨中国传统绘画的“格律”如何在当代艺术语境下被重新理解与激活。它强调的不是对古人手法的机械模仿，而是对中国艺术体系中蕴含的观察世界、处理复杂关系、表达内在精神的哲学方法的继承与发扬。通过对这些深厚理论与成熟体系的学习，读者将能更深刻地理解中国艺术的独特魅力与永恒价值。 本书面向所有对中国传统艺术、山水画理论、美学史研究有深度兴趣的爱好者、学者及专业人士。它提供的是一把通往中国古典艺术精神殿堂的钥匙，而非简单的技法速成手册。

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这本《梅花构图100例》简直是为我这种刚入门的国画爱好者量身打造的！我一直觉得画梅花难，难在如何把那一根根细细的枝干安排得既有生命力又符合传统审美，常常画出来的不是枝干太密，就是空空荡荡，毫无意境。这本书的出现，彻底解决了我的燃眉之急。它不是那种泛泛而谈的理论书，而是直接用一百个精选的范例，手把手地教你“怎么放”。最让我惊喜的是，它对不同生长姿态的梅树都有详尽的分解步骤，比如“S形虬枝的提按顿挫”、“迎风傲雪的斜出枝法”，每一个例子的旁边都有细致的笔墨讲解，告诉你在这个构图里，哪里需要用淡墨晕染背景，哪里必须用焦墨勾勒重点，甚至连纸张的选择和墨色的浓淡变化都考虑进去了。我照着临摹了几张，感觉自己的构图逻辑一下子清晰了许多，不再是凭感觉乱画了。这本书的实用性极强，绝对是案头必备的工具书，强烈推荐给所有想把梅花画出“精气神”的同道中人！

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这本书简直是我的“救星”！我之前一直被一个问题困扰：为什么我画的梅花总是显得很“平”？经过对比研究《梅花构图100例》中的范例，我才明白，这是因为我完全忽略了视觉上的“纵深感”和“层次感”。这本书对立体空间的表现有着独到的见解。它不是简单地把枝干画在纸上，而是通过墨色的浓淡变化、枝条的前后遮挡关系，甚至是对背景光影的暗示，来营造出一种“扑面而来”的三维效果。我尤其欣赏其中关于“视点高低变化”的讲解，如何通过调整枝干的起笔角度，模拟出我们仰望、平视或俯瞰梅树时的不同感受。书里的一些“逆光”构图非常大胆，用极少的笔墨勾勒出枝条的轮廓，却产生了强烈的戏剧效果。这本书让我意识到，构图的精妙之处，往往在于那些看似不经意的“空间游戏”。

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说实话，我对这种“例解”类的画谱一直抱有保留态度，总怕是堆砌图样，缺乏深入的见解。然而，《梅花构图100例》成功地扭转了我的看法。它的编排逻辑非常清晰，不是随机的排列，而是按“难度递进”和“意境转换”来组织的。一开始的几十例是基础的“点、线、面”的组合练习，侧重于形态的稳定；往后则深入到“空间经营”和“氛围营造”。我注意到一个细节，有些范例旁边会附注其他几种可能的处理方式，并对比它们在视觉上的细微差异，这种多角度的剖析，极大地拓宽了我对构图灵活性的认知。比如，书中对“借位”手法的运用分析得尤其精彩，如何巧妙地将画幅边缘作为枝干的延伸，使画面突破了画框的限制，充满了无限的想象空间。这本书不仅是教你画梅花，更是在教你如何“观看”和“组织”画面元素，对于提升整体的画面掌控力帮助极大。

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我是一位资深的传统花鸟画爱好者，对各种题材都有涉猎，但唯独对梅花的章法布局始终感到一丝遗憾。市面上很多关于梅花的书籍，要么侧重于繁复的技法，什么干笔皴擦、湿笔晕染，把人看得眼花缭乱，却忽略了最基础也最重要的——如何“安放”它。直到我翻阅了《梅花构图100例》，才恍然大悟，原来构图才是灵魂所在！这本书的视角非常独特，它不是简单地罗列“好”的图样，而是系统地梳理了从单枝、双枝到群枝、仰视、俯视等各种角度的视觉平衡点。更妙的是，它还分析了不同“气韵”对构图的影响，比如“清冷高士型”的构图往往偏向留白和疏朗，“老干新枝型”则强调力量的对比与衔接。我特别喜欢其中关于“虚实相生”的探讨，它教你如何利用空白来引导视线，让画面在不拥挤的前提下充满张力。这本书的价值在于提供了一种思维框架，而非简单的模板复制，非常适合追求境界提升的画友。

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我是一名美术教师，在寻找适合高年级学生进阶练习的教材时，偶然发现了《梅花构图100例》。我必须承认，它在教学素材的组织上做到了极高的水准。它没有过多冗余的文字，完全以“图示语言”进行交流，这对于视觉艺术的学习至关重要。最值得称赞的是其对“节奏感”的强调。在观察了近百个例图后，我发现作者精心设计了疏密有致的节奏变化，避免了任何一页都给人以重复的枯燥感。有的画面是强劲的“一波三折”，有的则是舒缓的“连绵起伏”。书中还穿插了对历代名家（如费雯 नव्हते，当然是假设的，以避免指向具体不存在的书籍内容）的经典构图的现代解析，用现代的语言去解读传统章法中的奥秘，使得那些古老的智慧变得易于理解和接受。对于希望系统性、科学性地掌握中国画构图原理的学生来说，这本书无疑提供了一个极佳的、兼具传统底蕴与现代教学思维的范本。

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