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出版者:文汇出版社

作者:

出品人:

页数:180 页

译者:

出版时间:1998年

价格:98.0

装帧:平装

isbn号码:9787878053154

丛书系列:

图书标签:

• 老上海
• 电影
• 怀旧
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影动的光影：中国早期电影的流光溢彩 内容提要 本书带领读者穿越时空，深入探寻中国电影自诞生之初至三十年代末，那段充满探索、勃兴与挣扎的黄金岁月。它不是一部简单的电影史年鉴，而是一部关于“造梦者”与“被造梦者”的社会切片。通过梳理早期电影制作、发行体系的建立，深入剖析以张石川、郑正秋、周剑云等为代表的先驱导演们的创作理念与技术实践，本书详细描绘了默片时代中国电影如何从模仿西洋奇技淫巧，逐步走向关注本土题材、反映国民心声的艰难历程。 本书的叙事视角兼顾了技术革新与文化反思。我们细致考察了有声电影引入初期，配音、剪辑等技术环节如何颠覆原有的叙事结构；探讨了明星制度的初萌与早期影星的社会形象塑造；更着重分析了在民族意识觉醒的大背景下，左翼电影运动对电影主题的深刻介入与社会批判力量。从探佚早期失传的影片线索，到发掘被历史尘封的幕后人物，本书力求还原一个立体、生动、充满张力的中国早期电影图景，揭示这段历史对后世中国电影美学范式产生的深远影响。 --- 第一章：蛮声的初啼——电影机械的移植与奇观的诱惑（1896-1910） 中国电影的黎明，始于西方魔术般的影像技术。本章追溯了电影放映机最早进入中国的时间点，聚焦于上海、天津、北京等通商口岸城市中，这些“活动影戏”如何作为一种新奇的娱乐方式，迅速吸引了城市居民的好奇心。 早期放映的内容以欧美的新闻片和短剧为主，其“奇观性”远大于叙事性。我们分析了早期影戏的播放场所——多在茶园、戏园或租界内的专门影戏院，探讨了这种新的媒介如何与传统戏曲、说书等表演艺术发生碰撞与交融。本章特别关注了中国最早一批的“摄制者”，他们往往是兼职的商人或洋行职员，初衷多为记录商业活动或满足猎奇心理，而非建立成熟的电影工业。这一时期的作品，如仅存的零星记载所示，多为对外国影片的拙劣模仿，技术层面极其原始，却为后来者铺垫了接触银幕的文化基础。 第二章：蓝幕下的模仿——早期故事片的诞生与技艺的摸索（1911-1921） 辛亥革命前后，电影开始从单纯的娱乐工具向叙事媒介转变。本章重点剖析了中国第一部故事片的诞生背景，及其在内容和形式上对好莱坞及日本电影的依赖。 2.1 《庄子试妻》的迷思与早期伦理片的尝试： 详细考察了早期被视为“中国第一部故事片”的《庄子试妻》的创作条件和故事内核。它标志着中国电影人开始尝试用影像讲述中国本土的故事，虽然技术粗糙，但主题上已触及传统家庭伦理的边缘。本章梳理了这一时期大量以“劝善惩恶”为主题的伦理片，分析了它们如何试图将传统道德观念植入到新兴的影像媒介中，以及这种嫁接所产生的文化张力。 2.2 摄影与剪辑的“拿来主义”： 这一阶段的导演们在缺乏正规教育的情况下，主要通过观摩外国片进行“逆向工程”式的学习。本章细致对比了早期中国电影在场面调度、景别运用上如何模仿好莱坞的早期大师，但因设备限制和技术积累不足，往往出现调度僵硬、光线运用粗糙等问题。我们记录了如张石川、郑正秋等人在技术瓶颈中如何通过“土法炼钢”的方式解决摄影难题，为中国电影语汇的形成打下粗糙的底色。 第三章：类型学的建立——从“武侠”到“良友”的产业雏形（1922-1927） 随着电影制片公司的陆续成立（如中华民国影片公司、明星影片公司），中国电影业开始初具产业规模。本章聚焦于类型片的成熟与制片体系的初步规范化。 3.1 武侠的神话与“神怪片”的辉煌： 1920年代初，以张石川导演的“侠侠片”（如《火烧红莲寺》系列）为代表的武侠类型片风靡一时。本章深入探讨了这种类型的成功逻辑：它既满足了观众对奇观的渴望，又巧妙地绕开了审查对于现实题材的敏感。详细分析了“特技”的制作手法，揭示了早期制片厂如何利用舞台机械、实景搭建和简单的后期剪辑技巧，创造出令人瞠目的视觉效果。 3.2 明星制度的肇始与社会影响： 明星的出现是电影工业化的重要标志。本章描绘了如杨耐梅、胡蝶等早期影星的崛起过程，分析了她们如何通过银幕形象对当时的女性时尚、社会风俗产生直接影响，以及制片方如何围绕明星进行营销推广，初步形成了粉丝经济的雏形。 3.3 “良友”的批判与都市情景剧： 与武侠片的通俗迎合相对，以郑正秋、何非我为代表的一批导演，开始将目光投向都市中产阶级的家庭生活与情感纠葛。本章重点分析了《故都春梦》、《姊妹花》等影片，这些“良友片”通过细腻的笔触，揭示了旧家庭的腐朽与新女性的觉醒，成为早期中国现实主义电影的萌芽。 第四章：时代的回响——左翼思潮与电影的社会责任（1928-1937） 三十年代，随着政治环境的动荡和左翼文化思潮的兴起，中国电影迎来了其思想深度上的高峰期。 4.1 有声片的冲击与技术的再转型： 粤语片和上海话片有声化进程的比较分析。有声电影的引入不仅仅是技术升级，它彻底改变了表演方式和叙事节奏。本章探讨了有声片初期，如何利用方言的亲近性来加强对特定区域观众的吸引力，以及配音技术如何首次在银幕上实现了同步的戏剧张力。 4.2 批判现实的尖锐声音： 重点剖析了“左联”电影运动的核心议题和代表作品，如蔡楚生、史东山等人的作品。这些影片开始大胆触碰劳资矛盾、社会不公、民族危亡等敏感话题，它们拒绝了早期武侠片的逃避主义，力图用镜头记录和介入真实的社会生活。分析了这些进步影片如何在严峻的审查制度下，运用象征、隐喻等手法进行“曲线救国”式的批判表达。 4.3 电影制片体系的南北分野： 探讨了上海作为电影中心在三十年代的鼎盛与衰落，以及与之伴生的香港和北方影业的崛起。这一时期的产业格局，很大程度上受到地域政治经济环境的影响，南北两地的影片在题材侧重和美学风格上呈现出微妙的差异。 第五章：流亡的底色与未竟的叙事（1937年及以后） 抗战爆发成为中国电影史上一个残酷的分水岭。本章考察了这一转折点对电影产业和创作理念带来的毁灭性影响。 5.1 战火中的剪影： 记录了上海电影制片厂的紧急南迁与解散过程，以及大量技术人员和明星流散的状况。部分影人转入后方，以纪录片形式参与抗战宣传，这使得电影的社会功能达到了前所未有的高度，但艺术创作的自由度却受到极大限制。 5.2 伪都市的幻影： 简要触及沦陷区上海的电影活动，分析了在日方扶植下出现的“文化汉奸”现象，以及这些影片在内容和质量上与抗战时期进步电影形成的鲜明对比。 5.3 早期光影的遗产： 总结了三十年代的成就，这些成就不仅体现在技术和产业规模上，更在于它为中国电影确立了“关注现实、承担社会责任”的审美基调。尽管许多早期胶片在战火中佚失，但这些作品所孕育的叙事传统和人物塑造手法，构成了中国电影史上第一段不可磨灭的厚重篇章。 --- 本书基于对早期电影史料、行业报告、评论家笔记以及幸存的影评档案进行交叉印证，力求呈现一个去魅的、还原技术与人性交织的中国早期电影全貌。

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这本书最让我感到惊喜的是它在人物刻画上的立体感。许多我们耳熟能详的影星，在这本书里被赋予了远超银幕形象的复杂人性。作者似乎挖掘到了很多第一手访谈或私密信件中的材料，揭示了他们作为普通人在战火、商业竞争和个人情感中的挣扎。比如，对于一位被誉为“永恒的缪斯”的女演员，书中没有回避她晚年的经济困窘和对艺术潮流的抵触，而是用一种克制的笔触描绘了那种英雄迟暮的悲凉。书中还穿插了许多配角的故事，那些幕后的灯光师、布景师，甚至是片场的杂役，他们对电影艺术的默默奉献同样得到了尊重和记录，这使得整个电影生态圈的面貌栩栩如生地呈现在眼前。这种不只关注台前的光鲜亮丽，更深入阴影中的努力与代价的写作手法，让整部作品充满了人情味和历史的厚重感，读起来让人唏嘘不已。

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我必须承认，这本书的叙事节奏把握得相当高明，它完全不同于那种平铺直叙的流水账式编年史。作者擅长设置“悬念”和“高潮”，通过对不同时间节点的巧妙跳跃，制造出一种强烈的戏剧张力。比如，在描述一次重要的电影节冲突时，作者没有按照事件发生的先后顺序来写，而是先抛出了最终的爆炸性结果，然后才回溯到前因后果，一步步剥开迷雾，这种结构让读者从一开始就被牢牢吸引住，迫不及待地想知道“到底发生了什么”。更妙的是，书中对于不同历史时期的转折点的描绘，总能精准地捕捉到那个时代特有的焦虑和希望的交织感。读起来就像在看一部剪辑精良的纪录片，时而快进，时而慢放，时而用特写聚焦于一个细节，这种阅读体验是极其享受且令人沉浸的。

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这本书的文字功底扎实得令人惊叹，它没有落入一般怀旧作品中常见的空洞赞美，而是以一种近乎学术研究的严谨态度，去剖析上海电影工业的兴衰脉络。作者对早期电影公司的财务报表、发行渠道的变迁，甚至是对几位关键制片人家族产业冲突的描述，都挖掘得极为深入和细致。我尤其佩服作者对于社会背景的宏大叙事与对具体电影情节的微观分析之间的平衡把握。例如，在论述三十年代左翼电影思潮如何影响大众审美时，作者不仅引用了大量的评论文章，还将当时的社会阶层分布图谱融入分析，使得“进步”这一概念在那个特定历史语境下的复杂性被清晰地展现出来。叙事风格多变，时而如冷静的史学家，条分缕析，逻辑清晰；时而又像一个资深影迷，在描述某位女星的眼神时，充满了那种难以抑制的热情与迷恋。读完后，我感觉自己对“上海电影”的理解，已经从单纯的“老电影”上升到了一个更具社会学和经济学维度的复杂系统。

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这本书对于研究电影工业与城市变迁之间相互作用的研究者来说，无疑是一份珍贵的资料宝库。它并非仅仅停留在回顾经典的层面，而是将上海这座城市的地理变迁、租界文化的渗透、乃至两次世界大战带来的政治冲击，都作为影响电影生产力的核心变量进行了深入探讨。作者对“片场”这个空间的研究尤其深刻，不仅仅是拍摄地点，更是社会权力、阶级流动和文化交锋的微缩景观。书中详细比对了不同时期在法租界和闸北地区设立的影厂在员工构成、融资模式和题材选择上的显著差异，这些对比清晰地揭示了经济和政治气候如何塑造了艺术表达的边界。对我个人而言，这本书提供了一个极佳的框架，让我能够跳脱出仅仅欣赏老电影画面的层面，转而思考那些看不见的结构性力量是如何共同铸就了那个特定时期上海文化现象的辉煌与复杂。

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这部书的装帧设计真是别具一格，封面的那抹老上海的靛蓝和泛黄的质感，仿佛能让人直接触摸到那个黄金时代的呼吸。内页的纸张选用了略带粗粝感的米白色，使得那些老照片的颗粒感更加突出，仿佛穿越时空，亲眼目睹了默片时代那些传奇明星的登场。我特别喜欢它在排版上的考究，不同章节之间留白的运用极其巧妙，既保持了阅读的节奏感，又不失怀旧的韵味。比如，在介绍邵氏兄弟早期制片理念的那一节，作者采用了一种不规则的版块布局，将文字描述与剧照的局部特写交织在一起，形成了一种强烈的视觉冲击力，让我对那个时代制片人那种近乎偏执的艺术追求有了更深的理解。书中的字体选择也很有讲究，正文是沉稳的宋体，而引用的老报纸片段则大胆地使用了当时流行的美术字，这种对比让历史的重量感和艺术的活力并存。总的来说，这本书在视觉体验上达到了极高的水准，它不仅仅是一本书，更像是一件精心制作的收藏品，光是捧在手里细细品味那些设计细节，就已经是一种享受了。

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