启功临苏轼手札墨迹 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:启功

出品人:

页数:54

译者:

出版时间:2009-4

价格:16.00元

装帧:

isbn号码:9787303098460

丛书系列:

图书标签:

• 工具书
• 传记&回忆&书信&日记&年谱&评传
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翰墨丹青：中国书法艺术的时代风华 一卷展开，墨香氤氲，笔走龙蛇之间，是千年文脉的流淌与传承。 本书并非聚焦于某一特定个案的临摹研究，而是以更为宏大的视角，深入剖析中国书法艺术的完整发展脉络、核心审美范式及其在不同历史阶段的文化意涵。它是一部立足于中国传统文化根基，兼具学术深度与艺术鉴赏广度的综合性著作。 全书共分六大部分，层层递进，系统梳理了中国书法从文字的雏形诞生，到成为独立艺术门类的完整历程。 第一章：文字之源与法帖之变——书法的“史前”与“古典基石” 本章追溯了汉字作为记录符号的起源，从甲骨文的卜辞刻痕，到金文的庄重铸就，探讨了早期书写形态如何奠定后世点画的“骨力”。重点深入分析了秦系文字的规范化（小篆）以及六国文字的地域性差异，为理解隶书的产生提供了必要的历史背景。 随后，笔墨转向汉代隶书的“破体”革命。我们详细考察了隶书在隶定（如《乙瑛碑》、《曹全碑》）中的结构变化和蚕头燕尾的审美确立。隶变，不仅是书体的演变，更是视觉艺术上“方正雄强”美学的确立。这一阶段的“法帖”研究，不再局限于后世的摹刻本，而是回归到对出土简牍（如郭店楚简、尹湾汉简）原貌的审视，揭示了早期书家在不同载体上的即兴与规范的张力。 第二章：魏晋风度——艺术自觉的开端 魏晋南北朝时期，是中国书法史上最关键的转折点。本章的核心论点在于“艺术自觉”的诞生。脱离了篆隶的古朴束缚，行书、草书的生命力彻底被释放。 我们详尽比对了“二王”（王羲之、王献之）的创作背景、师承关系及其核心技法。王羲之的“尽善尽美”并非偶然，而是对前人诸体（张芝的章草、钟繇的楷隶之变）集大成的结果。本书特别开辟章节，以《兰亭序》为中心，细致剖析了其结构布局的自然天成，以及后世历代“神品”的流变与考证困境。同时，南北朝碑刻艺术的蓬勃发展，如《张猛龙碑》的险劲与《龙门二十品》的古拙，构成了与“二王”帖学并行的重要艺术高峰——碑学。 第三章：盛唐气象——法度的极致与风格的张扬 进入唐代，书法艺术走向了成熟的巅峰，同时出现了两种截然不同的发展路径：法度的精严与个性的张扬。 在初唐，欧阳询、虞世南、褚遂良等书法大家，承袭晋韵，确立了楷书的典范。本书分析了欧体的“险绝”与虞体的“温润”，认为这是对晋人平和之美的结构化重塑。中唐的颜真卿，被视为“楷书集大成者”，其“颜体”的博大雄浑、气势磅礴，不仅仅是笔画的增加，更是儒家精神在艺术上的体现，重塑了书法的道德意蕴。 与楷书的法度森严相对，唐代的草书也达到了炉火纯青的境界。张旭的“狂草”与怀素的“今草”，以奔放不羁的线条，表达了盛唐知识分子内心的激荡与自由，本书将从墨法、结体和气韵三个维度，拆解其“乱而不乱”的内在逻辑。 第四章：宋代尚意——文人书法的转型与审美转向 宋代，书法的核心价值从“尚法”彻底转向“尚意”。随着士大夫阶层对艺术的全面掌控，书法不再是单纯的技艺展示，而是个人学识、性情和哲思的载体。 “宋四家”（苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄）的风格迥异，但都体现了对古法的超越与个性化的追求。苏轼的“丰腴厚重”，黄庭坚的“长枪大戟”，米芾的“刷过”之妙，都标志着书家开始主动利用线条和结构来表达主观感受。本章深入探讨了宋人“意在笔先”的创作哲学，以及米芾在鉴赏学和金石学领域对书法史的贡献。这一时期的手札、信札的大量存世，为我们提供了观察文人日常精神状态的珍贵窗口。 第五章：元明清流变——复古、创新与流派纷呈 元代，赵孟頫以其醇厚的晋人笔法，力倡“复古”，对唐宋以来的部分流弊进行了矫正，使书法重回典雅、秀逸的轨道。他的理论与实践，对后世产生了深远影响。 明清时期，书法进入了一个流派纷呈、争鸣不已的阶段。董其昌倡导“文人笔墨”，强调书画同源，追求平淡天真的意境。晚明的陈淳、徐渭等人，则以更为奔放、怪诞的笔法挑战既有规范。清代的碑学复兴，是对帖学的有力反拨。康熙、乾隆两朝的宫廷修典与赵之谦、吴昌硕等人的新兴碑学，标志着书法艺术在审美上重新回归到金石气息的雄强与朴拙之中，完成了从“内敛”到“外放”的又一次重大迭代。 第六章：当代视野——古典艺术的现代性解读 本书的最后部分，并非简单罗列近现代名家，而是从宏观角度探讨了书法艺术在近代以来所面临的挑战与新生。在印刷术和西方艺术思潮的冲击下，中国书法如何保持其艺术本体的独立性？我们审视了近现代书家如吴昌硕、于右任、沈尹默等人在继承传统基础上的探索，以及他们如何将传统笔墨与现代审美、民族精神相结合。 本章强调，对古代法帖的研究，最终目的在于激活当下的创作活力。通过对历代大师作品的“活学活用”，读者将能构建起一个完整、立体、具有批判性眼光的书法艺术知识体系，从而更好地理解和欣赏这一独步世界的东方艺术。 本书配有大量高清的碑帖细节图、不同时期代表作的对比图，并附有专业术语的详尽解释，旨在为书法爱好者、艺术史研究者提供一本既可案头研读，亦可随时翻阅的经典之作。

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从内容组织来看，这本书的编排逻辑极其清晰，但又不是那种一板一眼的教科书式排列。它似乎更注重提供一种情境化的阅读。我感觉作者（或编者）非常了解读者的求知欲曲线，总能在关键时刻插入一些能够引发思考的留白或对比。它没有试图一次性灌输所有的知识点，而是循序渐进地引导读者去发现规律。比如，某些篇章会紧密相邻，让你能清晰地捕捉到风格上的细微转折，而另一些则会被有意地拉开距离，以突出某个特定时期的成熟面貌。这种布局上的张弛有度，使得即便是对于书法研究不深的读者，也不会感到枯燥或压力过大。它更像是一位耐心的老师，用作品本身跟你对话，而不是用说教的方式。

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阅读体验上，这本书带给我一种近乎冥想的感受。我通常习惯于在安静的夜晚，点一盏暖黄色的台灯，才能真正沉浸其中。这本书的魅力在于它的“呼吸感”。每一次临摹或细看，都会发现先前忽略的微妙之处——比如某个转折处的力度变化，或者墨色浓淡的自然过渡。它不像印刷品那样冰冷、均质，而是充满了人性的温度和随机性。我尝试着去对比不同篇章之间的风格演变，发现作者在不同的心境下，用笔的节奏是迥异的，这比任何文字描述都来得直观。它迫使我放慢速度，去关注那些微小的不完美，正是这些“不完美”，构建了作品的完整性与张力。这种学习过程，与其说是学习书法技巧，不如说是在体验古人书写时的心境与环境，它提供了一个极佳的“入口”，让外行人也能感受到书写艺术的深层魅力。

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这本线装古籍的装帧，从触感上就透着一股沉甸甸的历史厚度。初翻开扉页，那泛黄的纸张和微微有些晕墨的边缘，仿佛能让人闻到一股陈年的墨香。我原本以为这会是一本纯粹的学术研究著作，但实际阅读下来，却发现它更像是一场穿越时空的对话。书中的排版极为讲究，每一个字的间距、每一行的留白，都经过了精心的考量，体现了编者对原迹的极度尊重。尤其是一些细节，比如某些笔画边缘的细微模糊处理，都真实还原了手写体的生命力。我尤其欣赏它在注释上的克制，没有过多地用现代的语言去“解释”古人的心境，而是巧妙地将相关背景资料融入到版面的设计中，让读者能够自行去体会那种韵味。合上手册时，那份安静的力量感，让人不由自主地想去探寻那些笔触背后隐藏的深意，它不只是文字的记录，更像是情感的物质载体。这种用心良苦的制作，在如今这个追求速度的时代，显得尤为珍贵，值得珍藏。

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这本书给我的最深印象，在于它所传达出的那种“静”的力量。在这个信息爆炸的时代，我们习惯于快速获取碎片化的知识，而这本书则要求一种彻底的专注。它迫使你屏蔽外界的噪音，全身心地投入到对笔墨线条的研究中去。我发现，仅仅是端详一个“之”字的写法，就能让我沉静下来很久。这种沉静不仅是对艺术的沉静，也是对自我思绪的一种整理。它提供了一种精神上的庇护所，让你在快节奏的生活中，找到一个可以慢下来的支点。可以说，这本书超越了一般艺术书籍的范畴，它更像是一件能够调节现代人精神频率的工具，每次翻阅都是一次精神上的“重置”。

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这本书的装帧设计，可以说是对传统美学的现代性诠释。它巧妙地避开了那种老气横秋的古板，而是用了一种非常现代的留白和结构来衬托主体内容。比如，封面选择的材质，在光线下会呈现出微妙的纹理变化，与内页的纸张形成了和谐的对比。我特别留意了它对字体的选择，那些辅助说明文字的字体，低调得恰到好处，完全没有喧宾夺主，只是默默地支撑着主体内容的展示。这种“不着痕迹”的设计，恰恰是最考验功力的。它成功地将一个具有高度文化价值的内容，包装成了一件可以被当代人欣赏和拥有的艺术品。每一次翻阅，都像是进行一次精心的开箱仪式，让人对其中内容产生敬畏感，同时也感受到一种被尊重、被邀请进入艺术殿堂的愉悦感。

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