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页数:224

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出版时间:2009-6

价格:39.00元

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isbn号码:9787111268437

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《数字雕刻大师：从零开始的3D建模与纹理艺术精通指南》 本书简介： 本书旨在为志在数字艺术创作领域深耕的读者提供一套全面、深入、实战导向的3D建模、拓扑、纹理绘制与渲染技术指导。我们深知，在当前快速迭代的视觉内容产业中，扎实的基础理论结合高效的工作流程是成功的关键。本书将彻底跳脱出任何特定软件或单一风格的限制，聚焦于数字雕刻（Digital Sculpting）的核心理念、高精度模型拓扑（High-Resolution Retopology）的工程学思维，以及PBR（基于物理渲染）纹理的艺术与科学。 第一部分：数字雕刻的结构基础与形态解构 本部分是通往高级三维创作的基石。我们将首先深入探讨形态学（Morphology）在三维创作中的应用，而非仅仅停留在工具表面的点击。 第一章：雕刻思维的建立与人体/生物学基础 超越像素：体积与动态的理解： 如何从二维草图或参考图快速建立起三维空间中的体积感和质量感。重点分析“质量感”——即物体在光照下应如何反射、吸收光线，这远比表面细节重要得多。 解剖学的艺术应用： 细致剖析经典解剖结构（如骨骼标记点、主要肌肉群的起止点）如何影响模型在不同姿态下的形态变化。我们将讲解如何使用“压力场”和“形变张力”来塑造动态姿态，避免僵硬的摆设感。 有机体与非有机体的差异化处理： 探讨在雕刻流程中，如何区分处理皮肤的柔软性、骨骼的硬度以及植被的纤维结构。通过对不同材质的抽象理解，指导笔刷的选择与应用力度。 第二章：高效雕刻工作流与非破坏性工作法 基础网格的构建策略（Base Mesh）： 介绍从基础球体到复杂初模的多种方法，包括多分辨率细分层级的管理、Dynamesh/Voxel技术的合理取舍，以及如何预设模型的“骨架线”（Edge Flow雏形）。 核心笔刷库的构建与自定义： 不仅仅是介绍内置笔刷，而是教授读者如何根据自身需求，调整笔刷的形状（Alpha）、反馈（Falloff）、力度（Strength）和采样模式，创建真正符合个人手感的工具集。例如，如何制作一个能模拟皮肤毛孔细微起伏的“皮肤纹理生成器”笔刷。 次级与三级细节的层次管理： 如何系统性地分层处理细节。次级细节（如肌肉的隆起与凹陷）应在前一阶段完成，而三级细节（如毛孔、细微划痕）则应在最终阶段，利用法线贴图或置换贴图的方式导入，以保证模型的拓扑清洁。 第二部分：工程学之美：拓扑重构与优化 高模的精美是“做”出来的，但模型的可用性是“重构”出来的。本部分将带领读者进入工程美学的领域。 第三章：四边面（Quad）拓扑的艺术与科学 面向动画与变形的拓扑学原理： 深入讲解“循环边流”（Edge Loop Flow）在面部表情、关节弯曲处的关键作用。我们将详细分析如何布局“涡旋点”（Poles）和“收敛点”，以应对复杂的形变需求，确保模型在绑定（Rigging）后无拉伸、无穿插。 自动化与手动重构的平衡： 探讨现有自动重构工具的局限性，并详细演示在软件中，如何高效地手动绘制关键区域的拓扑。重点讲解如何利用“投影”（Projection）技术将高模细节高效地投射到新的低模骨架上。 UV展开的效率优化： 讲解如何根据模型的材质需求（如金属部件与皮肤部件）来设计合理的UV布局。教授“缝合点”（Seam Placement）的策略，确保接缝隐藏于自然结构中，并最大化UV空间的利用率。 第四章：低模优化与数据迁移 LOD（细节层次）的规划： 针对实时引擎需求，讲解如何系统地创建不同级别的模型（LOD0到LOD3），以及各级别模型在多边形预算上的科学分配。 法线贴图烘焙的质量控制： 详细讲解从高模到低模烘焙过程中的关键参数设置，如“射线偏差”（Ray Distance）、“抗锯齿处理”以及如何处理“边缘渗漏”（Edge Bleeding）问题，以确保烘焙出的法线贴图能完美捕捉高模的每一个细节。 第三部分：PBR纹理绘制与材质的真实感表达 真实世界的视觉效果来源于对光线交互的精确模拟。本部分专注于PBR流程的实践。 第五章：PBR流程核心概念与纹理通道解析 从“色彩”到“物理属性”： 深度解析PBR中Albedo（基础色）、Roughness（粗糙度）、Metallic（金属度）、Normal（法线）和Ambient Occlusion（环境光遮蔽）五大核心通道的物理意义及其相互关系。强调Albedo应去除所有高光信息。 Roughness与Metallic的工作流抉择： 详细比较“金属/非金属工作流”（Metal/Roughness Workflow）与“反射率/高光度工作流”（Specular/Glossiness Workflow）的适用场景，并教授如何根据材质特性（如油漆、生锈金属、湿润皮肤）来精确绘制这两个决定最终观感的通道。 第六章：程序化纹理与混合技术 混合材质的艺术： 教授如何使用遮罩（Masking）技术，将程序化生成的噪声、磨损效果与手工绘制的细节（如血迹、特定污垢）进行无缝叠加。例如，如何让腐蚀效果仅出现在边缘锐角处。 皮肤与布料的复杂材质模拟： 针对有机体，我们将花费大量篇幅讲解次表面散射（Subsurface Scattering, SSS）的原理，以及如何在纹理贴图中模拟皮肤下的光线穿透与折射效果。对于布料，则侧重于纤维的走向、纱线的起伏如何影响其表面的粗糙度变化。 顶点色（Vertex Color）的高级应用： 展示如何利用顶点色数据来驱动实时引擎中的材质混合、细节遮盖或特定效果的开关，极大地提高模型在场景中的表现力与可控性。 第七章：渲染输出与最终呈现 灯光与环境的交互设计： 探讨HDR环境贴图（HDRI）在模拟真实光照环境中的作用。如何利用三点布光法结合环境光，突出模型的体积感和材质的物理属性。 后期处理的精炼： 讲解如何在渲染器中进行色彩校正、镜头光晕（Bloom）和景深（Depth of Field）的恰当使用，实现最终的电影级或高精度展示效果，避免过度处理带来的失真。 本书特色总结： 本书内容侧重于“为什么”和“如何系统性地做”，而非简单“点击A按钮得到B效果”。它面向希望将个人作品提升到专业工业标准，理解三维资产生命周期中每一个关键节点的读者。掌握本书所传授的技能，将使您能够在任何主流的三维软件环境（如ZBrush, Maya, Blender, Substance Painter等）中，高效地创建出结构合理、视觉震撼的高质量三维资产。

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读完这本书，我最大的感受是它填补了我知识体系中的一个巨大空白：如何将“动态”元素的设计融入到静态的美术基础中。书中关于“动态捕捉数据如何辅助肌肉结构理解”以及“如何在2D概念稿中预设关键帧的姿态张力”的章节，是我以前从未接触过的深入探讨。它不仅仅教你画出好看的静物或角色，更重要的是，它教会你如何设计出“能动起来”的美术资产。比如，对于武器的设计，它不仅展示了如何雕刻出锋利的边缘，还分析了挥舞时空气动力学的美感暗示；对于角色的铠甲，则考虑了在快速移动中关节部位的形变逻辑。这种对“时间性”和“运动规律”的关注，是传统美术教程中经常缺失的环节。它促使我开始用“四维”而非“三维”的思维去构思美术资源，极大地提升了我对动作游戏和载具设计的理解深度。这本书真正做到了理论与实践的完美结合，是美术学习者从“匠人”向“艺术家”跨越的关键一步。

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我是一个非常注重流程管理和团队协作的美术策划，所以我特别关注技术实现和资产管线的部分。这本书在提及这些时，表现出了惊人的前瞻性和务实性。它没有避讳行业内的一些痛点，比如不同软件间的数据桥接、版本控制的复杂性，以及如何高效地进行迭代和反馈。作者对于次世代贴图流程的讲解，特别是PBR工作流中，如何根据物理特性来精确设定粗糙度和金属度参数，非常到位。更让我赞赏的是，书中还穿插了大量的关于“性能优化”的实用建议，比如多边形预算的控制、LOD（细节层次）的合理设置，这些都是决定项目能否顺利上线的关键因素。它把美术创作从“艺术的浪漫”拉回到了“工程的严谨”，提供了一套行之有效的标准化流程，让创意得以稳定、高效地转化为游戏资源。对于希望从自由职业者转型到规范化团队管理的人来说，这本书提供的系统性框架，无疑是极具指导价值的宝贵财富。

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这本书实在是太棒了，它彻底颠覆了我对传统游戏美术设计的理解。从头到尾的讲解都充满了实战经验，简直就像是跟着一位行业大咖在工作室里进行为期数月的魔鬼训练。它并没有停留在基础的工具介绍上，而是深入探讨了如何将创意转化为视觉语言的复杂过程。特别是关于角色概念设计的章节，作者不仅展示了如何绘制出富有故事性的外形轮廓，还详细拆解了如何通过材质、光影和色彩心理学来烘托角色的背景和性格。我尤其欣赏它对“风格化”的独到见解，它强调的不是盲目模仿当前流行的PBR流程，而是如何构建一个自洽且能在市场中脱颖而出的艺术体系。对于我这种已经掌握了基础软件操作，却苦于无法将“想法”有效“落地”的进阶学习者来说，这本书简直是久旱逢甘霖。它教会我的不只是“怎么画”，更是“为什么这样画”，这种深度思考的训练，对于未来跨平台、跨题材的项目开发都具有极强的指导意义。作者的叙述逻辑清晰严密，每一步骤都有详尽的图示和文字注释，即便是复杂的三维拓扑结构或高模烘焙流程，也能被讲解得深入浅出，让读者能够毫不费力地跟上思路，大大提升了我的工作效率和成品质量。

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这本书的排版和视觉呈现本身就是一种享受。作为一名资深玩家和业余绘画爱好者，我深知优秀的教程必须兼顾内容深度与视觉体验。这本书在这两方面都做到了极致。它的配色方案大胆而和谐，插图的质量堪称艺术品级别，每一张概念图都仿佛能讲述一个完整的故事。我注意到作者在解释一些复杂的多层级渲染技术时，使用了非常巧妙的、类似“解剖图”的示意方式，将原本抽象的数学模型转化为了直观的图形语言。这极大地降低了学习的认知门槛。而且，它在探讨风格时，并没有局限于主流的日式或欧美写实风格，还涉及了一些小众但充满潜力的艺术流派，拓展了读者的视野。阅读这本书的过程，就像是在参观一个顶级的数字艺术画廊，既能学习到硬核技术，又能从中汲取源源不断的灵感。这种愉悦的学习体验，是许多枯燥的技术手册所无法比拟的。

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说实话，我本来对市面上那些号称“全能”的教程持保留态度的，通常都是泛泛而谈，看完等于没看。但这本书完全不一样，它的专业深度和广度让人印象深刻，尤其是在环境美术这一块的论述，简直是教科书级别的。它没有把场景设计简化成简单的素材堆砌，而是从叙事结构的角度切入，讲解了如何通过环境元素——比如植被的分布密度、废墟的腐蚀程度、建筑的几何韵律——来悄无声息地引导玩家的目光，营造出特定的情绪氛围。更让我眼前一亮的是它对光照和后期合成的处理心得，作者提供的那些关于如何使用环境光遮蔽（AO）和次表面散射（SSS）来增强材质真实感的小技巧，我花了大量时间在其他地方寻找都未曾得到如此细致的解答。读完后我立刻尝试应用到自己的项目中，效果立竿见影，原本平淡的场景瞬间充满了层次感和呼吸感。这本书的价值远超其定价，它不仅仅是一本工具书，更像是一份资深美术总监的私藏工作手册，对于致力于打造沉浸式虚拟世界的开发者来说，是案头必备的参考资料。

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