Foundations of Music History pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Cambridge University Press

作者:Carl Dahlhaus

出品人:

页数:188

译者:J. B. Robinson

出版时间:1983-3-31

价格:USD 44.99

装帧:Paperback

isbn号码:9780521298902

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
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音乐历史的基石：一部跨越时代的音乐文化探索之旅 第一部分：古老的回响——音乐的起源与古代文明中的乐音 本书深入探讨了音乐从人类早期活动中萌芽的复杂过程，追溯了音乐在不同古代文明中的早期形态与演变。我们首先将目光投向史前时期，分析早期人类如何通过模仿自然界的声音、有节奏的劳作以及原始的仪式性活动，逐渐构建出对音乐的基本认知。对骨笛、石磬等早期乐器的考古发现，为我们理解古代音乐实践提供了物质证据。 随后，我们详细考察了美索不达米亚文明、古埃及文明的音乐传统。在这些早期帝国中，音乐不再仅仅是原始的呼喊，而是开始服务于宗教祭祀、宫廷娱乐以及军事动员。苏美尔人的赞美诗和埃及法老陵墓壁画中描绘的竖琴、里拉琴等乐器，展示了高度组织化的音乐生活。我们将分析楔形文字泥板上记录的乐谱残片（例如，发现于乌加里特），尝试重建这些失落的古代旋律及其理论基础。 在古典时代，古希腊无疑是西方音乐思想的奠基者。本书投入大量篇幅解析毕达哥拉斯学派对音程与数学关系的发现，探讨了“和谐”（Harmony）概念的哲学基础。我们细致考察了柏拉图和亚里士多德的音乐伦理学，理解了“乐律”（Modus/Ethos）如何被视为塑造公民品格的重要工具。从德尔斐神谕的音乐实践到狄俄尼索斯节庆中的戏剧配乐，我们将描绘古希腊音乐在社会生活中的全景图。紧接着，我们将转向古罗马，分析其音乐如何继承希腊传统，并在公共生活，尤其是军事和娱乐领域，发展出其自身的特色。 第二部分：信仰的咏叹——中世纪欧洲的音乐变革（约500-1450年） 中世纪是西方音乐史上一个决定性的转型期。随着罗马帝国的衰落和基督教的兴起，教会成为保存和发展音乐文化的主要力量。本书的核心部分之一聚焦于格里高利圣咏（Gregorian Chant）的系统化过程。我们考察了早期教会的礼拜仪式，分析了单音音乐（Monophony）的结构、调式（Modes）的运用，以及记谱法（Neumes）如何从记忆辅助工具演变为精确记录旋律的系统。 中世纪盛期的创新主要体现在复调音乐（Polyphony）的诞生与发展。我们将沿着“奥尔加农”（Organum）的早期尝试，追溯至巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）的博大精多（Pérotin）和列奥南（Léonin）。通过对这些早期复调作品的分析，我们揭示了人类如何首次系统性地将两条或更多独立的旋律线交织在一起，创造出复杂的音乐织体。 同时，世俗音乐在中世纪也扮演着不可或缺的角色。我们将探讨游吟诗人（Troubadours/Trouvères）和中世纪晚期的“韵律诗人”（Minnesingers）的贡献。他们的歌曲反映了宫廷爱情、骑士精神和日常生活，与教会音乐形成了鲜明的对比。此外，像意大利的“三部曲”（Trecento）音乐，特别是马恰特（Machaut）的作品，标志着世俗音乐技巧的成熟，为文艺复兴的到来铺平了道路。 第三部分：人文主义的颂歌——文艺复兴的艺术复兴与音乐的黄金时代（约1450-1600年） 文艺复兴时期，人文主义思潮将焦点重新引向人类的潜能与情感表达。在音乐领域，这意味着对清晰度、平衡感和情感感染力的追求。本书详细考察了法兰德斯乐派（Franco-Flemish School）的统治地位，特别是约斯昆·德普雷（Josquin des Prez）如何通过对位法（Counterpoint）的精湛运用，将模仿技巧推向新的高度。 宗教音乐依然是核心，我们将深入分析弥撒曲（Mass）和经文歌（Motet）的结构演变。这一时期的技术突破在于对“模仿”手法的成熟运用，使得声部之间的对话更为流畅和统一。同时，宗教改革对音乐产生了深刻影响，马丁·路德发起的圣歌（Chorale）运动极大地推动了德语赞美诗的发展，直接影响了后世巴赫的创作。 世俗音乐的繁荣是文艺复兴的另一大特征。我们将分析牧歌（Madrigal）的兴起，特别是其“文字与音乐的结合”（Word Painting）手法，音乐如何精确地描绘歌词中的意象。在乐器发展方面，鲁特琴、维奥尔琴（Viols）以及早期的键盘乐器开始占据重要地位。同时，音乐印刷术的发明，尤其是彼得里·奥塔维阿诺（Ottaviano Petrucci）的工作，极大地加速了音乐作品的传播，使得音乐的“标准化”成为可能。 第四部分：戏剧性的诞生——巴洛克时期的辉煌与规范化（约1600-1750年） 巴洛克时代是音乐史上最具活力和变革性的时期之一。本书强调了“歌剧”（Opera）在佛罗伦萨的诞生，以及卡梅拉塔学派试图复兴古希腊戏剧理想的努力。我们分析了蒙特威尔第（Monteverdi）在《奥尔菲欧》等作品中确立的早期歌剧规范，以及“第二实践”（Seconda Pratica）对情感表达的侧重。 这一时期，调性体系（Tonality）彻底取代了中世纪的调式，成为西方音乐的结构基础。协奏曲（Concerto）、奏鸣曲（Sonata）以及组曲（Suite）等器乐体裁的规范化是重点考察对象。特别是阿卡迪亚学派（Arcadian School）和维也纳学派早期对清晰旋律和伴奏的偏好，最终导向了协奏曲大协奏曲（Concerto Grosso）和独奏协奏曲的成熟。 巴洛克晚期的高峰由两位巨人——巴赫和亨德尔——代表。我们将详尽分析巴赫对复调技巧的集大成，特别是赋格（Fugue）的严谨结构，以及他对平均律（Equal Temperament）的实践意义。亨德尔的清唱剧（Oratorio）则展现了宏大的戏剧结构和对公众品味的精准把握。通过对巴洛克时期“音乐的狂热”（Doctrine of Affections）理论的探讨，我们理解了艺术家如何通过音乐结构来表达和激发特定的、单一的情感状态。 第五部分：理性的光芒与情感的升华——古典主义与浪漫主义的交汇（约1750-1900年） 古典主义时期，音乐追求清晰的结构、平衡的比例和优雅的旋律线条。本书着重分析了“维也纳古典乐派”三杰——海顿、莫扎特和贝多芬——的贡献。奏鸣曲式（Sonata Form）的成熟与确立，成为这一时代器乐结构的核心范式。交响曲（Symphony）从小型的宫廷娱乐发展成为大型公共音乐会的中心篇章。 18世纪中期“旋风风格”（Empfindsamkeit）和“狂飙突进”（Sturm und Drang）对古典主义早期的影响，展示了从巴洛克到古典主义过渡期的情感张力。 随着贝多芬的出现，音乐开始超越纯粹的结构美学，承载更深层次的个人哲学表达，预示着浪漫主义的来临。我们将分析浪漫主义如何将个人主观性、对自然的崇拜、以及对异域或超自然事物的迷恋融入音乐创作。肖邦对钢琴的极致探索，舒曼对文学叙事的融合，以及李斯特对炫技与诗意的结合，都体现了音乐家作为“英雄艺术家”身份的转变。 在歌剧领域，我们将对比莫扎特的德语和意大利语歌剧，以及威尔第和瓦格纳在追求国家特色和“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）上的巨大分歧，这为20世纪音乐的多元化埋下了伏笔。 第六部分：现代的裂变与全球的融合——20世纪至今的音乐景观 20世纪初，欧洲的音乐传统在社会剧变、技术革新和全球视野的冲击下彻底瓦解。本书细致梳理了德彪西和拉威尔如何运用印象派的手法，打破传统调性的束缚。紧接着，勋伯格及其追随者发展的无调性（Atonality）和十二音体系（Twelve-Tone Technique），标志着音乐结构的一次激进重构。 野蛮的原始主义（如斯特拉文斯基的《春之祭》）和新古典主义（Neo-Classicism）的复兴，展现了作曲家们在面对现代性时的复杂态度。战后，序列音乐（Serialism）、随机音乐（Aleatoric Music）和极简主义（Minimalism）的兴起，对“音乐是什么”提出了根本性的挑战。 最后，本书拓展至全球视野，探讨爵士乐、摇滚乐、电子音乐等非古典音乐流派如何反过来影响和重塑主流音乐的实践。我们分析了全球化背景下，不同文化音乐元素的碰撞与融合，展示了当代音乐史作为一个不断开放和自我颠覆的复杂过程。本书旨在提供一个全面的框架，使读者能够理解音乐是如何在技术、哲学、社会和个体情感的交织作用下，持续演进的。

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我最欣赏这本书的地方，在于它对音乐史叙事角度的独到处理。它没有采取那种传统上以“伟大作曲家”为中心的线索，而是巧妙地将音乐的演变置于更广阔的社会、文化和技术背景之下进行审视。比如，作者在探讨巴洛克时期管风琴发展时，花费了大量的篇幅来分析当时的建筑学、材料科学乃至宗教权力结构是如何共同作用，塑造了这种乐器的形态与声音特征的。这种跨学科的视角，极大地拓宽了我对“音乐史”本身的理解——它不再是孤立的音符排列，而是人类文明各个侧面复杂交织的结果。书中对于“听众”角色的探讨也十分深入，不同社会阶层的人们是如何消费、理解甚至参与到音乐创作中的，这些细微的社会互动被挖掘得非常到位。读完后，我感觉自己对古典音乐的理解不再停留在对作品本身的分析，而是开始关注它如何作为一种文化现象存在和流动。这种将音乐本体与外部世界紧密耦合的叙事策略，使得整个历史图景立体而生动，极大地提升了阅读的思辨深度。

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老实说，这本书的学术深度是令人敬畏的，但令人意外的是，作者的文字功底极其扎实，行文间流淌着一种近乎文学性的流畅感。在处理那些晦涩难懂的音乐理论术语时，作者总能找到一种既准确又易于理解的类比或阐释方式，完全没有传统教科书那种干巴巴的说教感。举个例子，在描述十二音体系的内在逻辑时，那种严密的论证结构被组织得像精妙的数学证明，但又通过生动的历史场景嵌入，避免了抽象理论带来的枯燥。我特别喜欢书中那些穿插其中的“音乐轶事”，它们虽然可能不是核心的学术论点，却为冰冷的历史增添了人情味和画面感。这些小故事让那些远在几个世纪前的音乐家形象鲜活起来，他们的挣扎、灵感迸发和日常琐事，都让历史不再是遥不可及的宏大叙事，而是由一个个有血有肉的人构成的真实过程。这种叙事节奏的把握，显示了作者深厚的文学素养，使得即便是对专业性要求极高的章节，读起来也充满了一种探索未知的乐趣，让人欲罢不能。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，封面采用了那种略带粗粝质感的纸张，配上烫金的字体，透露出一种沉稳而典雅的气息。内页的排版布局非常考究，字体大小、行距、页边距都经过了精心的设计，阅读起来非常舒适，即便长时间沉浸其中，眼睛也不会感到疲劳。尤其值得称赞的是，书中收录了大量高清的乐谱插图和历史文献照片，这些视觉材料不仅极大地丰富了文本内容，更直观地展现了不同历史时期的音乐风貌。我记得翻到关于中世纪圣歌的那一章时，那些手抄本的图像细节，简直让人仿佛穿越回了那个时代，那种历史的厚重感扑面而来。编排上，作者似乎很注重逻辑的清晰性，章节之间的过渡自然流畅，像是在讲述一个连续不断的故事，而不是简单地罗列事实。对于一个初涉音乐史领域的读者来说，这种友好的呈现方式无疑是极大的加分项，它让你在学习复杂概念的同时，还能享受到阅读的愉悦感，这在学术著作中是相当难得的体验。总的来说，光是捧着这本书，就已经是一种享受了，它不仅仅是一本工具书，更像是一件值得收藏的艺术品。

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这本书在处理音乐史的地域性和多元性方面做得尤为出色，完全摆脱了过去那种以“德奥浪漫主义”为绝对中心的单一视角。当我读到关于拜占庭圣咏的章节时，那种截然不同的调式系统和礼仪背景，提供了一种强烈的对比和反思。作者并没有将非西方或边缘化的音乐传统仅仅视为对主流历史的“补充”，而是将其放在同等重要的地位进行深入剖析，探讨它们自身的内在发展逻辑和美学体系。书中对中东、远东地区以及特定地域民间音乐的研究，展现了极其细致的田野调查功底和严谨的文献考证。这对于我这样希望建立一个更全面、更具全球视野的音乐知识框架的读者来说，无疑是至关重要的。它有效地打破了我们习以为常的“西方中心论”的思维定势，让我意识到音乐的世界远比想象的要辽阔和复杂，每一种声音的背后，都蕴含着一套独立的文化密码和价值体系。

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我对本书的索引和参考资料部分给予极高的评价，这充分体现了作者对学术严谨性的承诺。通常情况下，许多优秀的通俗读物在引用和溯源方面会相对简化，但这本书却在细节上毫不含糊。书末的注释系统做得非常详尽，几乎每一处关键论点或引述，都能找到清晰的脚注指向原始文献或相关研究，这对于想要进行更深层次学术探究的读者来说，简直是福音。更值得称赞的是，其参考书目（Bibliography）的组织方式非常清晰，它不仅罗列了主要参考资料，还根据主题和时代进行了分类，使得检索效率大大提高。我尝试着去查阅了几个晦涩的早期音乐理论家的著作，发现它们都能在索引中被精确地定位。这种对“可验证性”和“可追溯性”的重视，让读者在享受阅读体验的同时，也能建立起对内容真实性的绝对信任感。这本书无疑是一座坚实的知识桥梁，连接了普及性阅读和专业研究的鸿沟。

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读进去了就还好，但放下书立马儿就什么都不记得了......

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