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出版者:浙江摄影出版社

作者:张宗寿

出品人:

页数:179

译者:

出版时间:2009-3

价格:28.00元

装帧:平装

isbn号码:9787806867181

丛书系列:

图书标签:

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数字影像艺术的入门指南：探索光影与构图的奥秘 一本专注于理论基础、技术精进与艺术表达的全面摄影教程 目标读者： 渴望系统学习摄影基础知识、希望提升影像叙事能力、对数字图像处理技术感兴趣的初学者、爱好者及相关专业学生。 核心理念： 摄影不仅是按下快门的动作，更是一门结合科学原理、技术操作与个人审美的视觉语言。本书旨在为读者构建坚实的理论框架，引导他们将技术转化为富有感染力的艺术表达。 --- 第一部分：认识你的相机——设备与技术的基础构建 本部分将彻底解构现代数码相机的工作原理，确保读者能够熟练掌握设备，不再被复杂的参数所困扰，而是将其视为创造影像的工具。 1. 相机结构与工作流程的深度解析 传感器技术： 详细对比CCD与CMOS传感器的特性、全画幅与残幅的优劣及其对最终画质的影响。探讨像素尺寸、量子效率与信噪比在不同光照条件下的表现。 镜头的光学魔力： 深入剖析镜头的光学设计，包括镜片组、镀膜技术（抗眩光与鬼影）。系统讲解焦距（广角、标准、长焦）对视角压缩与透视感的影响，以及定焦与变焦镜头的适用场景。 光圈、快门与ISO的三角关系（曝光铁三角）： 不仅仅是定义，而是侧重于“控制”——如何运用它们来精确控制曝光度、景深范围、运动模糊效果和画面纯净度。深入探讨TTL测光、点测光、中央重点测光等模式的选择逻辑。 2. 聚焦的科学与艺术 自动对焦系统（AF）： 解析单点对焦、区域对焦、追踪对焦的机制。讨论在静物、人像和高速运动场景中，如何选择和优化对焦点，实现精准合焦。 手动对焦的回归： 在低光环境或微距拍摄中，掌握峰值对焦（Focus Peaking）和放大辅助功能，重建人机合一的精确对焦体验。 景深控制的计算与实践： 介绍超焦距的概念及其在风光摄影中实现“由近及远皆清晰”的实用技巧。 3. 色彩的语言：白平衡与色彩空间 白平衡的精确校准： 理解色温（开尔文值）对画面冷暖调性的决定性作用。教授如何使用灰卡进行自定义白平衡设置，确保色彩的真实还原。 色彩空间的选择： 详尽解释sRGB与Adobe RGB（1998）的区别，以及ProPhoto RGB在专业工作流中的应用。理解色彩空间对后期处理宽容度的影响。 --- 第二部分：构图的法则与视觉引导 摄影的本质是裁剪世界。本部分聚焦于如何组织画面元素，引导观众的视线，构建具有视觉冲击力和叙事逻辑的画面结构。 1. 经典的视觉组织原则 三分法、黄金分割与引导线： 经典构图规则的深度剖析，不仅仅是“把主体放在交点上”，更要探讨如何利用对角线、S形曲线和框架结构来增强画面的动感与深度。 负空间（留白）的运用： 探讨留白在表达寂静、孤独或突出主体时的强大力量，学习如何通过“不拍什么”来强化“拍了什么”。 对称与平衡的打破： 介绍如何利用非对称布局来创造张力，以及如何通过色彩或光线的分布来实现视觉重量的平衡。 2. 视点与透视的掌控 角度的革命： 强调从低角度（仰视）和高角度（俯视）拍摄对主体形态和环境关系产生的根本性改变。对比水平视角的平实感。 透视的控制： 再次强调焦距对透视压缩感的影响。展示如何利用长焦距制造前景与背景的紧密关系，以及广角镜头如何夸张空间距离。 3. 纹理、图案与韵律感 画面的肌理： 学习如何通过特定的光线角度（如侧光）来凸显物体的纹理细节，如岩石的粗粝感、皮肤的光滑感等。 重复与渐变： 讲解如何捕捉和利用建筑或自然界中的重复图案（如拱门、树木排布）来建立节奏感和视觉韵律。 --- 第三部分：光线——摄影的终极媒介 光线是摄影的生命线。本部分将带领读者从被动接受光线到主动塑造光线，实现对环境光线的完全掌控。 1. 自然光线的解析与驾驭 一天中的光线“性格”： 详细区分清晨的“蓝调时刻”、清晨与傍晚的“黄金时段”光线特性（方向性、柔和度、色彩温度）。 阴天与阴影的艺术： 探讨阴天光线作为天然柔光箱的优势，以及如何在强烈的直射光下，利用阴影本身作为构成元素来增加戏剧性。 逆光、侧光与顺光的决定性作用： 侧重于侧光对立体感的塑造，逆光对轮廓光和剪影效果的创造，以及顺光在表现色彩饱和度上的特点。 2. 人造光与影棚基础 闪光灯的基础设置： 介绍内置闪光灯的局限性，并重点讲解外置热靴闪光灯（Speedlight）的原理、TTL与手动模式的切换。 离机布光基础： 介绍同步线、无线引闪器的使用。教授一灯、两灯的基本布光模式（如伦勃朗光、蝴蝶光）在肖像摄影中的应用。 柔光与控光附件： 深入讲解柔光箱（Softbox）、反光伞、束光筒（Snoot）等附件如何改变光线的硬度、范围与投射方向。 --- 第四部分：工作流程与影像的精修 从拍摄到输出，本部分关注的是数字暗房技术，确保原始素材能够被最大化地转化为高质量的最终作品。 1. RAW格式的优势与文件管理 RAW文件的深度挖掘： 解释RAW文件（如CR2, NEF, ARW）与JPEG的根本区别，强调其在宽容度、白平衡调整和降噪方面的巨大潜力。 文件命名与备份策略： 建立高效、安全的数字资产管理系统（DAM），确保工作流程的顺畅性与素材的永续保存。 2. 非破坏性编辑的核心技术 曝光与动态范围的恢复： 学习如何在后期软件中有效拉升阴影细节、压制高光溢出，恢复场景的完整动态范围。 色彩校正与分级（Color Grading）： 不仅仅是调整饱和度，而是理解色彩在传达情感中的作用。掌握色相、饱和度、明度（HSL）工具，并介绍基础的色彩分级概念，形成统一的视觉风格。 锐化与降噪的平衡点： 掌握蒙版锐化和输出锐化的技术，并理解在不同ISO下应用降噪算法的度量标准，避免画面出现“塑料感”。 3. 打印与网络输出的准备 打印色彩管理： 了解显示器校准的重要性，以及色彩管理模块（ICC Profile）在确保屏幕所见即所得打印效果中的作用。 网络分辨率与优化： 掌握针对不同社交媒体平台和网站的最佳输出尺寸、文件格式与压缩比，确保在线展示的清晰度与加载速度。 --- 结语：建立你的视觉语言 本书的最终目标是让读者跨越“会拍照”到“能创作”的鸿沟。通过对技术细节的透彻理解和对艺术原则的持续实践，每位学习者都将能够发展出自己独特而有力的视觉叙事方式。

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坦白说，我过去对“摄影后期”的理解仅限于“美颜”和“调色”，直到我翻开了这本《数字影像的色彩科学与管理》。这本书绝对是为那些追求极致色彩还原和印刷输出质量的专业人士准备的。它完全抛弃了主观的“好看”标准，转而深入到色彩的物理学和数字处理流程的每一个细节。书中详细解释了CMYK与RGB色彩模型的底层差异，以及为什么在打印前必须进行精确的色彩管理。我以前总是在电脑屏幕上看到的颜色，输出后会完全跑偏，这本书通过讲解ICC配置文件和设备校准的必要性，彻底解决了我的困惑。它详尽地介绍了如何使用色卡进行设备校准，以及如何理解直方图中的色域警告。其中关于“色彩分级”和“色调映射”的章节，不再是简单的曲线拉动，而是基于人眼对色彩的敏感度进行的科学调整。这本书的语言非常专业化，充满了技术术语，但作者的逻辑链条非常清晰，每一步的推导都有坚实的科学依据支撑。对于那些需要进行高端商业摄影、艺术品复制或者对色彩一致性有极高要求的从业者而言，这本书的价值无可估量，它提供的是一套可重复、可量化的色彩工作流程。

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说实话，我对那些厚重的理论书籍一向敬而远之，但《镜头下的微观世界：宏观摄影的艺术与科学》这本书，完全颠覆了我的看法。它简直是为那些对手边小事物充满好奇心的探索者量身定做的指南。这本书的重点完全聚焦于“微距”这个细分领域，从选择合适的微距镜头（比如定焦、变焦和移轴微距的区别）开始，详尽地解释了像“景深复合技术”（Focus Stacking）这种高级技巧。书中用大量的图表和实物对比，清晰地展示了如何通过多张不同焦点的照片合成出一张清晰度极高的全景深微距作品。此外，它对“工作距离”和“放大倍率”的解释非常到位，这对于避免拍摄物体时自己的影子遮挡光源至关重要。我个人特别喜欢它关于照明的章节，详细介绍了如何使用环形闪光灯来均匀照亮那些在普通光线下完全无法看清的昆虫翅膀纹理，以及如何利用自制的柔光罩来处理反光问题。这本书的语言风格非常严谨、专业，充满了科学的精确性，但同时又不失探索发现的乐趣。它让我意识到，原来一滴水珠、一片叶脉，都可以成为一个宏大而复杂的艺术主题。对于想要从“拍花花草草”进阶到“探索隐藏世界”的摄影爱好者来说，这本书提供了从硬件选择到后期处理的完整技术路径。

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我最近入手了这本《光影的叙事：高级布光与情绪营造》，原本是想找一本能帮我提升商业拍摄水准的专业书籍，没想到这本书的深度和广度远远超出了我的预期。它完全没有停留在讲解柔光箱和反光板的基础应用上，而是直接切入了“光线心理学”这个更深层次的领域。作者花了相当大的篇幅去探讨不同色温的光源如何影响观者的情绪感知，比如冷光带来的距离感和现代感，暖光则营造的亲密和怀旧氛围。书中收录了大量的案例分析，这些案例的布光图极为精细，不仅标注了灯具的功率和位置，还详细解释了每一次光线选择背后的“叙事意图”。例如，在分析一组黑白肖像时，作者解释了如何利用伦勃朗光营造出人物内心的挣扎与深度，而不是仅仅为了让人物看起来立体。更让我惊喜的是，它还涵盖了自然光在不同天气条件下的利用技巧，比如如何捕捉阴天时散射光的均匀质感，以及如何应对多云天气下光线快速变化的问题。这本书的理论性很强，但作者的文字功底一流，即使是复杂的物理光学概念，也能用非常流畅且富有哲理的语言表达出来。读完这本书，我感觉自己对“光”的理解上升到了艺术创作的层面，不再仅仅是曝光三角的机械操作，而是真正理解了如何用光来构建一个故事的骨架。

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这本书的封面设计得非常朴实，没有太多花哨的元素，纯粹的白色背景，搭配着经典的黑体字“图像处理与后期艺术”，一下子就抓住了我这个初学者的眼球。我本来对摄影抱有浓厚的兴趣，但总觉得那些复杂的参数和软件操作是高不可攀的“黑魔法”。然而，这本书的目录清晰地展示了它如何从最基础的RAW文件处理讲起，逐步深入到图层蒙版、色彩空间调整，甚至还涉及到了高级的频率分离技术。我尤其欣赏它在讲解蒙版时所采用的比喻，比如将图层蒙版比作一块“透明的玻璃纸”，让原本抽象的概念变得具象化。作者在每一章节的末尾都提供了“实战练习”，这些练习都是基于真实的摄影场景，比如如何还原日落时分的层次感，或者如何在人像摄影中柔化肤质。我花了一个周末的时间，按照书中的步骤，成功地将自己拍废的一张夜景照片“抢救”了回来，那种成就感是无可替代的。这本书的排版也很舒服，文字间距适中，图片示例都是高质量的对比图，能让人清楚地看到每一步操作带来的视觉变化。它更像一位耐心且经验丰富的导师，在你身边一步步引导，而不是一本冷冰冰的说明书。对于想要系统学习后期处理，摆脱“一键美化”困境的人来说，这本书无疑是一本扎实的入门砖，它教会我的不仅仅是“怎么做”，更是“为什么这样做”。

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我最近沉迷于那些强调人文关怀和街头纪实的作品，因此毫不犹豫地入手了《人文摄影的目光：捕捉时代的瞬间》。这本书的阅读体验更像是一次精神上的洗礼，而不是技术指导。它几乎没有提及光圈快门这些硬指标，而是将所有的笔墨都放在了“如何观察”和“如何存在”这两个核心问题上。作者通过回顾大量经典纪实摄影大师的作品，比如对战争场景的捕捉、对日常生活中微妙人际互动的记录，深入剖析了摄影师如何找到那个决定性的瞬间。书中反复强调“尊重与距离”的伦理边界，指导我们在不打扰被摄者生活的前提下，如何融入环境并建立信任。让我印象深刻的是，它提供了一套非常实用的“快速反应训练法”，教导如何在突发状况下（比如街头表演结束、人群散开的前一秒）迅速完成构图和曝光的预设，以确保不遗漏重要细节。这本书的文字充满了人文主义的温度，它鼓励读者带着同理心去看待世界，去关注那些容易被主流媒体忽视的边缘群体。它让我明白，最好的纪实照片，其力量源于摄影师对被摄对象的深刻理解和共情，而不仅仅是高超的技术。这本书是提升摄影“灵魂”的绝佳读物。

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很基础的理论书。

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…容易看糊涂的杂乱知识点

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很基础的理论书。

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应为爱好买的，没多少用。

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一本系统理论的教授摄影入门的书籍。